всемирная история живописи

Санкт-Петербург 2006 год. Содержание: 1. Введение. 2. Античная и средневековая живопись. 3. Эпоха Возрождения. 4. Раннее Возрождение. • Джотто. • Иероним Босх. • Дюрер. • Веронезе. 5. Высокое Возрождение – золотой век итальянского искусства – век свободы. • Браманте. 6. Титаны Ренессанса. • Леонардо да Винчи. •

Рафаэль. • Микеланджело. • Тициан. 7. Позднее Возрождение. • Микеланджело. • Рении, Гвидо. • Эль Греко. • Рубенс. 8. Появление импрессионизма. • Моне. • Ренуар. • Гоген. • Ван Гог. 9. Абстрактная живопись. 10. XX век. 11. Вывод с заключением. 12. Список используемой литературы. Всемирная история живописи.

Движение от прошлого к будущему через настоящее - это течение жизни, течение истории, судьба каждого человека: был, есть и будет. Каждое "сегодня" на следующий день становится "вчера" и надевает одежды "завтра". Давно – недавно – вчера – сейчас – завтра – потом - нерасторжимые звенья одной цепи - вечность. В нашем мире, пронизанном все охватывающим феноменом "встреч", в каждом "сегодня" Прошлое встречается с

Будущим. Это перетекание прошлого в будущее особенно наглядно и прозрачно проявляется в сфере художественной культуры. Искусство – несущее в себе дарованную людям возможность осязаемо – зримого (так же как в музыке слухового) соприкосновения с незримым обликом совершенной, высшей божественной гармонии (а также возможность вложить свой рукотворный вклад в незримый пласт духовной ноосферы), выступая как отражённость движения человеческой культуры существует автономно и сравнимо с неким живым организмом, вариацией вечного, пока

существует этот мир, древа жизни. Живопись очень древнее искусство, прошедшее на протяжении многих веков эволюцию от наскальных росписей Палеолита до новейших течений живописи XX в. Живопись обладает широким кругом возможностей воплощения замысла от реализма до абстракционизма. Огромные духовные сокровища накоплены в ходе ее развития. В античную эпоху возникло стремление к воспроизведению реального мира таким, каким его видит человек.

Это вызвало зарождение принципов светотени, элементов перспективы, появление объемно-пространственных живописных изображений. Раскрылись новые тематические возможности отображения действительности живописными средствами. Живопись служила для украшения храмов, жилищ, гробниц и других сооружений, находилась в художественном единстве с архитектурой и скульптурой. Средневековая живопись была преимущественно религиозного содержания.

Она отличалась экспрессией звучных, в основном локальных цветов, выразительностью контуров. Фон фресок и картин, как правило, был условным, отвлеченным или золотым, воплощающим в своем таинственном мерцании божественную идею. Значительную роль играла символика цвета. В эпоху Возрождения ощущение гармонии мироздания, антропоцентризм (человек в центре вселенной) отразились в живописных композициях на религиозные и мифологические темы, в портретах, бытовых и исторических сценах.

Возросла роль живописи, выработавшей научно обоснованную систему линейной и воздушной перспективы, светотени. Одним из самых талантливых живописцев Раннего Возрождения был Джотто. По словам писателя того времени, Джотто вывел искусство после тьмы средневековья "назад к свету". Открытия Джотто опирались не на развитую теорию и эксперимент, а на интуицию, на непосредственную наблюдательность,

еще не возведенную в законченный принцип, и более всего — на ту способность к художественным прозрениям, которая отличает мастеров высшей творческой одаренности в переломные моменты историко-художественного процесса. Джотто проявилось в двух главных аспектах – в воплощении человеческих образов ив показе арены их действия, той среды, где они пребывают. Освободившись в значительной мере от элементов средневековой отвлеченности, человек у Джотто обрел признаки действительного бытия — осязаемую весомость своего физического

облика и реальность живого переживания. Его фигуры объемны, они четко вылеплены светотенью. Для этих пластически осязаемых фигур живописец создает пространство, в котором они могут пребывать и двигаться. Хотя это пространство построено не по правилам оптической перспективы, Джотто интуитивно схватывает впечатление глубины и трехмерности. Художник обычно отказывается от золотого фона. Его герои находятся в пейзажном или интерьерном окружении,

наделенном определенной мерой реальности. При всем этом Джотто чрезвычайно лаконичен и лапидарен. Подчас он довольствуется лишь намеком на место, где происходит действие («Встреча Марии и Елизаветы», Падуя, Капелла дель Арена). Но главное то, что он стремится к убедительному показу события, к правдивости эмоций. В этом смысле он создал ряд образов, ставших в дальнейшем своеобразным эталоном художественной выразительности.

Искусству Джотто в высшей степени присуще синтезирующее начало — способность сделать новые открытия базой для широкого творческого обобщения. Признаки более объективной передачи действительности, вся новизна впервые увиденных художником жизненных реалий оказываются у Джотто в неразрывном единстве с высоким этическим и художественным идеалом. Иероним Босх (1460-1516 гг.) один из основоположников пейзажной и жанровой живописи в

Европе. Нидерландский живописец, причудливо соединивший в своих картинах черты средневековой фантастики, фольклора, философской притчи и сатиры. Творчество этого выдающегося нидерландского живописца остается волнующим, загадочным и удивительно современным. Спустя четыре столетия после его смерти сюрреалисты нарекли Босха «почетным профессором кошмаров», считая, что он «представил картину всех страхов своего времени воплотил бредовое мировоззрение конца средневековья, исполненное волшебства и чертовщины».

В нем видели предшественника сюрреализма, этакого опередившего свое время Сальвадора Дали, черпавшего свои образы в сфере бессознательного. Предполагали, что он был знаком с практикой алхимии, астрологии, магии, спиритизма, оккультных наук, владел искусством применения галлюциногенов, вызывающих адские видения Некоторые из этих гипотез устарели, иные при всей их привлекательности не подтверждаются фактами.

Есть и такие, что дали ключи к пониманию картин, но часто противоречивые и, во всяком случае, не всеобъемлющие. Удивителен подход художника к решению пространственных задач. В больших фантасмагориях он создает и неопределенное пространство, в котором множество движущихся фигур выстроено в горизонтальные или волнистые цепочки, образующие единый передний план. В некоторых босховских картинах отсутствует перспектива, но даже там, где она есть, художник смотрит

на изображаемый мир сверху, как наблюдатель. Мир Босха так и остаётся неразрешенной загадкой. Можно называть Босха еретиком, проповедовавшим своим искусством неверие, или религиозным человеком с ироническим складом ума. Можно найти еще массу всяких слов. Но, видимо, главное в том, что он всегда современен. Точная дата рождения Иеронима Босха неизвестна. Предполагают, что он родился около 1450 года, а начало

его творчества относится к середине 70-х годов XV века. Дошедшие до нас документы упоминают о Босхе как об исполнителе живописных работ для городского собора св. Иоанна и члене религиозного "Братства Богородицы" В конце жизни он выполнял заказы для бурдгунского двора, что говорит о его признании современниками. Слава Босха закатывается в XVII веке. И только в нашем веке его имя открыли заново.

Дюрер Альбрехт (1471-1528) - великий немецкий художник эпохи Возрождения, живописец, рисовальщик, гравер. Родился в Нюрнберге в многодетной семье, по происхождению венгр. Учился у отца, ювелира по профессии. Дважды ездил в Италию, где тщательно изучал произведения мастеров итальянской живописи.

Дюрер - "самый итальянский" из немецких художников, тем не менее стиль его по духу и форме остался истинно немецким. Творения Дюрера узнаются сразу по соединению типично ренессансной классичности с немецкой экспрессивностью, некоторой угловатостью, жесткостью формы. Известны слова Рафаэля, что, если бы Дюрер учился у антиков, он превзошел бы всех. Сам художник утверждал, что учился только у природы и у себя.

Дюрер - художник-философ, он был крайне религиозен, писал: "Моя жизнь складывается, как предопределено свыше". Интересы этого художника охватывали все сферы человеческого бытия: геометрия, перспектива, защитные сооружения, теория борьбы, трактаты о красоте, которую он хотел рассчитать математически. Его волновали знаменитые загадки древности. Пытливый ум

Дюрера хотел определить внутренние связи всего космоса. Праздничный, жизнеутверждающий характер венецианского Возрождения наиболее ярко проявился в творчестве Паоло Веронезе. Паоло Кальяри (1528-1588), уроженец Вероны, потому и прозванный Веронезе, провёл детство и годы учения в родном городе.

В 1558 г. мастер получил приглашение принять участие в украшении Дворца дожей в Венеции, где он быстро прославился. Красота Венеции, её роскошная жизнь и художественные сокровища произвели на молодого живописца неизгладимое впечатление. Художник монументалист, он создал великолепные декоративные ансамбли стенных и плафонных росписей с множеством персонажей и занимательных деталей.

Блестящий мастер колорита, Веронезе писал в светозарной гамме насыщенных звучных цветов и тончайших оттенков, объединённых общим серебристым тоном. Одна из лучших работ молодого Веронезе - росписи потолка церкви Сан Себастьяно в Венеции (1556 - 1557 гг.), посвящённые истории библейской героини Эсфири. Мастер использовал эффект "прорыва" потолка, в результате чего перед зрителями "

открывалось" голубое небо. Фигуры были изображены в головокружительных ракурсах. В композиции "Триумф Мардохея" вздыбленные кони, всадники и воины, развевающиеся одеяния и знамя, вознесённый в высоту фрагмент архитектурного сооружения с много людной толпой за балюстрадой - всё создаёт впечатление действительно триумфального торжества. Сочетание холодных серебристых и голубых тонов, горячие вспышки пурпура, оранжевого, контрасты чёрного

и розового бесконечно радуют глаз. Роспись Веронезе принесла ему шумный успех в Венеции. В годы творческого расцвета. Веронезе украсил росписями виллу Барбаро Вольпе в Мазере (1560- 1561 гг.), построенную Андреа Палладио. Эти фрески стали одним из крупнейших достижений монументально - декоративной живописи Центральное место в станковой живописи Паоло Веронезе занимают его знаменитые монументальные холсты

на евангельские сюжеты, которые художник, черпавший вдохновение в общественной жизни Венеции, наполнил впечатлениями от многолюдных и ярких венецианских празднеств. Эти произведения известны под общим названием "Пиры Веронезе". К ним относятся, в частности, картины "Брак в Кане" (1563 г.) и "Пир в доме Левия" (1573 г.).

На огромном полотне "Брак в Кане", на котором запечатлены около ста тридцати фигур, сцена пиршества развёртывается у подножия роскошной дворцовой террасы с белой аркадой и балюстрадой на фоне сияющей синевы неба. В многолюдной, полной движения красочной толпе художник поместил европейских государей, а в облике музыкантов на переднем плане изобразил Тициана, Тинторетто и самого себя. Ещё грандиознее и декоративнее "

Пир в доме Левия", который происходит в великолепной монументальной трех пролетной лоджии. Языческая жизнерадостность картины привлекла внимание святейшей инквизиции. Сохранился допрос художника, в котором его обвиняли в том, что в евангельской сцене он изобразил "шутов, пьяных немцев, карликов и прочие глупости. Эпоха Раннего Возрождения завершилась к концу XV века, на смену ему пришло

Высокое Возрождение – золотой век итальянского искусства – век свободы. Живописцы Высокого Возрождения владеют всеми средствами изображения – острым и мужественным рисунком, вскрывающим остов человеческого тела, колоритом, передающим уже и воздух, и тени, и свет. Законы перспективы как-то сразу осваиваются художниками, словно без всякого усилия. Фигуры задвигались, и гармония была достигнута в их полном раскрепощении.

Движение становится более уверенным. Переживания - более глубокими и страстными. Овладев формой, светотенью, овладев третьим измерением, художники Высокого Возрождения овладели видимым миром во всем его бесконечном разнообразии, во всех его просторах и тайниках, чтобы представить нам его уже не дробно, а в могучем обобщении, в полном блеске его солнечной красоты. Браманте следует признать гениальным зодчим

Высокого Возрождения. Его роль в архитектуре была не меньше, чем роль Брунеллески в предыдущем столетии. Зодчество чинквеченто сдерживает радостную подвижность Раннего Возрождения и превращает ее в размеренный шаг. Исчезает мелькающее разнообразие деталей, выбор немногих крупных фигур повышает покойную внушительность целого. Знаменитое римское палаццо Канчеллерия (где разместилась папская канцелярия), в завершении постройки

которого участвовал Браманте, знаменует торжество стены над ордером: именно стройная громада стены создает величавую замкнутость огромного фасада. А в совсем маленьком купольном храме Темпьетто (воздвигнутом в Риме в 1502 г.), с нишами внутри и снаружи, окруженном римскодорической колоннадой, Браманте дал как бы образец предельной монументальности, не зависящей от размеров здания, так что этот храм был воспринят современниками как «манифест нового зодчества».

Четыре гения сияют в тогдашней Италии. Четыре гения, каждый из которых - целый мир, законченный, совершенный, впитавший в себя все знания, все достижения предыдущего века и вознесший их на ступени, человеку до тех пор недоступные: Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Тициан. Леонардо да Винчи (1456-1519), один из наиболее замечательных людей в истории человечества, обладающий разносторонними способностями и дарованиями.

Леонардо одновременно был художником, теоретиком искусства, скульптором, архитектором, математиком, физиком, астрономом, физиологом, анатомом - и это не полный перечень основных направлений его деятельности. Леонардо убедился, что в природе почти нет резко ограниченных линий, и вместо них он пользуется переливами и полутенями. По словам самого Леонардо, переход от света к тени "подобен дыму". Там, где Леонардо чувствовал недостаток в живых моделях, он старался пополнить его моделями искусственными:

набросав несколько первых грубых эскизов, Леонардо брал глину или гипс и лепил модель. Работая таким образом, он первый постиг в совершенстве искусство распределения света и теней. Склонность к изображению причудливого и эксцентричного, частью свойственная юношескому возрасту Леонардо, никогда не переходила в нем за должные пределы. Счеты с мифологией Леонардо покончил еще в первом флорентийском периоде своей деятельности, когда он

нарисовал голову Медузы и Нептуна во время бури, окружённого всеми атрибутами его власти, на колеснице, влекомой морскими конями, и со свитой очаровательных нимф. Картина эта погибла, но современники отзывались о ней с восторженными похвалами. Морской бог, казалось, дышал, море бурно волновалось, обрызгивая пеной дельфинов и акул. Один из современных поэтов воспел картину латинскими стихами, которые в переводе означают: "

Вергилий и Гомер нарисовали Нептуна, направляющего бег своих коней по широкошумным волнам бурного моря. Оба поэта умственно созерцали бога: но Винчи лицезрел его очами и победил их обоих". Гениальными догадками. Важнейшие его художественные работы – «Тайная вечеря» - фреска в Миланском монастыре Санта Мария дела Грацие, на которой изображен момент вечери после слов Христа: «Один из вас предаст меня» и всемирно известный портрет молодой флорентийки

Моны Лизы, имеющий еще одно название – «Джоконда». Рафаэль Санти (1483-1520), создатель «Сикстинской мадонны», величайшего произведения мировой живописи. " Рафаэль всегда умел делать то, о чём другие только мечтали", - эти слова Иоганна Вольфганга Гете - свидетельство славы и гения величайшего художника. Рафаэль не только многое умел делать, но и очень много успел сделать за свою короткую жизнь.

Искусство Рафаэля, привлекающее своей гармоничностью, с наибольшей ясностью воплотило в себе гуманистические представления о прекрасном и совершенном мире, высокие жизнеутверждающие идеалы красоты. Неустанное стремление к светлому совершенному началу пронизывает все творчество Рафаэля, составляет его внутренний смысл. Последним великим представителем культуры Высокого Возрождения был Микеланджело Буонаротти (1475-1654) - скульптор, живописец, архитектор и поэт,

создатель знаменитой статуи Давида, скульптурных фигур «Утро», «Вечер», «День», «Ночь», выполненных для гробниц в капелле Медичи. Микеланджело расписал потолок и стены Сикстинской капеллы Ватиканского дворца. Одной из самых впечатляющих фресок является сцена Страшного суда. В творчестве Микеланджело более отчетливо, чем у его предшественников - Леонардо да Винчи и Рафаэля Санти, звучат трагические ноты, вызванные осознанием того предела, который

положен человеку, пониманием ограниченности человеческих возможностей, невозможностью «превзойти природу». Тициан Вечеллио (около 1480-1576 гг.), итальянский живописец эпохи Высокого и Позднего Возрождения (Ренессанс). Тициан в равной степени известен своими портретами и картинами на религиозные сюжеты, например "Оплакивание Христа". Тициану суждено было в его долгую жизнь горестно наблюдать трагическое противоречие между высокими

идеалами Возрождения и действительностью. Он остался до конца верен этим идеалам, не изменил гуманизму. Он поднял до новых высот традиционное для венецианских живописцев искусство колорита. Тициан в совершенстве владел масляной живописью и был первым мастером, наиболее полно использовавшим её художественные возможности. Последние работы Тициана отличает поразительно свободная манера письма. О его личной жизни известно мало, говорят, что он был скуп и специально увеличивал свой возраст, чтобы

добиться у покровителей сочувствия. Следующий этап в культуре Возрождения – Позднее Возрождение, которое, как принято считать, продолжалось с 40-х гг. XVI века по конец XVI - первые годы XVII вв. Процесс развития европейской живописи в XVII-XVIII вв. усложняется, складываются национальные школы, каждая со своими традициями и особенностями. Живопись провозглашала новые социально-гражданские идеалы, углублялись психологическая проблематика,

ощущение конфликтного взаимоотношения личности и окружающего мира. Обращение к многообразию реальной жизни, особенно к повседневному окружению человека, привело к четкому формированию системы жанров: пейзаж, натюрморт, портрет, бытовой жанр и т.д. Формировались различные, живописные системы: динамичная живопись барокко с характерной для нее незамкнутой, спиралевидной композицией, живопись рококо с игрой изысканных нюансов цвета, светлых тонов; живопись

классицизма с четким, строгим и ясным рисунком. Караваджо Микеланджело Мерзини (1573–1610), итальянский живописец. Имя Караваджо происходит от названия городка в Северной Италии, в котором художник родился 28 сентября 1573. С одиннадцати лет он работал подмастерьем одного из миланских живописцев, а в 1590 переехал в

Рим, который к концу 16 в. стал художественным центром не только Италии, но и всей Европы. Именно здесь Караваджо достиг самых значительных успехов и славы. В отличие от большинства своих современников, которые могли воспринять лишь более или менее привычный набор эстетических ценностей, Караваджо сумел отказаться от традиций прошлого и создать собственный, глубоко индивидуальный стиль. Отчасти это стало реакцией на штампы позднего маньеризма.

Биографы Караваджо пишут, что он относился с презрением к великим мастерам прошлого и даже к античному искусству. Рассказывают историю о том, как художник привел с улицы цыганку, написал с нее гадалку, предсказывающую судьбу молодому человеку, и заявил, что натура – единственная наставница, в которой он нуждается. Независимость мастера от предшествующей художественной традиции явно преувеличивалась его завистниками, но новизна и оригинальность его искусства действительно сделали

Караваджо революционной фигурой в культурной жизни Рима того времени. Реализм Караваджо – это нечто большее, чем просто подражание природе; в его живописи сочетаются глубокое понимание психологии человека и точная передача характера света и формы, что дает возможность преобразить реальность в драму, разыгрывающуюся на холсте. Эти черты лучше всего заметны в картинах на религиозные сюжеты, относящихся к римскому периоду его

творчества: Обращение Савла (1601) для церкви Санта Мария дель Пополо и Успение Богоматери (1605–1606, Лувр). В первой из них будущий апостол Павел, а пока еще гонитель христиан Савл, изображен в тот момент, когда он услышал глас Божий и, пораженный, упал с лошади. Кажется, что воздетые руки распростертого на земле

Савла и его голова выходят за раму картины в пространство зрителя, который, таким образом, оказывается непосредственным участником происходящего. Сверхъестественность события подчеркивается интенсивным искусственным светом. В Успении Богоматери религиозный сюжет трактован очень человечно и просто. Ослабевшее и истощенное тело Богоматери покоится на ложе; вокруг – скорбящие апостолы и Мария Магдалина. В полутемной комнате царит атмосфера тихого и всепоглощающего горя.

И здесь яркие потоки света вторгаются в темноту, высвечивая детали и усиливая драматизм. Именно за такие картины Караваджо критиковали его современники. В эпоху Контрреформации были установлены строгие каноны для религиозного искусства, которым должен был следовать каждый мастер. Караваджо обвиняли в том, что он профанирует память святых и священных событий, говоря о них обычным «человеческим» языком.

Однако во многом его искусство можно рассматривать и как воплощение основных духовных ценностей Контрреформации, поскольку оно делало религиозные идеи более понятными и значимыми для верующего. Религиозное чувство, которым проникнуты произведения Караваджо, близко по духу житиям святых Филиппо Нери и Игнатия Лойолы. Личность и события биографии Караваджо поражают воображение почти так же сильно, как

и его живопись. Очевидно, он приехал в Рим без средств к существованию и в ранний период творчества писал натюрморты и жанровые композиции, такие, как упоминавшаяся выше картина Гадалка (ок. 1595, Рим, Капитолийские музеи) и Шулеры (ок. 1596, ранее в коллекции Скьярра). Две картины, написанные для римской церкви Сан Луиджи деи Франчези в 1597–1599, Призвание апостола

Матфея и Мученичество апостола Матфея, отмечают переломный момент в творчестве Караваджо. Обе работы близки по стилю ранним жанровым сценам, но уже наполнены тем внутренним драматизмом, который достиг своего полного выражения в алтарных образах начала 1600-х годов. Начиная с 1600, времени его наивысшего творческого подъема, имя Караваджо стало появляться в протоколах римской полиции.

В большинстве документов речь идет о незначительных проступках: вместе со своими друзьями он привлекался к суду за непристойные стишки, написанные в адрес одного из живописцев, за угрозы официанту в таверне или за оскорбления в адрес полиции. Однако были и случаи физического насилия, за которыми следовали аресты. В мае 1606 Караваджо убил своего молодого знакомого в драке, возникшей из-за спора при игре в мяч. После убийства художник бежал сначала в окрестности

Рима, а затем в Неаполь. Там он продолжал работать над крупными заказами; его искусство оказало решающее влияние на развитие неаполитанской школы живописи. В 1608 он переехал на Мальту, где написал портрет магистра мальтийского ордена и сам вступил в орден. Но и здесь трудный характер Караваджо довел его до беды: он оскорбил старшего по званию, был заключен в тюрьму и бежал на Сицилию. Прожив там несколько месяцев, художник возвратился в

Неаполь, где подвергся нападению в какой-то таверне и был изуродован. В конце июня 1610 он сел на корабль, очевидно, намереваясь вернуться в Рим. Однако на берегу его по ошибке арестовали испанские гвардейцы и задержали на три дня. В это время Караваджо, вероятно, уже был болен малярией, от приступа которой он умер в городке Порто – Эрколе 18 июля 1610. Рении, Гвидо (1575–1642), итальянский живописец эпохи барокко, представитель

болонского академизма. Родился 4 ноября 1575 в Кальвенцано близ Болоньи. Учился в болонской Академии братьев Карраччи у Лодовико Карраччи. С 1602 жил в Риме и выполнял заказы на украшение фресками церквей и дворцов. Одно из лучших произведений раннего периода его творчества – картина Избиение младенцев (1610–1611, Болонья, Пинакотека).

Присущее Гвидо Рени тонкое чувство ритма и гармонии композиции нашло воплощение в его знаменитой фреске Аврора в палаццо Паллавичини Роспильози (1614) в Риме. В 1614 художник возвратился в Болонью. На смену реализму его ранних работ пришла скучная и подчас нарочитая набожность. Формы в его картинах становятся более схематичными, цвета бледными, а свет – прозрачным. Для этого периода его творчества характерна наполненная светом и лиризмом картина

Поклонение пастухов (1640–1642, Неаполь, Чертоза ди Сан Мартино). Умер Гвидо Рени в Болонье 18 августа 1642. Эль Греко – Доменикос Теотокопулос родился в Фоделе (небольшая деревушка недалеко от Ираклиона) в 1541 г. Учился живописи в Хандакасе (современный Ираклион), где в то время начала оформляться критская школа иконописи, которая впоследствии прославилась

на весь мир. Равной ей не было во всей Европе. Доменикос был учеником Михаила Дамаскиноса, чьи работы можно увидеть в Церкви монастыря Св. Катерины, где в настоящее время размещается церковный музей. В возрасте 25 лет Доменикос уехал в Венецию и стал продолжать обучение в школе Тициана. Позднее он переехал в Толедо (Испания), где и взял псевдоним

Эль Греко. Тем не менее, все свои работы Эль Греко всегда подписывал «Доменико Теотокопулос Критский». Сегодня произведения этого художника являются предметом гордости многих европейских музеев. В Историческом музее Ираклиона есть одна из самых известных работ Эль Греко - «Вид на Синайскую гору и монастырь». Расцвет таланта Эль Греко наступил в Испании, куда он переехал около 1577 (не получив признания при дворе в

Мадриде, художник поселился в Толедо). В зрелом творчестве Эль Греко, родственном религиозной поэзии испанских мистиков 16 в. (Хуан де ла Крус и др.), в иллюзорно-беспредельном живописном пространстве стираются грани между землёй и небом. Резкие ракурсы и неестественно вытянутые пропорции создают эффект стремительного изменения масштабов фигур и предметов, то внезапно вырастающих, то исчезающих в глубине («Мученичество св.

Маврикия», 1580—1582, Эскориал; «Погребение графа Оргаса», 1586—1588, церковь Санто-Томе, Толедо; «Святое Семейство», около 1590—1595, Музей искусств, Кливленд). Но ведущее значение в этих произведений получает колорит, основанный на обилии неожиданных рефлексов, беспокойной игре контрастирующих цветов, то ярко вспыхивающих, то гаснущих в призрачном мерцании.

Острая эмоциональность образного строя характерна и для портретов Эль Греко, порой отмеченных беспощадной психологической выразительностью («Инквизитор Ниньо де Гевара»). Черты ирреальности нарастают в поздних произведениях Эль Греко («Снятие пятой печати», Метрополитен-музей, Нью-Йорк. «Лаокоон», Национальная галерея искусства,

Вашингтон; оба — 1610—1614), где фигуры напоминают языки пламени, мятущиеся в пепельно-сером, взвихренном пространстве. Глубоким трагизмом овеян «Вид Толедо» (1610—1614, Метрополитен-музей, Нью-Йорк). Проникнутое острым субъективизмом и вместе с тем напряжённым вниманием к возвышенно-драматическим порывам человеческого духа, творчество Эль Греко в 17 – 19 вв. было забыто и заново открыто лишь в начале 20 века.

Рубенс, Питер Пауль (1577–1640), фламандский художник и дипломат. Родился в Зигене в Вестфалии 28 июня 1577 в семье Яна Рубенса, антверпенского юриста. Когда Питеру Паулю Рубенсу было одиннадцать лет, его отец умер, а мать переехала с детьми в Антверпен. Будущий художник получил образование в школе иезуитов.

Способности к языкам (он говорил на шести языках) позволили ему не только освоить культурное наследие своей эпохи, но и достичь значительных успехов на дипломатическом поприще. Рубенс учился у трех фламандских живописцев – Тобиаса Верхахта, Адама ван Норта и Отто ван Вена. В 1598 он был принят в гильдию св. Луки. В 1600 художник приехал в Италию; там он изучал античную архитектуру и скульптуру, итальянскую

живопись, а также писал портреты (в основном в Генуе) и алтарные образы (в Риме и Мантуе). В 1603 итальянский покровитель Рубенса Виченцо Гонзага послал его в Испанию в составе дипломатической миссии. В 1608 Рубенс стал придворным живописцем Изабеллы Австрийской, поселился в Антверпене и в 1609 женился на аристократке

Изабелле Брант. От этого брака родилось трое детей. Чтобы удовлетворить растущий спрос на свои картины, Рубенс за несколько лет создал большую мастерскую, где работали Ван Дейк, Йорданс и Снейдерс. Он выполнял эскизы, которые его ученики и помощники переносили на холст, а затем, по окончании работы, слегка подправлял картины.

Он даже организовал гравировальную школу, чтобы еще шире распространять свои работы. Картины Рубенса этих лет полны страстной динамики. Среди сюжетов преобладают сцены охоты, битвы, яркие и драматичные евангельские эпизоды и сцены из жизни святых, аллегорические и мифологические композиции; в них Рубенс с удовольствием писал энергичные, мощные тела, так нравившиеся его современникам.

Кроме заказов, поступавших от местных церквей и антверпенских аристократов, художник получал заказы из-за границы, в основном из Англии. Большая мастерская, здание которой он спроектировал в стиле генуэзского палаццо (восстановлено в 1937–1946), вскоре стала общественным центром и достопримечательностью Антверпена. В 1620-е годы Рубенс работал для французского королевского дома. Он написал для Марии Медичи цикл аллегорических панно на сюжеты из ее жизни и выполнил картоны для

гобеленов по заказу Людовика XIII, а также начал цикл композиций с эпизодами из жизни французского короля Генриха IV Наваррского, так и оставшийся незавершенным. С начала 1620-х годов Рубенс вел активную дипломатическую деятельность. В 1628 и 1630 Рубенс ездил в Мадрид и Лондон с дипломатическими поручениями и участвовал в заключении мирного договора между Испанией, Англией и Голландией.

Вернувшись в Антверпен, Рубенс был встречен с большими почестями; испанский король пожаловал ему титул государственного советника, а английский король – личное дворянство. Вскоре Рубенс женился на шестнадцатилетней Елене Фоурмен; у них было пятеро детей. В эти годы стиль Рубенса изменился – композиции строятся в свободном и плавном ритме, характерная для раннего периода творчества жесткая скульптурная трактовка форм сменяется более легкой и воздушной цветовой

моделировкой. В них можно заметить влияние произведений Тициана, которые Рубенс копировал во время пребывания в Мадриде. Несмотря на то, что у него много времени отнимала работа над большими декоративными композициями и сооружениями (роспись плафона в банкетном зале во дворце Уайтхолл в Лондоне; триумфальные арки в честь въезда в

Антверпен инфанта Фердинанда. Украшение охотничьего замка Торре де ла Парада), Рубенс успевал писать также более камерные, лирические произведения. Среди них следует назвать портрет Елены Фоурмен Шубка (около 1638–1640, Вена, Художественно-исторический музей), Кермесса (около 1635–1636, Лувр), и особенно несколько сияющих, ярко освещенных пейзажей, созданных в последние пять лет жизни

в загородном поместье близ Мехлина. Умер Рубенс 30 мая 1640. В своих произведениях Рубенсу удалось достичь того, к чему стремились три предыдущих поколения художников Фландрии: соединения фламандского реализма с классической традицией, возрожденной итальянским Ренессансом. Художник был наделен огромной творческой энергией и неистощимым воображением; черпая вдохновение из самых разных источников, он создал свой неповторимый стиль.

Для выполненных им алтарных образов характерны чувственность и эмоциональность; украшая замки аристократии эпохи зарождающегося абсолютизма, он способствовал распространению стиля барокко – художественного языка не только Контрреформации, но и светской культуры этого времени. Переворотом в живописи, на долгие годы повлиявшим на ее развитие, было появление импрессионизма, стремившегося передать изменчивую красоту мира, выявившего возможности оптического смешения чистых цветов, и эффекты

передачи фактуры. Художники вышли писать свои картины на пленэр. Один из основателей импрессионизма – Моне Клод Оскар (1840–1926), французский художник. Передача на холсте изменчивости света, многообразия атмосферных явлений и изменений природы в разные времена года принесли Моне к 1890 мировую славу и благосостояние. К этому времени он начал работать на нескольких холстах одновременно, передавая на каждом освещение

и состояние вида в определенный довольно краткий период времени, работая над одним полотном часто не более получаса. В следующие дни он продолжал писать в той же последовательности, пока все холсты не были закончены. Жизнерадостное восприятие мира отчетливо проявилось в творчестве одного из крупнейших представителей этого направления Огюста Ренуара (1841-1919). Его привлекали молодые свежие лица, естественные, непринужденные позы.

В сделанных им портретах нет психологической глубины, но сходство с оригиналом в них установлено тонко, привлекает живой блеск глаз, нежные отсветы окружающий красочных тонов на коже лица. В отличие от большинства импрессионистов того времени, для него художественный интерес представляли человеческие лица, а не красоты ландшафта. Ренуар родился в городе Лимож в феврале 1841 года. Еще ребенком он работал на фарфоровой фабрике, расписывая изделия из фарфора,

в семнадцать копировал рисунки на абажурах, веерах и шторах. А уже в восемнадцать Ренуар был принят в художественную академию имени шведского художника Чарльза Габриэля Глейра в Париже. Там завязал длительную дружбу с Моне, Сислеем поэтому в раннем творчестве Ренуара особенно чувствуется влияние этих художников. У Клода Моне, Ренуар перенял чувство света и чистоту линии, а у романтичного

Делакруа, настоящего мастера цвета, его любовь к натюрмортам. Гоген Поль (1848-1903), французский живописец. Один из главных представителей постимпрессионизма, близкий к символизму и стилю модерн, использовал синтетические обобщения и упрощение цвета и линий. В декоративных, эмоционально насыщенных по цвету, статичных по композиции плоскостных полотнах, главным образом на темы быта и легенд народов Океании, создал поэтический мир гармонии человека и природы.

Винсент Ван Гог (30 марта 1853 — 29 июля 1890), нидерландский живописец, представитель постимпрессионизма. Страстная эмоциональность, остродраматическое восприятие жизни, социальный протест, присущие искусству Ван Гога, выражались им в первой половине 1880-х годов в произведениях, выдержанных в сумрачной гамме, проникнутых сочувствием к простым людям. С 1888 создавал трагические образы в болезненно-напряженной, предельно экспрессивной манере, построенной на контрастах цвета, порывистого ритма, на свободной динамике

пастозного мазка. В XIX в. живопись играла активную роль в общественной жизни. Живопись романтизма отличалась активным интересом к драматическим событиям истории и современности, контрастностью света и тени, насыщенностью колорита. Переворотом в живописи, на долгие годы повлиявшим на ее развитие, было появление импрессионизма, стремившегося передать изменчивую красоту мира, выявившего возможности оптического смешения чистых цветов, и эффекты

передачи фактуры. Художники вышли писать свои картины на пленэр. В конце XIX-XX вв. развитие живописи становится особенно сложным и противоречивым. Различные реалистические и модернистские течения завоевывают себе право на существование. Появляется абстрактная живопись (авангардизм, абстракционизм, андеграунд), которая ознаменовала отказ от изобразительности и активное выражение личного отношения художника к миру, эмоциональность и условность

цвета, утрированность и геометризацию форм, декоративность и ассоциативность композиционных решений. В XX в. продолжается поиск новых красок и технических средств создания живописных произведений, что, несомненно, приведет к появлению новых стилей в живописи, но масляная живопись по-прежнему остается одной из самых любимых техник художников. Вывод с заключением: В разные времена по-разному пробуждался интерес к искусству.

В античную эпоху возникло стремление к воспроизведению реального мира таким, каким его видит человек. Средневековая живопись была преимущественно религиозного содержания, она отличалась экспрессией звучных, в основном локальных цветов, выразительностью контуров. В период Возрождения к Древней Греции и Риму, что побудило Европу на перемены, которые ознаменовали конец средневековья и начало нового времени.

Этот период был не только временем «оживления» античного прошлого, это было время открытий и исследований, время новых идей. Классические примеры вдохновляли новое мышление, особое внимание уделялось человеческой личности, развитию и проявлению способностей, а не их ограниченности, что было характерно для средневековья. Художники и скульпторы стремились в своем творчестве к естественности, к реалистичному воссозданию мира и человека. Изучались классические статуи и анатомия человека.

Художники начали использовать перспективу, отказавшись от плоскостного изображения. Объектами искусства стали человеческое тело, класс-сические и современные сюжеты, а также религиозные темы. В Италии зарождались капиталистические отношения, и дипломатия стала использоваться как инструмент в отношениях между городами-государствами. Научные и технические открытия способствовали распространению новых идей. Так и в наши дни новые идеи овладевают всей

Европой. Список используемой литературы: 1. "Поэты Возрождения" Парина, Котлярова. – Издательство "Правда". – 1989 г. 2. "Зарубежная Литература. Эпоха Возрождения" Шайтанов – Издательство "Просвещение". – 1997 г. 3. "Античная живопись"

Чубова, Иванова -Издательство "Искусство". – 1966 г. 4. "Живопись: от первобытного искусства до XXI века" Болтон - Издательство "Эксмо". – 2006 г. 5. "Величайшие гении мирового искусства: архитектура, живопись, скульптура" Лионель – Издательство "АСТ" – 2006 г. 6. "

Очерк голландской живописи ХXII века" Тартаковская – Издательство "ЛОССХ" – 1935 г. 7. "Энциклопедия для детей. Том 7. Искусство. Часть 1. Архитектура, изобразительное и декоративно - прикладное искусство с древнейших времен до Эпохи Возрождения" – Издательство "Аванта+" – 1999 г. 8. "Словарь сюжетов и символов в искусстве"

Джеймс Холл - Издательство "Крон - Пресс" – 1999 г. 9. "Сальвадор Дали. Дневник одного гения" - Издательство "Эксмо-Пресс" – 2006 г. 10. "Литература и искусство" Воротников - Издательство "Литература" – 1996 г. 11. "Всемирная история искусств"

Гнедич – Издательство "Современник" – 1996 г. 12. "Живописцы итальянского Возрождения" Бернсон - Издательство "Пресс" - 2006 г. 13. "Мировая история в датах" Чизхолм – Издательство "Росмэн" – 1994 г.