--PAGE_BREAK--1) в виде Вседержителя и Судии — Царя Царствующих;
2) в том виде, в каком Он был среди людей и совершал Свое служение (в том числе в виде младенца или отрока).
Иногда можно встретить также изображения Христа в виде ангела. Но если способы изображения столь различны, легко ли узнать на иконах Спасителя? Да, легко — благодаря одной детали: изображение Христа имеет крестчатый нимб. Нимб — символ нетварного Божественного света. Нимб на иконах Спасителя имеет еще и вписанный Крест. Через изображение нимба исповедуется во Христе два естества — Божественное и человеческое. На иконах Христос часто изображается с книгой — она может быть как закрытой, так и раскрытой. Раскрытая книга содержит цитату из Евангелия. Также книга может изображаться и в виде свитка, но символическое толкование всегда одно — спасительное учение, с которым Христос пришел в мир.
Посмотрим теперь на одежды Христа. Обычно Богочеловека изображают облаченным в красный хитон (одежда в виде рубахи) и синий гиматий (плащ, накидка). Красный цвет символизирует земную и человеческую, синий — небесную и Божественную природы Спасителя.
1.2 Марк Шагал
Марк Захарович Шагал родился 24 июня 1887 г. в еврейской семье в местечке Лиозново близ Витебска, в черте еврейской оседлости Российской империи. В 1906 г. учился изобразительному искусству в художественной школе витебского живописца Ю.М. Пэна затем переехал в Петербург и в течение двух сезонов занимался в Рисовальной школе Общества поощрения художеств. В Петербурге написал свои знаменитые «Похороны» (с покойником, лежащим на тёмной улочке города) и «Рождение». Там же, в Петербурге, он нашёл своего первого настоящего почитателя, известного адвоката, депутата Думы Максима Моисеевича Винавера. Он приобрёл у Шагала две картины и дал ему небольшую стипендию для обучения в Париже. В 1911 г. на полученную стипендию едет в Париж, где продолжает учиться и знакомится с жившими во французской столице художниками и поэтами-авангардистами. Париж Шагал полюбил сразу и безотвратно, называя его «второй Витебск». Поселился в «общежитии» нищей Богемы Монпарнаса — знаменитом двенадцатиугольном «Улье». Познакомился со всеми — Максом Жакобом, Гийомом Аполлинером, критиком Канудо, Блезом Сандраром. В работах этого периода уже чувствуется влияние Пикассо, Матисса и др., хотя уже тогда творчество Шагала носит печать яркой и неповторимой индивидуальности. В 1920 Шагал уезжает в Москву и по рекомендации А. М. Эфроса устраивается работать в Еврейский камерный театр. В 1921 художник работает преподавателем в подмосковной еврейской трудовой школе-колонии «III Интернационал» для беспризорников в Малаховке. И всё время рисует, день и ночь, и день и ночь напролёт. В 1922 г. вместе с семьей уезжает сначала в Литву (в Каунасе проходит его выставка), а затем в Германию. Осенью 1923 по приглашению Амбруаза Воллара семья Шагала уезжает в Париж. Позже Шагал получает французское гражданство, а в 1941 руководство Музея современного искусства в Нью-Йорке приглашает художника переселиться из контролируемой фашистами Франции в США, и летом 1941 г. семья Шагала приезжает в Нью-Йорк. Предложение выполнить витражи и керамические панно в церкви в Плато-де-Асси в Савойе (1957) пришло от любящего искусство доминиканского монаха отца Кутюрье. Один за другим Шагал создавал витражи для кафедрального собора в Метце (начаты в 1958-м) и синагоги Университетской клиники Хадасса в Иерусалиме (1962); для здания ООН в Нью-Йорке, Реймского собора (1974) и собора св. Стефана в Майнце (начаты в 1978-м), церкви Всех Святых Тадли (Кент, 1978) и других.
Распятие. Центральный витраж, (Fraumunster, Цюрих) размер — 11,22 х 1,30 метра, основной цвет — зеленый. Входя в собор с запада, прежде всего, видишь высоко над кафедрой гигантского Христа во славе в мирном зеленом цвете витража. Красное, синее, желтое других витражей, словно подчиненные этой великолепной зелени, ею удерживаются в напряжении. Здесь кульминация всего произведения: это относится и к цвету, и к композиции, и к содержанию. Внизу, напротив царя Давида, скромно стоит Иосиф — связующее звено с домом Давида.
Рядом райское дерево, подлинное дерево жизни, с раскидистой густой и высокой кроной поразительной красоты. Это генеалогическое древо Иисуса. В его сени в потоке света Божия Матерь с младенцем на руках. Взгляд Марии устремлен вдаль, и предчувствие печали уже пронзило ее душу. У ее ног покорный судьбе агнец. В числе многочисленных изображений агнца Шагалом, этот отмечен печатью грехов мира.
Между Марией и Христом — центральная зона, представленная фрагментами, отсылающими к сюжетам жизни и проповедей Иисуса. Тут и парящий голубь, несущий благую весть, ближе к правому краю витража — ослица, на которой Иисус въезжал в Иерусалим. Христос изображен вознесенным над страданием и смертью. Его невероятно удлиненная и обессиленная, как на средневековых изображениях, плоть выглядит так, словно он ее, как одежду, отбросил в сторону для высвобождения духа. Лишенный чувства тяжести Христос устремлен ввысь. Лик Спасителя, чуть склоненный набок, с выражением любви, обращен к людям у его ног. Над его головой в нимбе взгляд теряется в колористической глубине источника цвета, который магически включает в себя образ воскресшего Иисуса.
Роза «Сотворение мира» на южной стороне цюрихского собора создавалась позже. Летом 1976 года Шагал, преодолев сомнения, приступил к работе. Библейский мотив «Сотворение мира», шаг за шагом воспроизведенный в восьми фрагментах, расположенных по кругу витража, Шагал предложил читать по ходу часовой стрелки, но ее первоначальное положение — не в зените циферблата, а слева, когда она находится в положении над 9-ю часами. Здесь первый луч света прорезает тьму. В восьмом фрагменте, в положении минутной стрелки под 9-ю часами — образы Адама и Евы. В центральной части композиции Шагал поместил Ноя, спасшего от гибели человечество. На расположение Творца к сохраненным и защищенным им от потопа людям указывает сверкающая над Ноем радуга. Роза имеет небольшие размеры (в диаметре 2,7 м, в диаметре центральной части — 1,2 м, диаметре каждого из восьми фрагментов — 0,75 м), и у Шагала не было возможности дать развернутое образное решение каждого из тематических фрагментов, как это удалось в витражах хоров. Он вынужден был ограничиться скупыми линиями и формами, больше уповая на общее цветовое решение. Спустя почти два года после начала работ, готовая роза была врезана в раму центрального собора Цюриха.
В произведениях Марка Шагала образ Иисуса довольно каноничен. Его фигура вытянута, кажется обессиленной, но сам он выше, чем страдание и смерть. В образе Христа также используется такой атрибут как нимб, который мы можем наблюдать еще в средневековых картинах. То же самое касается и цветовой гаммы, через нее мы видим, что Мария и Христос несут свет, добро, а грехи на себе несет жертвенный агнец. Нет ничего необычного в том, что образ Иисуса настолько каноничен, так как изображения выполнены в соборе.
1.3 Макс Эрнст
М. Эрнст — немецкий, французский и американский живописец, и скульптор, основатель дадаизма, один из ведущих сюрреалистов и создателей техники коллажа. Родился 2 апреля 1891, в Брюле, Германии. С 1909 он изучал философию в университете Бонна, но вскоре оставил это занятие, чтобы полностью посвятить себя искусству. Во время учебы он основательно изучал психологию и интересовался искусством психически больных. В 1913 году Эрнст предпринял поездку в Париж. Несмотря на участие в первой мировой войне, Эрнст продолжал писать картины, и даже смог устроить выставку своих работ в Берлине в 1916 году.
Цикл естественная история-это данные наблюдений за всей органической и неорганической природой, воплотившим царство снов, мечтаний и воображения. Одним из самых красивых рисунков цикла «Естественная история» является рисунок, «Ева, единственная, кто с нами остался» (1926). Для художника Макса Эрнста естественная история увенчивалась фигурой женщины. В целом цикл может быть рассмотрен как аллюзия на библейскую историю творения. У Эрнста в его цикле «Естественная история» в самом начале были небо и земля, деревья и прочие формы растительной жизни. Наконец возникли живые существа: рыбы, рептилии, звери и в завершении — Ева. На рисунке Ева повернута к зрителю спиной, но это не мешает нам прочитывать в ее сущности все разнообразие фантазий и идей.
До нас дошел рассказ об истории создании картины «Ангельский голос» (1943). В то время, когда она писалась, Макс Эрнст жил на ранчо в Аризоне. Картина, напоминающая средневековую алтарную композицию не только своим названием, но и композицией, разделена на 52 сегмента. В композицию включены не только фрагменты фроттажа и граттажа, она демонстрирует также целый арсенал простейших инструментов, в том числе линейку, пару циркулей, сверло, с помощью которых скульпторы делают измерения, копируют, перенося на натуру размеры модели. Холст разделен на сегменты с помощью узких реек, вызывающих в памяти ассоциации с монадами Лейбница. Пейзажные фрагменты, выполнены в технике декалькомании и граттажа, напоминают апокалиптические видения позднеготического периода. По контрасту с этими пейзажами картина содержит фрагменты с чистым голубым небом, с разноцветными полями, с цветными лучами.
Картина «Пиршество Богов» (1948), датированная годом позже, создана в русле новой геометрической манере. Здесь мир, построенный с помощью линейки и циркуля, кажется убежищем, мир, предстающий озаренным радостным многоцветьем. Обстановка пронизана теплом и солнечным светом.
В цикле «Естественная история» Макс Эрнст передает библейскую историю сотворения мира, но изображения начинает с неба и земли, а заканчивается Евой, образ Бога или Дьявола не «прорисован», но подразумевается сам собою. Через творения Бога, мы можем увидеть образ творца, если бы мир, создаваемый им, был наполнен темнотою и вместо животных и рыб присутствовал бы чудовища, можно было бы с уверенностью сказать, о взгляде автора на Бога. Здесь, видя совершенно противоположный цикл картин, мы можем сделать выводы о светлом, трепетном, возможно любовном отношении автора к Богу, может быть именно поэтому Макс Эрнст предпочитает не изображать его. Так же автор подразумевает Бога или некие его составляющие в картине «Ангельский голос», где сегменты, как уже упоминалось, ассоциируются с монадами Лейбница. На картине «Пиршество Богов» автор дает волю чувствам, хоть и в геометрической манере. Картина очень яркая с различной цветовой гаммой, с преобладанием желтого и оранжевого цветов. Смотря на эту картину можно разглядеть в образе Богов-священнослужителей. Если же рассматривать название картины, как символическое, можно сделать вывод, что Господь предстает нам через яркие и теплые краски, даря нам свою любовь и тепло.
1.4 Лючио Фонтана
Лючио Фонтана (1899-1968), занимался не живописью или скульптурой, а пространством и даже стал основателем специального течения в искусстве — спациализма. Его «Пространственный концепт» (1964) представляет собой нечто золоченое яйцеобразное, живописно проткнутое пальцами и кулаками художника, который таким образом хотел разрушить поверхность и дать пространству возможность проникнуть внутрь произведения. Подзаголовок концепта «Божественный замысел» намекает одновременно и на амбиции знаменитого авангардиста, и на источник его вдохновения, которым оказалась фотография Луны.
Картина «Конец Бога» (1963), представляет собой розовый холст яйцеобразной формы во многих местах продырявлен острым предметом, открывая пространство за ним. Эта работа является частью серии, в которой Фонтана делал на холсте надрезы или проколы, олицетворявшие окончательность авторского жеста. Проколы и надрезы призваны были привлечь внимание к бесконечному пространству за пределами поверхности холста, вовлекая пустоту в структуру произведения. В отличие от художников фигуративного направления, создающих на холсте иллюзию пространства, Фонтана включал в свои картины пространство реальное. Отказ от традиционной передачи пространства и перемещение картины в физическое пространство галереи характерны для направления «спациализма», основателем которого был Фонтана. Рациональный метод художника и его отход от эмоциональной абстрактной живописи, популярный в то время в Европе, проложили путь концептуальному искусству, которое в дальнейшем нашло свое отражение в работах многих современных мастеров.
Очень сложно сравнивать работу спациалиста с каноническими изображениями Бога, ведь это отличный, сложный, в чем-то непонятый жанр. «Конец Бога»- прежде всего это показ пространства, бесконечности, а если считать. Что Бог бесконечен, то картина вполне соответствует своему названию, в этом случае, проколы и отверстия это жизнь Бога, его бесконечность, а неповрежденные места — его смерть, конец, как гласит название произведения. В настоящее время работы Лючио Фонтана весьма популярны и пользуются большим успехом на выставках и аукционах.
1.5 Сальвадор Дали
Сальвадор Дали родился 11 мая 1904 г. Обучаться изобразительному искусству начал в муниципальной художественной школе. С 1914 по 1918 г. воспитывался в Академии братьев ордена маристов в Фигерасе. Знакомство с новыми течениями в живописи развивается — Дали экспериментирует с методами кубизма и дадаизма.
Сальвадор Дали был достаточно религиозным человеком, что не могло не сказаться на его творчестве, поэтому у него так много произведений, посвященных Христу, святым, церкви, вере.
Первыми религиозными творениями художника стали два варианта «Мадонны Порт-Лигата» с их символами (яйцо, например, подвешенное в виде раковины). Это висящее над головой Девы Марии, Царицы Небесной, яйцо воплощает идею того, что, по словам Дали, над головой Богоматери сосредоточено наибольшее притяжение, к ней тяготеет мир.
«Христос святого Хуана де ла Крус» (1951). Сфера, символизирующая атомное ядро, и религиозный экстаз соединяются в полотнах Дали. Придуманная им атомарная техника помогает художнику выразить свои мистические религиозные переживания. Иисус С. Дали и статуарен, и живописен одновременно: он юношески легок, мускулы его едва заметны, торс тонок — он в полете, вихрь захватил его ноги, но, оказавшись между колонн портала, он сжат, и его свободный полет невозможен. Христос вверху композиции и царит над всеми. Христос художника ХХ века изображен как идейно- композиционный центр.
На картине «Тайная вечеря» (1955) изображен момент, после того, как Иисус сказал, что один из присутствующих апостолов предаст его. Картина сотворена по принципу соответствия, сходства с фреской Леонардо и одновременно ярко выраженного контраста. Дали сохранил горизонтальную вытянутость стола, явственно дав понять, что он из геометрически равных кусков светлого камня, мысленно уводящего зрителя в Древнюю Иудею. Вокруг стола – действующие лица: на темном фоне переднего темного плана (внизу) – две параллельно изображенные слева и справа, открыв центр, две в плащах со спины фигуры апостолов – склоненные перед Учителем, даже согбенные, покрытые одинаково драпирующимися плащами. Кажется, что каждая фигура повторяет другую. Лиц не видно. У мужчин этих современная стрижка волос. Другие апостолы склонили головы, положив их на руки так, что лиц не видно, только копны волос. Они сжались в своих плащах, и никаких эмоциональных жестов, никакой экспрессии движений. Напротив, реакция на то, что говорит Учитель, загнана внутрь каждого их них. Фигура Христа контрастна с фигурами апостолов. Экспрессия жеста – у Христа. На нем белое одеяние с открытой слева грудью. Длинные волосы его тоже светлы. Его левая рука с резко развернутой ладонью лежит на груди у самой шеи, а правая – согнута, поднята с выброшенным верх длинным указательным пальцем. В лице уверенность в том, что предсказанное роковое событие – и предательство, и казнь – неминуемо сбудутся. Две трети полотна Дали занимает то, что находится за пределами огромного окна с геометрически четким делением на части: полоса моря, за ней груды гор, над ними светлое небо (большая часть картины) и там, надо всеми предметами и фигурами, с раскинутыми почти как на кресте, но и как бы обнимающая землю и людей на ней, без головы (уходит за пределы полотна ввысь, в небо) полупрозрачная (по грудь) фигура Спасителя. Белый свет господствует, контрастируя (это специально подчеркивается) с темной полосой внизу. Он затопляет небо, землю, стол и особенно – Христа.
Событие, как кажется, происходит будто бы в космическом корабле из научно-фантастического фильма. Все изображено безупречно реалистически, так это виртуозно сделал С. Дали. Таким образом, зрителю открывается философский смысл картины: образ космического корабля – символ не только реальности – современности, но и символ вечности, вечности трагедий, катастроф, неизбежно-рокового, и всегда в борьбе светлого и темного, жизни и смерти.
продолжение
--PAGE_BREAK--Белый цвет одежд героев – символ душевной чистоты. А вдали художник изобразил восход солнца: зачинается новый день – новая эпоха в истории человечества, неотделимая от имени Христа и его подвига. И сейчас, в наши дни, еще не все потеряно, род людской поднимется, как это солнце, этот корабль. А на столе перед Христом на полотне С. Дали – два куска хлеба и стакан с вином, символ тела и крови Господа. Он всем существом своим объемлет Землю – Человечество, дает ему Свет и Жизнь. Гуманизм полотна С. Дали исходит из символического характера композиции, соединяющей евангельский мудрый сюжет с современностью и будущим.
На картине Сальвадора Дали «Христос святого Хуана де ла Крус» образ Иисуса содержит и канонические и черты которыми наделил его сам художник. Из канонических можно выделить — изображение на кресте, но в, то, же время в совсем необычном ракурсе, Иисус легок, но уже не невесом, он более человечен, немного сжат. На картине «Тайная вечеря» Иисус Христос изображен очень экспрессивным, отсутствует его мягкость и гуманность. Образ спасителя уже не смиренный, и страдающий, а экспрессивный, возвеличивающийся над присутствующими.
Работа Сальвадора Дали — Гиперкубическое тело (1954)— полотно, изображающее распятие Христа. Дали обращается к религии (а также мифологии, примером чему служит «Колосс Родосский» (1954)) и пишет библейские сюжеты по-своему, привнося в картины немалую долю мистики. Непременным персонажем теперь и «религиозных» картин становится жена Гала.
Сюрреализм Дали искал точек соприкосновения нашей реальности и потустороннего, в частности, 4–мерного мира. Поэтому, с одной стороны, поразительно, а, с другой, ничего удивительного в том, что геометрическая фигура из кубиков, образующая христианский крест, является изображением 3–мерной развертки 4–мерного куба или тессеракта. Ничего удивительного — это с точки зрения Сальвадора. А поразительно потому, что тессеракт в нашем 3–мерном мире принципиально существовать не может, это предмет из иного мира. Может быть автор таким образом хотел показать невозможность постижения Бога, в нашем, всего лишь трехмерном мире.
1.6 Ренато Гуттузо
Ренато Гуттузо (1912-1987), итальянский художник, представитель итальянского неореализма. Родился в Багерии под Палермо 2 января 1912 в семье землемера и сельского администратора. В школьные годы посещал курсы рисования, которые вел футурист П. Риццо.
С конца 1950-х в живописи Гуттузо усиливаются экспрессионистические проявления: цвет обретает особую интенсивность, пространство складывается из пересекающихся перспектив с множеством точек схода, отдельные фигуры и группы изображаются в разных масштабах и рассогласованных ракурсах. На картине «Распятие» (1941) фигура Христа частично загорожена телом одного из разбойников и Марией Магдалиной, так что внимание зрителя невольно обращается к зловещему натюрморту на переднем плане, где выставлены бутылка с уксусом, молоток, и гвозди. Перемещение фигуры Христа из центра композиции в один из ее элементов казалось в свое время смелым новаторством и вызвало сильную негативную реакцию церкви. Работа также воспринималась как скрытая критика режима Муссолини в Италии. Картина типична для направления «социального реализма»- группы художников, стремившихся создать политическое искусство, которое было бы одновременно современным по форме и легко понятным зрителям. В данном произведении он соединяет черты кубизма, например неестественный колорит и искажение анатомического строения тел, с описательным реализмом сюжетного повествования. На протяжении всей жизни Гуттузо привлекал рисунок. В нем он отрабатывал решение объемно-пространственной концепции композиции своих живописных работ, искал выразительные жесты. Порой, предназначенные для живописи, его графические листы слагались затем в серии, обретающие самостоятельное идейное значение. Такова графическая серия «С нами Бог!», в названии которой повторена надпись, выбитая на пряжках ремней нацистских солдат. Сразу после войны серия была издана в виде отдельного альбома.
Сам Иисус выполнен в вполне коническом жанре, но сама постановка картины была воспринята очень не однозначно, серьезное отступление от канона можно усмотреть в отходе от идеи Христа — как композиционного центра.
С 2002 года Британский Институт современного искусства в Лондоне начал воплощать проект на тему «100 художников видят Бога» — работы посвященные тому, как можно изобразить Бога в современном искусстве. Предложив изобразить нечто божественное, кураторы получили в ответ тоже нечто абстрактное, не имеющее ничего общего ни с иконами, ни с академическими картинами.
Тут нет ни мистики, ни благочестия. Очень модный сейчас англичанин Дамьен Херст представил на стене стеллаж с набором самых разных медикаментов, своего рода алтарь во имя спасения. В качестве главной работы выставки выступает композиция Николаса Керзулиса «Посвящение моей матери...». Посвящение представляет собой 35 глаз разного цвета, выложенных в стройные рядки, – неподвижные зеркала души. Кстати, что до зеркала, то именно оно, судя по всему, и стало главным символом Бога в ХХ веке. «Зеркало № 8» законодателя поп-арта Роя Лихтенштейна (умер в 1997 году) специально взято для выставки у частного коллекционера. Кроме зеркал олицетворять Бога может абсолютно любой объект, к которому обращаются со страстью и сильным чувством. Так, кубинец Джери Пардо, живущий ныне в Лос-Анджелесе, заявил: «Бог – всюду», – и изобразил его в виде проекции треугольника. Синди Бернард считает, что понятие божественного – это музыка, оттого художница отдала на выставку фотографию рок-концерта в музыкальном супермаркете. Последовательней всех оказался техасец Терри Аллен, который выложил на стене неоновыми трубками имя ELVIS и написал: «Я вижу разницу между Богом и Элвисом Пресли только в том, что Иисус никогда бы не сочинил «Do the clam».
Самым скандальным (с точки зрения церковной ортодоксии), конечно, является произведение покойного австрийца Киппенбергера: деревянное распятие лягушки с перекошенными глазами. Здесь важно знать, что этот лягушонок (по имени Фред) не что иное, как альтер эго самого художника. Каждый народ, каждая эпоха, каждая культура представляют Иисуса Христа по-своему. На византийских и русских иконах мы видим небесного Царя, по-русски — Вседержителя, по-гречески — Пантократора, вершащего Суд над грешниками и дарующего милость праведникам. На порталах романских и готических соборов предстает страдающий Мессия, распятый за грехи человечества, понесший на Себе скорби и болезни мира. На картинах итальянского Возрождения Христос — титан духа, в котором человеческая природа явлена во всей полноте и красоте Божьего подобия. В искусстве ХХ века Христос предстает как один из нас, человек толпы, с обликом еврея из провинции, Он похож на разнорабочего, на бродячего проповедника, на хиппи, на кого угодно: Он просто человек. Негры изображают Его чернокожим, китайцы — с узким разрезом глаз, в Латинской Америке Он похож на индейца, австралийские аборигены рисуют Иисуса аборигеном. Если собрать все картины, скульптуры, гравюры, книжные миниатюры с изображением Спасителя, созданные за две тысячи лет христианской истории, мы получим мозаику самых разных представлений об Иисусе Христе — Сыне Божьем и Сыне Человеческом. Искусство называют зеркалом, и если это так, то перед нами зеркало, разбитое на тысячи осколков, в каждом из которых своеобразно отразился лик Христа. Со временем религиозные сюжеты в искусстве вытесняются светскими. Тем не менее, и в XIX веке некоторых художников продолжает волновать образ Христа. Один из них — Гюстав Доре, проиллюстрировавший Библию гравюрами. Христос у Доре величав, благороден и несколько патетичен. Это Христос европейской классической традиции. Но классическое направление в искусстве XIX века сменяется романтизмом, затем импрессионизмом и символизмом, а в ХХ веке им на смену приходят экспрессионизм, кубизм, сюрреализм. В каждом из этих направлений, носивших абсолютно светский характер, были художники, обращавшиеся к образу Христа. И у каждого из них Его образ не связан с предыдущей традицией, словно в Новое время каждый хотел иметь своего Христа. У Поля Гогена Христос мужиковатый и грубый, как бретонский крестьянин. У Джорджа Руо — хрупкий и возвышенный, эстетизация этого образа доведена почти до болезненности. У Сальвадора Дали Христос вполне гармоничен, но весь антураж его картин похож на кошмарный сон, в котором распадается в воздухе, словно от взрыва, крест («Гиперкубическое тело») или растворяются, как в кислотной среде, стены дома («Тайная вечеря»). Христос у Марка Шагала — это еврей, гибнущий в огне холокоста, принимая на Себя все страдания человечества. ХХ век, как никакой другой, искушался Богоборчеством и христопродавством, Христа отменяли, запрещали, замалчивали, объявляли мифом, проклинали, который раз распинали, но Он вновь воскресал, в том числе и в искусстве. К 2000-летию христианства во многих странах проходили выставки, посвященные образу Христа в искусстве, где были представлены работы вплоть до последнего десятилетия прошедшего века, что свидетельствует о неиссякаемом и даже возрастающем интересе к личности Иисуса Христа. Новый век, новое тысячелетие также пристально вглядывается в лик Спасителя, пытаясь увидеть, понять, отобразить Его – всегда Одного и Того же и всегда нового, неожиданного, парадоксального.
В настоящее время проходит большое количество выставок посвященных современному искусству, как в России, так и за рубежом, например, выставка «Осторожно, религия!» проходила в Центре имени Сахарова с 14 по 18 января 2003 года. Свои работы представляли 40 художников из России, Кубы, США, Японии, Грузии и Армении, в том числе мастера эпатажа Александр Косолапов, Олег Кулик, Владислав Мамышев-Монро и Авдей Тер-Оганьян. Художники-концептуалисты предусмотрительно объяснили идею экспозиции: «Название выставки передает отчетливую двойственность ее замысла: это и призыв к бережному, деликатному, уважительному отношению к религии, вере, верующим людям, и знак «Внимание, опасность!» – когда дело касается религиозного фундаментализма, сращения религии с государством, мракобесия». Среди экспонатов была репродукция «Тайной вечери» с зеркалом вместо головы Христа (любой посетитель выставки мог представить себя в роли Спасителя). В числе прочего были представлены заповеди с номерами выше десятого, обнаженная женщина на кресте. Один из экспонатов представляет собой цветной плакат, изображающий как бы увеличенную этикетку, какие бывают на бутылках популярного во всем мире газированного напитка, выпускаемого американской фирмой «Coca Cola». В пространство этой этикетки методом компьютерной аппликации помещено изображение головы человека, выполненное в такой манере и с таким выражением лица — самодемонстрации — как изображают обычно кумиров толпы — рок певцов, популярных артистов и т.п. Возможно, что это лицо смонтировано методом фоторобота, применяемого в криминалистике, и оттого производит довольно страшное впечатление, несмотря на кажущуюся внешнюю благовидность: верхняя часть лица явно женская, нижняя — мужская, в каких-то чертах (например, нос) лицо кажется портретом конкретного человека, в других — плакатным трафаретом. Не исключено, что одним из использовавшихся архетипов была голова Джаконды с одноименной картины Леонардо да Винчи. Другой привлеченный архетип прослеживается четко: прическа и борода изображенного лица воспроизводят иконографический тип Христа, принятый во всем христианском мире, — как в Западноевропейской религиозной живописи, так и в Восточно-христианских (православных) моленных образах (иконах). Последним — третьим — звеном в семантическом строе этого экспоната (первое — этикетка, второе — человеческое лицо) является текстовая вставка, помещенная непосредственно под логотипом «Coca Cola»: «This is my blood», что по содержанию является частью литургической формулы, значимой для всех христианских конфессий. Моральный аспект данного произведения довольно спорный, ведь подобные экспонаты могут обидеть чувства верующих.
Смысл данного экспоната очевиден — он заключается в отождествлении его автором символов современной массовой культуры с символами сакрального таинства. Автор на этом примере показывает популяризацию религии в современном мире. Смысл же самого этого отождествления, теоретически, можно было бы трактовать различно, например, как обвинение массовой культуры в бездуховности: можно было бы посчитать данный экспонат упреком, брошенным интернациональной толпе потребителей, доверяющих коммерческой рекламе, в том, что для нее товары типа «Кока-колы» заменили собой святыню, логотипы известных фирм превратились в сакральные тексты, а само потребление материальных благ — в подобие сакрального таинства.
Экспонат А.А. Зражевской «Не сотвори себе кумира» представляет собой выполненное из фанеры в размер человеческого роста изображение традиционного для Православия способа украшения икон — оклада, но без иконы за ним, туда желающий могли вставить свое лицо Изображенный оклад своими очертаниями воспроизводит православную иконографию «Спас на престоле», то есть Самого Бога. В состав экспоната входит также фотоаппарат на треноге, повернутый объективом к изображению оклада, и несколько реквизитов для фотографирования (книги). Рядом с фотоаппаратом размещена надпись: «Фото. Недорого».
Концепция экспоната предложена самим автором в его названии: «Не сотвори себе кумира». Однако, как и в предыдущем объекте, название только подталкивает к поиску смысла, вариантов которого можно сочинить, вероятно, множество. Впрочем, очевидны две крайние смысловые позиции. Одна из них, прямо, «нравоучительна», и представляет собой критику, опять же, представителей масс культуры, воспитанных средствами масс-медиа, которых современные философы определили как «поколение-мне», то есть поколение крайнего эгоизма, которое на первое место ставит свои личные интересы, личную выгоду, личные потребности: культура потребления формирует тип человека, который становится сам себе кумиром, неким самобожеством. При такой трактовке данного экспоната фотоаппарат играет роль главного обличителя нравов (тождественного роли в данной ситуации зеркала — «на себя посмотри») и поддаваться на приглашение сфотографироваться ни в коем случае нельзя, чтобы не попасть в ряд критикуемых.
Произведение В.М. Орлова, А.Ю. Митлянской «Last supper», состоял из двух частей: Во-первых, фотографического триптиха с изображением частей рыбы на них, и, во-вторых, видео клипа, изображающего бесконечное повторение агонии отрубленной рыбьей головы.
Фотографическая часть экспоната представляет собой жанр натюрморта, композиция которого состоит из трех частей: в центральной части изображены головы и хвосты рыбы, лежащие на тарелке, а на боковых частях абсолютно симметричных друг другу, крупным планом сфотографированные рыбьи усы. Натюрморт подан торжественно, наподобие сакрализованных натюрмортов позднего средневековья или раннего Возрождения. Истолкование работы можно понять из двух источников: из ее названия и из общего контекста выставки. Название работы — «Last supper» (в переводе — «Последний ужин») и контекст, в котором работа была представлена (рядом с плакатом Косолапова, содержащим слова, сказанные Спасителем на Тайной Вечере), заставляют понимать данный экспонат как размышление на тему «Тайной Вечери» — последнего ужина Христа со своими учениками. В раннехристианском контексте одним из символов Христа было изображение рыбы: поскольку греческое написание заглавными буквами слов «Иисус Христос Сын Божий» совпадало с греческим же словом «рыба», то изображение рыбы в качестве зашифрованного символа Христа часто использовалось для украшения раннехристианских катакомб. На Тайной Вечере Христос, как известно из Евангельского повествования, уподобил Себя закалываемому в жертву за грехи людей пасхальному агнцу, и не только символически, но и реальным образом осуществил само заклание, первый раз причастив Собой учеников посредством преломления хлеба и единой чаши вина. Исходя из вышеизложенного, можно предположить, что данный экспонат под видом разломленной на куски рыбы (как раннехристианского обозначения Христа) символизирует слова Спасителя о Его теле, «ломимом» для оставления грехов верующих в Него людей.
Через четыре дня после открытия православные верующие разгромили выставку, а особо непонравившиеся экспонаты залили краской. Шестерых погромщиков задержали милиционеры, а прокуратура предъявила им обвинение в хулиганстве. Чувства верующих вполне можно понять, даже у неверующего человека экспонаты данной выставки вызывают удивление и возможно даже некоторое недоумение. В современном мире каждый человек имеет право на выражение своих религиозных чувств, но изображая подобным образом библейские темы можно с легкостью обидеть чувства верующих людей.
продолжение
--PAGE_BREAK--
ГЛАВА II. ИЗОБРАЖЕНИЕ ДЬЯВОЛА
2.1 Происхождение сатаны
Христианский Дьявол — сложный образ, корни которого имеют весьма различное и частью очень древнее происхождение. Непосредственными источниками его были, видимо, различные божества мрака и тьмы древневосточных религий. Духи зла, Боги загробного мира. Меньше всего участвовали в формировании образа Дьявола верования евреев: в их вероучении сатана занимал ничтожное и туманное место.
Еще одно имя Дьявола — Люцифер с латинского Lucifer «утренняя звезда», то есть планета Венера. В христианской традиции одно из обозначений Дьявола как горделивого и бессильного подражателя тому свету, который составляет мистическую «славу» божества. Оно восходит к ветхозаветному пророчеству о гибели Вавилона, в котором с исторически актуальными аспектами переплетаются эсхатологические мотивы и царю Вавилона приданы черты языческого демона планеты Венера. Это нашло отражение в иконографии; например на фреске 16 века в трапезной монастыря Дионисиу на Афоне под ногами архангелов, держащих, как знамя, медальон с ликом Христа-Емануила, простерта раскинувшая в изнеможении руки фигура с потемневшим лицом и надписью «Денница». Такое «светлое» обозначение сатаны не могло не быть парадоксальным, тем более что этот же символ употреблялся в совершенно противоположном смысле.
Имя Сатана Дьявол получил в религиозно-мифологических представлениях иудаизма и христианства главный антагонист Бога и всех верных ему сил на небесах и на земле, враг человеческого рода, царь ада и повелитель бесов. Как существо, воля и действие которого есть центр и источник мирового зла, Сатана представляет собой известную аналогию Ангро-Майнью иранской мифологии. Сатана противостоит Богу не на равных основаниях, не как божество или антибожество зла. Но как падшее творение Бога и мятежный подданный его державы.
Внешний облик дьявола, вобравший в себя черты парнокопытного Пана, был нормативно установлен Толедским собором 447. Но дьявол обладал силой менять обличья. В Малороссии XVIII в. его изображали в немецком фраке. Наиболее опасной формой проявления была внешность дьявола в качестве ангела, наводящего ужас, — «полуденный дьявол». Именно его испугалась Дева Мария во время Благовещения. В композиции с дьяволом не могли быть помещены священные христианские символы голубя и ягненка. Его появление сопровождали шум бранящейся толпы, голоса плачущих младенцев, рев быков, львиное рычание, звуки движущейся армии. Дьявол являлся людям не обычным способом, не отпирая закрытых дверей и окон — он распространял зловония, причиняющие обычному человеку страдания: среди них различался запах серы.
Обычно под дьяволом понимался верховный предводитель сил зла, тогда как демонами считались падшие ангелы более низшего порядка. Ряд легенд приписывает дьяволу плотскую связь с Евой и зачатие от нее Каина. Все зло, творящееся в мире, происходит при прямом или косвенном содействии дьявола.
В романтическом направлении культуры восставший против Бога дьявол иногда интерпретировался как символ героя-бунтаря, например, у Мильтона.
2.2 Иконография дьявола
Вопрос иконографии Дьявола — подобие вопросу об его архетипе в целом. Тут и естественные черты-символы, действительно имеющие отношение к архетипу, и вульгарные трактовки, и попытки обезобразить.
Чтобы придать кому-либо великий и/или ужасный вид человеческая фантазия прибегает к следующим очевидным приемам:
1. Увеличение размеров. Обычно Сатана воображается гигантом, хотя представители враждебных ему конфессии иногда и стремятся представить его мелюзгой.
2. Заимствование подходящих элементов, например, у животных. Тут возможно два подхода. Во-первых, Дьявол наделяется чертами хищных и опасных животных. Во-вторых, замешиваются сюда же гены зверей, кажущихся людям просто несимпатичными и гротескными: свиней, обезьян и т.д.
Некоторым чертам портрета придается разная трактовка его сторонниками и противниками. Например, трехликость Дьявола на некоторых изображениях христиане склонны воспринимать как передразнивание троицы. Но наличие многоликих Брахмы, Гекаты и других древних божеств, многие из которых имеют к архетипу Сатаны непосредственное отношение, сводит такие соображения к нулю.
Дьявола можно не только называть «любым другим именем», но и представлять в любом другом облике.
Некоторые авторитеты христианской церкви, в том числе папа Григорий Великий, считали Дьявола совершенно бесплотным. Но их мнение не нравилось обывателям. Существовало и такое мнение, что подлинный облик демонов, как и ангелов, невидим для человеческого глаза в обычных условиях. Физическое тело служит своего рода спасительной завесой, защищающей человека от непосредственного видения бесов, которые могли бы привести к сумасшествию тех, кто их зрит. Волхвы, колдуны, маги, сознательно входя в общение с нечистой силой, снимают с себя эту спасительную завесу и непосредственно видят демонов.
Фома Аквинский вывел заключение, что вопрос о телесности или бестелесности Дьявола для веры не важен. И народная фантазия воображает Дьявола телесным в полном смысле этого слова.
Для одних, Сатана материален и имеет конкретный облик. Для других образ Дьявола полон символов и смысла.
Начинается христианский демоногенез со змей. И это неудивительно, ведь при отождествлении Дьявола со Змеем, скормившим первым людям запретные фрукты, это практически единственное основание в Библии, по которому можно судить о его внешности. И Дьявол появляется в христианстве в первоначальной форме, как змей, обвивающий кольцами дерево познания в Эдеме. Змей с лапками — близок к дракону. И этот монстр ассоциируется с Дьяволом самым откровенным образом. В Апокалипсисе Иоанна и видениях многих святых Дракон или Змей тождественен Дьяволу. Первое тысячелетие христианства в Европе не сильно злобствовали над портретом Дьявола (изображения ранее VI-го века неизвестны и крайне редки до IX-го). Он возникал в обманчивом облике (превратившись в кого-нибудь), в облике змея, во вполне благородной роли и внешности Антихриста, в еще более благородном облике античных Богов, в крайнем случае — в виде ангела другого цвета. Проявления карикатуризма случались, но не были столь навязчивы, как в последующие века.
В ранних христианских картинах дьявол никогда не кажется принимающим ужасный аспект. Нет никакого следа отвратительной деформации, которую можно найти в более поздних изображениях Дьявола.
Отношение к Сатане резко изменился примерно около 1000 года новой эры. Это произошло после Собора в Клуни в 956 году, задуманного с целью укрепления церковной дисциплины и выработки методов, привязывающих верующих более строго к их вере. В целом до IX века Дьявол изображался в образе либо человека, либо «чертенка»; в XI начал изображаться получеловеком-полуживотным. В XV-XVI вв. художники во главе с Босхом и ван Эйком принесли в образ Дьявола гротеск.
Вообразить Сатану отвратительным требовали ненависть и страх к нему, которые внушала и которых требовала церковь. И в средние века и сейчас сей лагерь настойчиво требовал соединить красоту с понятием «добра», а «зло» воплощает в отталкивающее уродство, либо, в виде снисхождения, презрительно одевает его искаженными формами смешного шутовства, пытаясь избавиться от испытываемого страха.
На скульптурных изображениях романских соборов типовым стал такой экстерьер дьяволов: у них были громадные головы на длинных и тонких или маленьких туловищах, похожих на обезьяньи. Их глаза выпучены в ярости. Вместо рогов у них была густая шерсть, растущая в виде огненных завитков. Рот был непомерно большим, похожим на пасть.
Часто прибегали к третьему приему фантазии: синтезу разнородных элементов. Все виды нежелательных существ содействовали в то или иное время созданию образа дьявола. Со злом обычно ассоциировались: свинья, скорпион, крокодил, собака, шакал, кот, крыса, козел, жаба, ящерица, лев, змей, дракон и т.д.
Особую роль в личине Дьявола играли гены козла. Эта форма производна, прежде всего от образа Пана. Тут как раз и время упомянуть и черты античных языческих Богов, возродившихся в Дьяволе. Как черты темного архетипа, так и портретные детали, растворенные во множестве персонажей античной мифологии, после их забвения кристаллизовались вновь в образе Дьявола и демонов. Но если от большинства античных Богов Дьявол унаследовал по одной — две черты, то от Пана — целую россыпь. Физически Пан представлял собою гибрид человека с козлом: рога, игривый хвостик, козлиные ноги с густой косматой шерстью, раздвоенные копыта, которые у Дьявола кажутся переходящими в когти, чувственная ухмылка, постоянно восставший и заостренный пенис. Пан был фаллическим Богом, так как в роли скотоводческого патрона отвечал за воспроизводство.
Имя Сатаны, как Бафомета приобрело широкую известность после судебного процесса над тамплиерами. Тогда оно связывалось с идолом, которому по версии обвинения те поклонялись во время «черных месс». Но тогда его внешность еще не было окончательно устоявшейся. Рыцари под пытками выдавали весьма противоречивые сведения о его облике. Но со временем этот портрет принял постоянную форму: морда козла, иногда искаженная в направлении пущей зловещности: на лбу — пентаграмма, между рогов — огонь, человечий торс, украшенный женскими грудями, козлиные ноги с копытами, хвост, крылья за спиной.
Надо сказать, что даже когда Дьявол изображался уродиной, в его облике сохранялся, не выветривался до конца некий шарм и интересность, которая продолжала привлекать достаточно уважительного внимания. И уже в средние века появлялись предположения, что страшный вид Дьявола — это клевета, наводимая на него врагами. В действительности же он великолепен. Имея свой собственный индивидуальный образ, Дьявол, сверх того, обладал способностью изменять свою наружность по желанию,- мог менять и объем, т.е. в этой своей способности он совершенно не ограничен. Частенько он, по уверениям христианских писателей, использовал эту способность для соблазнения праведников: к отшельнику он приходит обольстительной женщиною, к отшельнице красивым навязчивым юношей. А иногда, что уж мелочиться, прямо чтобы скомпрометировать их. Крылья — это древний символ божественной власти, который имели на своих плечах многие месопотамские божества, а оттуда они перешли на плечи многих персонажей западной части Восточного полушария. Отметим, что приблизительно до XII века Сатана обычно изображается со стандартными ангельскими крыльями, а позже — с перепончатыми, как у летучих мышей.
Рога являются древним символом могущества и плодородия. И хотя в животном мире рога украшают только травоядных, но для символа это не имеет значения.
Многоликость. Нередко Сатану изображают не с одним лицом. Данте дал Люциферу три лица, смотрящие в разные стороны на одной голове. Объяснялось это аналогией с христианской троицей.
Более того: еще в апокрифическом евангелии от Никодима, памятнике VI века, упоминается «трехглавый» Вельзевул.
Трехликость символизировала триаду во всех ее проявлениях: прошлое — настоящее — будущее, творение — поддержание — разрушение, небо — земля — преисподняя… Встречалось и такие такое толкования: три аспекта луны и лунная власть над элементами; море — земля — небо (такова была семантика трезубца Посейдона).
Дьявольские «вилы» отчасти производны от древнего трезубца Посейдона или Шивы, отчасти — от символов смерти Христианами он воспринимался, как орудие, используемое в Аду для мучения проклятых. До XVII века православным монахам запрещалось пользоваться вилкой из за сходства ее с трезубцем.
2.3 Паул Клее
Швейцарский живописец и график Пауль Клее (1879 – 1940) также относится к числу основоположников современного искусства. В 1911 году он работал в Мюнхене вместе с Кандинским, который именно в это время совершал свой «скачок в абстракцию». Ещё раньше (начиная с 1902 г.) Клее разработал свой индивидуальный стиль отображения подсознательного и фантазий в искусстве. На одном из полотен Клее в качестве символа священного центра представлен человеческий пупок. Профессор Ноттс объясняет:
«Загадочная фигура на картине держит в горсти сияющий пупок — тот внутренний божественный свет, откуда исходит всё знание… Идея о таком центре имеет огромное значение во всех мистических системах. Знаменитый мистик г-жа Е. П. Блаватская, хорошо известная и Клее и другим, писала в „Разоблаченной Исиде“:
Древние помещали астральную душу человека или его самосознание, в ямку на животе. Брахманы разделяли это представление наряду с Платоном и другими философами. Пупок рассматривался как „солнечный диск“, трон внутреннего божественного света.
Блаватская представляла для Клее несомненный интерес, ибо раскрывала таинственные силы, свидетельствующие о том уровне человеческого сознания, с которым Клее всегда ощущал близость. В своих работах художник обычно вырывает вещи из их непосредственного окружения и помещает в бесконечно расширяющиеся царства, добиваясь эффекта тесного соприкосновения земли и космоса, живого и мёртвого, прошлого и настоящего
В своей работе «Демоны» (1925). Паул Клее изобразил нечто абстрактное состоящее из глаз, знаков препинания, лент и различных узоров, выполненных в черно-белой цветовой гамме. В этой работе мы не найдем канонических черт присущих Дьяволу автор подошел к образу Сатаны совершенно с другой стороны, представив его в виде набора символов.
2.4 Борис Валеджо
Борис Валеджо (Boris Vallejo) родился в 1941 году, в семье преуспевающего адвоката в Лиме, Перу. С раннего возраста он интересовался искусством, но свою карьеру хотел связать совершенно с другим: он семь лет учился играть на скрипке, надеясь стать исполнителем. Тем не менее, Валеджо отвернулся от искусств и в течение двух лет посещал школьный курс начальной медицины. Позже он нашел хорошее применение полученным знаниям, особенно в области анатомии. После двух лет, при поддержке друзей и коллег, которые заметили, как хорошо он рисует, Валеджо поступил на отделение изобразительных искусств в Национальную Школу Искусств в Перу — художественный колледж, где он получил пятилетнее образование. Ему не потребовалось много времени, чтобы получить престижную золотую медаль за превосходную учебу. В 16 лет Валеджо получил приглашение на учебу во Флоренцию, но он отказался от предложения. Валеджо быстро заработал доверие как художник, и в 1964 он собрал портфель с частью своих работ и эмигрировал в Соединенные Штаты. Он надеялся на более успешную карьеру, чем мог когда-либо иметь в Лиме. Он научился работать в сжатые сроки и делать быструю, бессмысленную работу, которая не требовала никакого вдохновения. На смену рождественским открыткам, рекламе обуви и галстуков пришли сборники комиксов. Борису нравился этот вид изобразительного искусства, наблюдения за выпирающими мускулами героев и за фантастическими монстрами, он думал, что сможет рисовать не только подобные вещи, но даже более лучшие. Его уверенность в себе была небезосновательной. Когда он принес некоторые эскизы монстров в Marvel Comics, он сразу же понял, что им нравится его работа, и они хотят от него дальнейшего развития этого направления. В рамках данного художественного жанра фантастические создания Валеджо — реальные и мифические животные или демоноподобные герои типа Конан-Варвара — постепенно стали эталонами.
Валеджо рисует в жанре фэнтези по двум причинам. Во-первых, он хочет работать как живописец, а во-вторых, он предпочитает реалистическую живопись с природой и людьми в качестве главных объектов. Он живет в идеальное для себя время из-за роста популярности литературы и живописи жанра фэнтези. И вместе с тем растут его мастерство и знания.
Вероятно, одна из наиболее типичных фигур у Валеджо — этакий благородный дикарь, воплощающий невежество, почти нечеловеческую силу, однако с его особенностями и отражая кое-что, чего, возможно, не было в характере истинных, исторических варваров. Это „кое-что“ — неподдельная простота и благородство. Кроме этих персонажей другие мужские фигуры редко появляются на его рисунках. Антагонисты — обычно различные монстры, фантастические персонажи, созданные на основе нескольких уже не существующих животных. В специальном „зверинце“ Валеджо имелось множество существ: ручная собачка амазонки с крыльями летучей мыши, головой льва и туловищем ящерицы, жуткий шестиногий монстр с туловищем орла и головой ягуара или пантеры, покрытый кожей динозавра и похожий на лягушку, или хамелеон, подобный традиционному кентавру и единорогу, или один из их родственников вроде крылатых демонов: наполовину женщина, наполовину — хищная птица.
продолжение
--PAGE_BREAK--