Искусство Древнего Рима, Византии, Италии

ИСКУССТВОДРЕВНЕГО РИМА, ВИЗАНТИИ, ИТАЛИИ
Курсовая работа
Содержание
Введение
1.  Искусство Древнего Рима.
2. Искусство Византии.
3. Итальянское искусство эпохи Возрождения.
4. Итальянское искусство периода XVII-XVIIIвв.
5. Итальянское искусство периода новой и новейшейистории.
Заключение
Список использованнойлитературы
Введение
Первые зачатки искусства на территории современной Италии восходят кконцу палеолита. За тысячелетия до нашей эры люди, жившие охотой и сбором дикихплодов, были уже знакомы с выразительной силой наскального рисунка. Но все же,говорить об искусстве как о социальном феномене в его широком смысле исовременном понимании, можно лишь применительно к обществу, организованному вгосударственную форму. Таким государством на средиземноморье был Древний Рим.
Будучи законодателем традиций во многих областях жизни (начиная сдревнеримского права первой в истории республики), Рим стал центром иисточником традиций в архитектуре, живописи, скульптуре.
Дальнейшая эволюция государственности и общественных отношений обусловилисоответствующее развитие отраслей искусства: вначале византийского, затем –итальянского. Целая эпоха, названная эпохой Возрождения,  связана сдостижениями средневековых мастеров, творивших на территории нынешней Италии.
Современная Италия – часть экономически развитойЕвропы. И ее культура – часть европейской культуры. Сегодня лидерствоитальянского искусства в основном утрачено. Но его традиции сохраняются втворчестве многих архитекторов, скульпторов и живописцев не только Запада, но иВостока. Российская культура (начиная с православной культуры) ведет свою«родословную» от культуры Византии. Отсюда важность исследования истоков ихарактера эволюции итальянского искусства для россиян.
Целью данного реферата является проведение ретроспективного (исторического)анализа процесса развития итальянского искусства от момента его зарождения  донаших дней.

1.  Искусство Древнего Рима.
Хронологические рамки искусства Древнего Рима охватывают почтитысячелетие – от его зарождения в конце 6 в. до н.э. до конца 5 в. н.э. Начало древнеримскогоискусства относится к периоду республики (конец 5 – конец 1 в. до н.э.). Онодостигло расцвета в период образования мировой рабовладельческой державы (конец1 в. до н.э. – 5 в. н.э.), разнородной по этническому и социальному составу,сложной по хозяйственной и общественной организации[1].
Искусство времен Римской империи представляет собой последнюю ступеньгреческого искусства, на которой его упадок и искаженность открыли, однако,путь к новому художественному творчеству[2].
Исторические особенности развития определили важнейшее отличие искусстваримского от греческого. В римском искусстве периода расцвета ведущую рольиграет архитектура, в которой основное место принадлежитсооружениям общественным, воплощающим идеи могущества государства ирассчитанным на огромные количества людей.
Древние здания Рима и теперь даже в развалинах покоряют уверенной мощью.Римляне положили начало новой эпохе мирового зодчества. Во всем древнем миреримская архитек­тура не имеет себе равной по высоте инженерного искусства,многообразию типов сооружений, богатству композиционных форм, масштабустроитель­ства.
Потребности римского общества породили много новых типов соору­жений:амфитеатры, термы, триумфальные арки, колонны, акведуки. Дворцы, особняки,виллы, театры, храмы, мосты, надгробные памятники получили на римской почвеновое архитектурное решение. Среди сохранившихся памятников монументальногозодчества периода республики наиболее известны три круглых храма богини Весты,построенные во 2-1 вв. до н.э.[3]
Архитектурное искусство Древнего Рима достигает вершины в первые два веканашей эры.  Порождением всего склада импе­раторского государства были триумфальныесооружения, прославляющие воен­ные победы Римского государства. Самоегигантское зрелищное сооружение — амфи­театр Флавиев-Колизей (75—82 гг. н. э.).
В 4 в. после признания в 313 г. христианства господствующей рели­гиейначинается строительство христианских храмов, формы которых в основномзаимствовались из античных базилик.
Главное место в скульп­туре занимает портрет, имеющийглубоко познавательный смысл. В нем проявляется интерес к проблеме личности иее судьбе, представление о конкретно-историческом характере человека.
В области монументальной скульптуры римляне не создали памятни­ков, стользначительных, как греки. Но они обогатили пластику раскры­тием новых сторонжизни, разработали бытовой и исторический рельеф с характерным для него конкретно-повествовательнымначалом. Рельеф являлся неотъемлемой частью архитектурного декора.
Древнейшее произведение скульптуры первых десятилетий респуб­лики —бронзовая Капитолийская волчица — символ Рима (6 в. до н. э., Рим, ПалаццоКонсерватори), отличающаяся остротой реализма и экс­прессивностью. Однако,лучшее из художественного наследия римской скульптуры — портрет.  В портретномжанре наиболее ярко проявлялся самобытный реализм, острая наблюдательность,историческое чутье римлян, их умение обоб­щить наблюдения в ясной и сжатойформе. Гражданственные идеалы республиканской поры воплощены в монументальномпортрете в рост сурового «Римлянина, совершающего возлияние» (1 в. до н. э.,Рим, Ватикан), исполненного чувства долга.
В римском искусстве портрет получает широкое распространение и в живописи.Но эволюцию римского живописного портрета нельзя просле­дить подобноскульптурному. Живописных портретов сохранилось немно­го. Среди них — «Портретмолодой женщины», «Портрет мо­лодого человека с бородкой в золотом венке»,«Портрет пожилого римлянина». 
Но главным родом живописи во времена римских императоров  была живописьстенная[4].
Таким образом, искусство времени республики известнонам по немногим памятникам архитектуры, значительному числу скульптурныхпроизведений, портретов, фрагментов стенной живописи Помпей и Геркуланума[5].Искусство Римской империи завершает большой период античной культуры. Рим«раскололся» на Западную и Восточную части. Разрушенный, разграбленныйварварами, в 4—7 вв. Рим обезлюдел, его руины заросли травой, но традицияримского искусства продолжала жить в средние века. Слава Древнего Рима,воплощенная в художественных образах, вдохновляла мастеров Возрождения. К герои­ческомуи суровому искусству Рима обращались крупнейшие мастера 17—19 вв.
 
2.  Искусство Византии.
Эпоха средневековья для историка культуры и искусства охватывает периодот падения Римской империи до начала эпохи Возрождения[6].Одним из важнейших центров средневекового искусства была Византия —государство, образовавшееся в 395 г. на основе Восточной Рим­ской империи ипросуществовавшее до 1453 г.
В центре внимания визан­тийского художника, как и в античности, стоялчеловек, воплощенный в образе христианского бога и святых; в его изображениисохранялись правильные пропорции фигуры, тонкая пластика форм, точный рисунок.Но византийский художник подвергал их коренной переработке в соответ­ствии сновыми представлениями о мире и человеке.
Главной задачей византийского искусства было воплощение божественногоначала[7].А его содержание отражало религиозно-философ­ские воззрения слагающегосясредневекового общества. Первый подъем византийского искусства приходится на 6век. Оно достигает блестящего расцвета при Юстиниане I (527—565), когда закла­дываютсяосновы византийской государственности.
В различных областях империи развивалось крупное монументальноестроительство. Ведущую роль приобрела архитектура монастырскихансамблей и храмов, отличавшихся разнообразием строительных типов. Трехнефнаябазилика Сант Аполлинаре Нуово в Равенне (на­чало 6 в.) дает представление отипе продольного ранневизантийского храма, в котором нет еще резкогоразмежевания мирян и клира. Наиболее совершенный тип центрического храма —церковь Сан Витале в Равенне (526—547 г.). Восьмигранная в основании, онапокрыта ку­полом (диаметр 15 м), покоящимся на восьми столбах, иокружена обход­ной галереей, принимающей распор. Цветной мрамор и богатые по ко­лоритусюжетные мозаики покрывают стены и своды церкви.
Потребность в здании, вмещающем массы людей, породила в 5—6 вв. новый типхрама — купольной базилики, наиболее приспособленной к сложному ритуалубогослужения. Культ объеди­нил все виды искусств — архитектуру, живопись(мозаики, росписи, иконы), прикладное искусство (драгоценную утварь, богатоеоблачение. священников, зрелищность церковного церемониала, многоголосые хо­ры)— в единый грандиозный художественный ансамбль.
Гениальное воплощение новый стиль сооружения получил в храме св. Со­фии вКонстантинополе (532—537). В его замысле торжествует идея зависимости церкви отимператорской власти и вместе с тем могущества христианства.
С усилением роли церковного интерьера формируются новые принципы синтезаискусств. Развивая традиции позднеантичной живописи, визан­тийцывпервые объединили духовное содержание с декора­тивным началом. Быларазработана иконография Священного писания — сюжеты, композиции, типы фигур,лиц, атрибуты святых, которые легко воспринимались и запоминались зрителем.Постепенно иконографические типы и композиции превратились в утвержденныецерковью каноны.
Излюбленной техникой стенной живописи Византии стала мозаика.Византийцы впервые воспроизводят форму цветом. Они владеют всем богатствомкрасочного спектра, оттенками различной свето­силы и густоты. Редкий образецвизантийской светской живописи — две большие мозаики на боковых стенах церквиСан Витале в Равенне (547 г.). Традиция античности проступает в образах четырехангелов из церкви Успения в Никее.
В византийской церковной архитектуре с 9 в. утверждается новый тип крестово-купольногохрама, воплощенного впервые в базилике Василия Македонянина в Константинополе[8].Типичными памятниками крестово-купольного храма являются церкви Католикон вмонастыре Хосиос Лукас в Фокиде и св. Феодора в Афинах. Рациональность конструк­тивнойсистемы, способствовала распростране­нию этого типа храма за пределамиВизантии.
В 9 в. складывается законченная каноническая система церковнойросписи. В живопись проникает идея иерархии. Пантократор уподобляетсясамодержцу, святые — придворным и т. д.
Во второй половине 11—12 вв. утверждается торжест­венный византийскийстиль. Самым классическим произведением византийской живописи этого периодаявляются мозаики монастыря Дафни (близ Афин).
Шедевр византийской живописи первой половины 12 в.— икона сто­личнойшколы Владимирская богоматерь, иконографиче­ского типа «Умиление» (младенецприжимается щекой к щеке матери).
Последний расцвет византийское искусство переживает в 13—14 вв. Наиболееярко новые тенденции проявились в живописи, в мозаиках и фресках  Кахрие-Джамив Константинополе. Повествовательный стиль циклов, посвященных жизни Христа ибогоматери, продолжает традицию столичной школы живописи, но бого­словскаядогматика уступает место драматическому переживанию еван­гельской легенды.
Тысячелетнее существование Византии сыграло большуюроль в исто­рии мировой культуры. Здесь были созданы типы монументальных церков­ныхзданий с декоративными циклами, распространившимися в средневе­ковом искусствеЕвропы, южных славян, Древней Руси, Закавказья. Ис­торическая миссия Византиизаключалась и в том, что она своеобразно развила и передала последующим векамантичную традицию, обогатив ее новыми открытиями. К византийскому искусствуобращались итальянские, русские, бол­гарские, сербские, грузинские, армянскиезодчие и живописцы.
 
3.  Итальянское искусство эпохи Возрождения.
В историю художественной культуры Возрождения Италия внесла вкладисключительной важности[9].
Подъем новой культуры в Италии относится к 12 — 13 вв. Это, такназываемый, период раннего Возрождения.
Масштабы величайшего расцвета итальянскогоренессанса особенно поразительны по контрасту с небольшими территориальнымиразмерами тех городов-государств, где зародилась и пережила свой высокий подъемкультура этого времени[10].
Во Флоренции написал свою «Божественную комедию»Данте,  здесь сформировалось могучее дapoвание родоначальника реалистическогоискусства Возрождения Джотто ди Бондоне (1266—1337). Архитектор, скульптор,поэт, самый значительный вклад он сделал в развитие живописи.
Родоначальником ренессансной архитектуры бил ФилиппеБрунеллески (1377—1446), уроженец Флоренции. Впервые в западноевропейском зод­чествеБрунеллески дал ярко выраженный пластический объем купола, «вздымающегося кнебесам» и осеняющего, по выражению архитектора Альберти, «все тосканскиенароды». В этом сооружении, воздвигнутом во славу города, нашло воплощениеторжество разума, идея, определяющая основное направление культуры Воз­рождения.
Следующим этапом в развитии ренессансной архитек­туры было творчествоЛеона Баттиста Альберти (1404—1472), энцикло­педиста-теоретика, автора ряданаучных трактатов об искусстве («Десять книг о зодчестве»).
Развитие типа раннеренессансного дворца в 15 в. завершает палаццо Строцциво Флоренции (начат в 1489 г.), Бенедетто да Майано (1442—1497).
Находившаяся в эпоху средневековья в состоянии полной зависимости отархитектуры скульптура эпохи Возрождения вновь обретает самостоя­тельноезначение. Как равноправный компонент она входит в архитектурные ансамбли наоснове содружества, но не подчинения архитектуре. Освобождаясь от сковывающегоее религиозно-мистического содержания, она обращается к жизни, к реальнымобразам действительности, человеку. Наряду с сохраняющими свое значениеобразами христианской мифоло­гии и античности объектом изображения скульпторовоказываются теперь и живые люди, герои современности. Развитие получает жанрпортрета. Создаются конные статуи, украшающие площади городов.
В ювелирной мастерской изучил основы ремесла один из выдающихсяскульпторов 15 в. — Лоренцо Гиберти (1381—1455). Блестящий мастер и тонкийрисовальщик, Гиберти занял первое место на конкурсе 1401 г. на дверибаптистерия, которые стали одной из достопримечательностей Флоренции. «Вратарая»— назвал их Микеланджело.
Настоящим реформатором итальянской скульптуры был Донателло (1386—1466).Его рукам принадлежит мраморная статуя  Георгия. Закованный в доспехи,стройный, с одухотворенным лицом, настороженным взглядом, он воплощает идеалгероической личности, созвучной эпохе, исполнен самосознания, спокоен ибесстрашен. Торжество идеалов ренессансной скульптуры и утверждение статуар­ногоначала знаменует первая обнаженная статуя в итальянской пластике Возрождения,—Давид (1430).
Ту же эволюцию, что и скульптура, проходит живопись раннего Воз­рождения.Художники 15 в. вступают на путь реализма. Невиданный расцвет переживаетмонументальная фресковая живопись.
Реформатором в живописи стал флорентинец Мазаччо (1401—1428).  Снаибольшей наглядностью его искания проявились в фресках капел­лы Бранкаччи прицеркви Санта Мария дель Кармине во Флоренции «Чудо со статиром» и «Изгнание израя».
Значительный интерес к пробле­мам колорита отличал творчество ДоменикоВенециано (1410—1461), уроженца Венеции. Его религиозные композиции(«Поклонение волхвов»), несут отпечаток готической тради­ции.
Необычайной тонкости исполнения, очень сдер­жанныхпо колориту, светских по характеру произведений добивается Фра Филиппе Липпи(1406—1469), сменивший монашескую рясу на беспокойную профессию бродячегохудожника. В нежных лиричных образах —«Мадонна с мла­денцем», «Мадонна подвуалью» он запечатлел трогательно-женственный облик своей возлюбленной,любующейся пухлым младенцем.
Предпосылки для следующего этапа развития искусства Возрожденияраньше всего складываются во Флоренции.  Здесь созревает своеобразная поутонченности культура. Воз­растающий интерес к деталям обстановки придаетживописным компо­зициям черты жанровости. Суровая героика сменяется интимнымповест­вованием. Фигуры людей приобретают большую стройность пропорции,становятся хрупкими и гибкими.
В живописи этого времени выделяется творчество Доменико Гирландайо(1449—1494).  Традиционность его искусства выявляется в росписи церквиОньиссанти «Тайная вечеря». Главное произведение Гирландайо — фрески церквиСанта Мария Новелла на сюжеты из жизни
Черты утонченности и аристократической изысканности находят наиболееяркое воплощение в творчестве Сандро Боттичелли (1445—1510), одного из са­мыхэмоциональных мастеров Возрождения. Его наиболее прославленные зрелые картины —«Весна», «Рождение Венеры».
Одним из характерных вырази­телей флорентийской культуры последней трети15 в. был скульптор и живописец Андреа Верроккьо (1435—1488).  Его бронзоваястатуя «Давид» олицетворяет изящество и утонченную грацию хрупкого юноши,облаченного в нарядные воинские доспехи.
Главным представителем ренессансной живописи Се­верной Италии был АндреаМантенья.  Он был не только живописцем и рисовальщиком, но ученым, тео­ретиком,археологом, одним из лучших знатоков античности.
В росписях Мантенья дал новые иллюзорные приемыпостроения пространства, неожиданные ракурсы и аспекты изображения.Монументальные фрески Мантеньи украшают капеллу Оветари при церкви Эремитани вПадуе (1449—1455) в «Шествии св. Иакова па казнь». 
Талантливым художником был Джованни Беллини (1430—1516). Его алтарныйобраз «Мадонна со святыми» привлекает уравновешенной компози­цией,колористическим богатством, величественностью и ясной просвет­ленностьюхарактеров героев, погруженных в задумчивость.
Искусство Высокого Возрождения приходится на первые три десяти­летия16 в. Это был век глубокого драматизма и контрастов не только в областирелигии, политики, философии и науки, но и в сфере искусства. На основепересмотра всех ценностей в это время возникают идеи, на которых воздвигаетсяздание культуры современной Европы[11].
Именно в это время раскрываются силы народа, вступаю­щего в борьбу зареспубликанскую форму правления, растет его национальное самосознание. Об этомсвидетельст­вуют архитектурные постройки старого Ватикана и виллы Бельведер,сведенные в единый мону­ментальный комплекс по проекту Браманте.
Главное создание Браманте — проект собора св. Петра в Риме (1506),воплотивший замысел идеального центральнокупольного здания с сим­метричнойкомпозицией. И хотя заложенный по этому проекту собор в дальнейшем былперестроен другими строителями, его идеи нашли рас­пространение в сооруженияхмногих итальянских зодчих.
К середине 16 в. Высокое Возрождение сменяется в ряде областей этапомпозднего Возрождения. К этому времени относится создание такихтеоретических трудов, как «Правила пяти архитектурных ордеров»  Джакомо Виньолын «Четыре книги по архитектуре» Андреа Палладио. В это время рождаются чертыакадемизма и канонизации основ рим­ской античной архитектуры, проявляютсятенденции к декоративности и живописности, к пространственности решений,предвосхищающих архитектуру барокко.
Новые черты находят выражение в творчестве Андреа Палладио (1508—1580),теоретика, исследователя и крупнейшего практи­ка-строителя второй поливины 16в. Наиболее значителен вклад Палладио в развитие архитектуры, двор­цов и вилл.
Однако подлинным основоположником стиля Высокого Возрождения был Леонардода Винчи (1452—1519), ге­ний, чье творчество знаменовало грандиозныйкачественный сдвиг в ис­кусстве. Леонардо воплощал собой новый тип ху­дожника —ученого, мыслителя, поражающего широтой своих взглядов, многогранностьюталанта.
К числу ранних произведений Леонардо относится и хранящаяся в Эрмитаже«Мадонна с цветком». Произведения зрелого стиля — «Мадонна в гроте» и «Тайнаявечеря» и многие другие шедевры.
Представление о самых светлых и возвышенных идеалах гуманизма Возрожденияс наибольшей полнотой воплотил в своем твор­честве Рафаэль Санти (1483—1520).Мастер синте­зировал достижения предшественников и создал свой идеалпрекрасного, гармонически развитого человека в окружении величавой архитектурыили пейзажа.
Нежный лиризм и тонкая одухотворенность отличают его ранние  произведения— «Мадонну Конестабиле», «Обручение Марии». Про­стор в построении пейзажа,гармония форм архитектуры, уравновешенность и цельность всех частей композициисвидетельствуют о сложении Рафаэля как мастера Высокого Возрождения. Темаматеринской любви получает более зрелое выражение в таких произведениях, как«Мадонна в зелени», «Ма­донна со щегленком», «Прекрасная садовница».
Им написан и ряд портретов: папы Юлия II, папы Льва Х с кардиналамиЛюдовико де-Росси и Джулио де-Медичи и др. Величайшее творение Рафаэля —«Сикстин­ская мадонна», предназначавшаяся для церкви св. Сикста в Пьяченце.
Кульминацией Высокого Возрождения и в то же время отражением глубокихпротиворечий культуры эпохи явилось творчество третьего из титанов итальянскогоискусства — Микеланджело Буонарроти (1475—1564).
Страстная патетика устремленного на подвиг человека захватывает в статуеДавида, исполненной в 1501—1504 гг. Микеланд­жело представил его перед боем.Все мускулы Давида кажутся пронизанными дви­жением. Микеланджело вернул наготетот этический смысл, каким она обладала в античной пластике.
Получив заказ от папы Юлия II на сооружение его гробницы, Микел­анджелосоздает проект величественного мавзолея, украшенного многочислен­ными статуямии рельефами, осуществляет роспись потолка Сик­стинской капеллы, которая сталаодним из величайших творений итальянского искусства.
В последние годы жизни Микеланджело создает огромнуюфреску «Страшный суд» (1531—1541). Она трактована как грандиозная космическаякатастрофа. Обнаженные фигуры ангелов, святых, грешников увлекает неумолимыйпоток стихийного движения, которому они не могут противостоять. В центрекомпозиции — Христос, наделенный титанической мощью. С гневом вершит он суд надчеловечеством.
Сегодня лишь немногие страны, кроме Италии, могутгордиться тем, что обладают достоверными скульптурными произведениями великогоМикеланджело Буонароти – Франция, Англия, Бельгия. Тем важнее единственнаяработа ваятеля в музеях России – так называемый «Скорчившийся мальчик»,хранящаяся в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге[12].
Прославленные мастера эпохи Возрождения внесли неоценимый вклад вразвитие мирового искусства. О всеобщем преклонении перед их талантом можетсвидетельствовать тот факт, что величайшие гении эпохи – Леонардо да Винчи,Рафаэль, Микеланджело – получили у современников наименование divino – божественных[13].
 
4. Итальянское искусство периода XVII-XVIIIвв.
В XVII в. нации, воспринявшие из Италииосновы гуманизма, приобретают духовную независимость и создают своюнациональную культуру, уровень которой настолько высок, что уже приходитсяговорить о новой европейской культуре в широком объеме. И все же искусствоИталии еще весомо по своему значению, о чем свидетельствует деятельность рядапрогрессивных художников страны[14].
В данный исторический период наблюдается тяготение мастеров барокко кграндиозным размерам, сложным формам, монументальной приподнято­сти, пафосу —поиски средств, усиливающих действенность создаваемых образов.
Наиболее полное выражение барокко нашло в архитектуре,которая не только решала задачи католической пропаганды; ее прогрессивныетенденции выявились в планировке городов, площадей, зданий, рассчитан­ных намассы народа. Блестящим центром барочной архитектуры стал католический Рим.Истоки барокко были заложены в позднем творчестве Виньолы, Палладио и особенноМикеланджело.
Свое Крайнее выражение иррациональность, экс­прессивность и живописностьбарокко находят в творчестве Франческо Борромини (1599—1667). Не считаясь слогикой конструкций и возмож­ностями материалов, он заменяет прямые линии иплоскости изогнутыми, скругленными, извивающимися. Его произведения – церковьСан Карло у четырех фонтанов в Риме.
Подобно мастерам Возрождения, основоположник стиля зрелого бароккоЛоренцо Бернини (1598—1680) был разносторонне ода­ренным человеком. Архитектор,скульптор, живописец, гениальный де­коратор, он исполнял в основном заказыримских пап и возглавлял офи­циальное направление итальянского искусства. Одноиз самых характер­ных его сооружений — церковь Сант Андреа аль Квиринале в Риме(1653— 1658). Крупнейшая архитектурная работа Бернини — окончание многолет­негостроительства собора св. Петра в Риме и оформление площади перед ним.
Наблюдаются новые тенденции в живописи и скульптуре. Так,наряду с барочной архитектурной пластикой Бернини создает ряд ста­туй ипортретов.  Характер его новаторских исканий проявляется в статуе «Давид»(1623). Бернини изображает Давида в неисто­вом порыве ярости, в момент схватки,полного драматического пафоса.
Новаторство Бернини проявилось и в многочисленных портретах, скульптурныхбюстах. Созданный Бернини пышный репрезен­тативный портрет Людовика XIV —французского «короля-солнце» послужил образцом для подражания барочнымскульпторам.
Художником огромной творческой смелости был Микеланджело Меризи даКараваджо (1573—1610). К числу его ранних картин относится «Девушка с лютней»(1595).
Как жанровая сцена решена композиция «Призвание Матфея» (1597— 1601).Крепкими, полнокровными людьми предстают в произведениях Кара­ваджо святые ивеликомученики: простодушный грубоватый Матфей, суро­вые, вдохновенные Петр иПавел. От картины к картине нарастает трагическая сила образов Караваджо. В«Положении во гроб» (1604) на глу­боком темном фоне ярким светом выделяетсятесно сплоченная группа близких Христу людей, опускающих его тело в могилу. Онигрубоваты и сдержанны в своих чувствах, но движение каждого отмечено особойсобранностью. И только воздетые в патетическом порыве отчаяния руки МарииМагдалины оттеняют суровую скорбь остальных персонажей, составляя контраст сдавящей тяжестью безжизненного тела Христа.
Огромной эмоциональности добивается художник в композиции «Успе­ниеМарии» (1605—1606), захватывающей искренностью переживаний, которые выражены впозах, жестах, лицах скорбных уче­ников Христа, окруживших ложе усопшей.
Воздействие Караваджо на развитие реализма в европейском искусстве былогромадным. В самой Италии нашлось много его последователей, получивших названиекараваджистов. Но еще значительнее было его влия­ние за рубежами Италии. Ниодин крупный живописец того времени не прошел мимо увлечения караваджизмом,явившимся важным этапом на пути европейского реалистического искусства.
На рубеже 16—17 вв. в связи с общими культур­ными изменениями и какреакция на маньеризм складывается академи­ческое направление в живописи. Егопринципы были заложены в одной из первых художественных школ Италии, в такназываемой Болонской академии. Основателями ее были братья Карраччи. Наиболееталантливым из братьев был Аннибале (1560—1609), автор большого числа алтарныхобразов и картин на мифологические сюжеты. Совместно с братьями он расписалпалаццо Фарнезе в Риме (1597—1604).
Таким образом, общий характер культуры и искусства Италии в 17 веке былобусловлен всеми особенностями ее исторического развития. Именно в Италиизарождается и получает наибольшее развитие искусство барокко,образно-стилистические принципы которого приобретают в дальнейшем широкоезначение для эволюции всей европейской художественной культуры[15].
В 18 в. завершается классический период развития итальянского ис­кусства.Профессиональный уровень мастерства художников был все еще очень высоким, ихприглашали правители различных европейских стран. Однако творческие исканиядаже самых видных мастеров были, по существу, ограниченными, и большинство изних не выходило за рамки барочного искусства.
По сути, в 18 веке Италия теряет ведущую роль в сфере культуры. ЛишьПапская область с Римом и Венецианская республика сохранили значительную роль вхудожественной жизни Европы 18 в. Особое место в итальянском искусстве 18 в.заняла венецианская школа живописи, выдвинувшая ряд крупнейших художников,которые продол­жили традиции высокого мастерства декораторов барокко и отчастиВоз­рождения.
Блестящим декоратором, живописцем и графиком был Джованни БаттистаТьеполо (1696—1770), который работал не только в Италии, но и в Германии,Испании; его произведения украшали также дворцы русских вельмож.
В венецианском палаццо Лабиа находятся его фрески«Пир Антония и Клеопатры» и «Встреча Антония и Клеопатры», превращающие зал вподобие красочного театрального зрелища. Величественность и спокойнаяуверенность образов прекрасных людей, героев полотен Тьеполо, сближают их спроизведениями его блестящего предшественника — Веронезе. Тьеполо не толькосумел блестяще развить принципы декоративной живописи Возрождения, но и дал имновое.пре­творение. Подобно мастерам Возрождения, оп черпал вдохновение в обра­захживой действительности.
В обращении к реальному миру, к неповторимо прекрас­ной природе Венеции иее нарядной архитектуре заложена основа успеха художников-пейзажистов, средикоторых выделяется высоким мастерст­вом исполнения и тонким колоризмомФранческе Гварди (1712—1793).
В искусстве этого времени первенство принадлежит литературе итеатру, расцвет которых начинается в середине столетия[16]. Он связан, в 1-ю очередь, с деятельностью Карло Гольдони – реформатораитальянского театра, автора блистательных реалистических комедий, Карло Гоцци,возродившего народную комедию масок и Витторио Альфиери – поэта и драматурга,трагедии которого были проникнуты идеями патриотизма и гражданственности.
Итальянская опера достигает высокого уровня в творчествевыдающихся композиторов Джованни Батиста Перголези и Доменико Чимарозы[17].
 
5.  Итальянское искусство периода новой и новейшей истории.
В эпоху конца XIX – начала ХХ в.живопись переживает глубокий кризис, но архитектура получает все болееблагоприятные условия. Общественный характер производства, бурный рост техники,потребность населения в жилье вызывают насущную необходимость решения проблемградостроительства.
Зодчество, в отличие от живописи, является видом искусства, неразрывносвязанным с материальным производством, с техникой, с удовлетворениемпрактических запросов общества.
На смену эклектизму 19 в. приходят поиски цельного стиля, основанного наприменении новых конструкций и материалов. В 1890-1900 гг. в результатеприменения новых материалов и технических изобретений сложилось направление,получившее название «стиль модерн». Создатели стиля, с одной стороны,стремились к рациональным конструкциям, применяя железобетон, стекло,облицовочную керамику и т.д., с другой стороны – у архитекторов появилась тягак поверхностному декоративизму. Извилистые узоры металлических переплетов,перил, балконных ограждений, изгибы кровли, стилизованный орнамент нередкосочетались с переработанными формами исторических стилей прошлого. Но модерн,оказав временно большое влияние на декоративное и прикладное искусство, несоздал новой художественно-архитектурной системы.
Ведущее место в живописи 19-29 веков занимала Франция.Италия, как европейское государство, во многом следует законодательнице мод.
Официально признанным направлением в искусстве этоговремени является салонно-академическое. На выставках вниманию публикипредлагаются академические портреты, изображения нагих красавиц, жанровыекартины, исторические сцены. Натуралистическое правдоподобие все более уступаетв академизме модернизованным формам.
Первым художественным течением ХХ в., начавшим последовательный отход отпринципов реализма, был фовизм (субъективное видение мира). Ему на смену пришелкубизм (открыто формалистическое течение, утверждавшее, что в основе натурылежат простые стереометрические объемы – шар, цилиндр, конус, куб).
Футуризм — стремление к раздроблению и искажению реального мира, крастворению его форм и хаотической динамике ритмов. Наиболее яркое выражениефутуризм нашел в Италии в творчестве Д. Балла и К. Карра, авторов беспокойнохаотичных композиций. Лидером футуристов в Италии был писатель Маринетти,ставший в последствии фашистом.
Заметным явлением в итальянском искусстве сталэкспрессионизм. В его сущности лежали две тенденции. С одной стороны, в немвыразился ужас и отчаяние народа перед трагическими противоречиями жизни. Сдругой стороны – это был протест против несправедливости.
Через экспрессионизм в Италии прошли Гуттузо, Нерви Вителлоцци. К работамГуттузо относятся: «Девушка, поющая «Интернационал», «Битва у моста Аммиральо»,«Рокко с патефоном», «Спагетти»[18].
Распад реалистического искусства меньше всего коснулся скульптуры.В монументальных памятниках, рассчитанных на массового зрителя, реалистическийметод сохранялся в течение ХХ века.
Ярким представителем итальянской скульптуры данного периода являетсяДжакомо Манцу. Его руке принадлежат скульптурные портреты и поэтичные ста­туи«Голова Инге», «Мать с ребенком», «Танцовщица», «Врата смерти»[19].
В ХХ веке наука  (З. Фрейд) провозглашает первичность подсознательныхсфер жизни. Кризисные настроения выражаются в искусстве течениямиабстракционизма и сюрреализма. Деятельность художников в этот период привела кисчезновению образной основы.
Вторая половина ХХ века рождает течение неореализм. Основным егосодержанием является жизнь народа, простого человека, изображенного синдивидуальными чертами внешнего облика и душевного склада.
К концу ХХ – началу ХХIстолетия итальянское искусство окончательно растворилось в общеевропейскомискусстве, подчиняясь его модам и течениям. Признанное лидерство страны сохраняетсяв области театра (прежде всего – итальянская опера) и отчасти в областиэстрады, киноискусства (Фредерико Феллини и др.).Заключение
 
Искусство любого государства неотделимо от егоистории, политики, экономики и других сфер, касающихся общества. Процветающаястрана, как правило, порождает гениев, и эти гении еще более  способствуютукреплению могущества своей державы.
Итальянская цивилизация – одна из древнейших на европейском континенте. Инеудивительно, что именно на Апеннинском полуострове зародилась и прошла долгийпуть совершенствования та культура, которая до сих пор поражает высотой своейдуховности, до сих пор является нераскрытой тайной.
Наследие итальянского искусства в мире весьма богато. Взоры туристовпокоряют величественные храмы, фрески церквей, скульптурные композиции. Вкартинных галереях и музеях хранятся бесценные  произведения художников. Втеатрах современные мастера исполняют оперы, созданные сотни лет тому назад.
 Православное христианство берет свои начала в византийской культуре. Всяистория нашей духовности, начиная от Древней Руси и заканчивая нынешней эпохой,неразрывно связана с искусством Рима, Византии, Италии.
Сегодняшний упадок культуры Италии есть отражение общей тенденцииснижения нравственности и торжества цинизма в мире. Технократический путьразвития человечества поставил материальные потребности и материальные интересылюдей выше духовных. При этом, создавая комфорт своей плоти, человек губит своюдушу.
Особенно очевиден регресс в странах, переживающих  общий кризис развития,к числу которых относится и Россия. И невольно встает вопрос: какой путьразвития верен: от духовности к материальному благополучию – или наоборот?  Унас о душе подумать некогда…
Список использованной литературы.
 
1.   Арган Дж. К.История итальянского искусства. – М.: «Радуга», 1990. – 239с.
2.   Гомбрих Эрнст.История искусства. – М., 1998. – 688с.
3.   Историязарубежного искусства / Под ред. М.Т. Кузьминой, Н.Л. Мальцевой. – М.:«Искусство», 1971. – 360с.
4.   Историязарубежного искусства / Под ред. М.Т. Кузьминой, Н.Л. Мальцевой. – М.: «Изобр.искусство», 1983. – 488с.
5.   Искусство икультура Италии эпохи Возрождения и Просвещения. – М.: Наука, 1997. – 265с.
6.   Историяискусства зарубежных стран 17-18 вв. / Под ред. В.И. Раздольской. – М.: «Изобр.искусство», 1988. – 512с.
7.   Историяискусства зарубежных стран: Первобытное общество, Древний Восток, Античность /Под ред. М.В. Доброклонского и А.П. Чубовой. – М.: «Изобр. искусство», 1979. –384с.
8.   Историяискусства зарубежных стран: средние века, Возрождение / Под ред. У.Г.Нессельштрауса. – М.: «Изобраз. искусство», 1982. – 664с.
9.   Историяискусств: Италия, Испания, Фландрия / Под ред. Е.И. Роттенберга. – М.:«Искусство», 1988. – 280с.
10.      Карл Верман.История искусства всех времен и народов. – М.: АСТ, 2001. – 944с.
11.      Роттенберг Е.И.Искусство Италии. – М.: «Искусство», 1974. – 216с.