Сто ВЕЛИКИХ МУЗЫКАНТОВМОСКВА "ВЕЧЕ" 2003Автор-составитель Д.К. Самин, Издательство "Вече", 2002.ВведениеВоздействие музыки воистину уникально. Она может вызвать бурную радость и наслаждение или, наоборот, ввергнуть в сильное душевное переживание. Музыка может побудить слушателя к серьезным размышлениям, открыть неизвестные ранее стороны жизни. Она зовет не только размышлять, но и сопереживать. Часто слушатель с удивлением обнаруживает, что произведение, написанное много лет назад, рассказывает о его собственных чувствах и надеждах, словно композитор смог заглянуть в душу человека, которого никогда не видел.Но музыку не зря называют исполнительским искусством. Только исполнитель может заставить музыку зазвучать и погрузить нас в тот мир чувств, мыслей, который заложил композитор в свое произведение. Более того, исполнитель может и углубить наше впечатление своей великолепной игрой.Вот что пишет Г.М Цыпин о выступлении пианиста Владимира Владимировича Софроницкого: "Софроницкий не просто исполнял (хорошо, превосходно исполнял) ту или иную программу, обозначенную на концертной афише. Музицируя, он словно бы исповедовался людям; исповедовался с предельной откровенностью, искренностью и - что очень важно - эмоциональной самоотдачей. Об одной из песен Шуберта - Листа он обмолвился: "Мне хочется плакать, когда я играю эту вещь". В другой раз, подарив залу поистине вдохновенную интерпретацию си-бемоль-ми-норной сонаты Шопена, признался, сойдя в артистическую: "Если так переживать, то больше ста раз я ее не сыграю". Действительно, переживать исполняемую музыку так, как переживал за роялем он, было дано немногим. Публика это видела и понимала; здесь крылась разгадка необычайно сильного, "магнетического", как уверяли многие, воздействия артиста на аудиторию. С его вечеров, бывало, уходили молча, в состоянии сосредоточенного самоуглубления, будто соприкоснувшись с тайной".Всякое талантливое исполнение импровизационно. Настоящий мастер находит в любом даже самом известном произведении -новые грани, чер-^ 100 ВЕЛИКИХ МУЗЫКАНТОВты. Это возможно благодаря тонким нюансам, динамическим и темповым отклонениям, разнообразию в извлечении звука и другим выразительным средствам.Крупный мастер доносит до нас музыкальное содержание каждого предложения, каждой фразы, части произведения, всего сочинения, раздвигая рамки представлений о хорошо известном сочинении.По поводу интерпретации хорошо высказалась знаменитая клавесинистка Ванда Ландовска, известная исполнительница произведений великих композиторов прошлого: "Меня раздражает, когда я слышу: "Если бы Бах или Моцарт могли слышать вас, как они были бы счастливы!" Тут же вспоминается, как Шопен однажды спросил Листа, только что сыгравшего один из шопеновских ноктюрнов: "Чья эта пьеса?"Ни разу в ходе работы я не говорила себе: "Это должно было в то время звучать так-то".Почему? Да потому, что я уверена: то, что я делаю в области красочности, регистровки и т.д., очень далеко от исторической правды. Пуристам, твердящим мне: "Это делалось таким-то образом, вы должны с этим считаться" и т.д., я отвечаю: "Оставьте меня в покое. Критикуйте сколько вам угодно, но не кричите. Мне нужны покой, тишина и лишь те зерна иронии и скепсиса, которые необходимы для научного исследования, как соль для пищи".Я никогда не старалась буквально воспроизвести то, что делали старые мастера. Я изучаю, я скрупулезно исследую, я люблю, и я воссоздаю.Средства не имеют значения. Вслед за иезуитами я повторяю: "Результат оправдывает средства". Когда я вырабатываю, например, регастров-ку, то ищу ту, что кажется мне логичной, красивой и наиболее полно выявляющей баховскую просодию путем смены регистров в должных местах. Я сознаю, что расположение регистров на клавесинах баховского времени некоторым образом отличалось от их диспозиции на моем "Плейеле". Но меня мало беспокоит, если для того, чтобы добиться желаемого эффекта, я использую не точно те же средства, которые были в распоряжении Баха".Принято говорить о музыке народной и профессиональной. Соответственно делятся и музыкальные инструменты. В данной книге ничего не будет сказано об исполнителях на народных инструментах, а речь пойдет только о профессиональных музыкантах.Дело даже не в ограниченном объеме, уже ставящим перед трудным выбором из большого числа великолепных исполнителей классической музыки и популярной. Среди главных причин бесчисленное количество народных инструментов - каждая, даже маленькая страна имеет их неВведениеодин и не два Естественно, каждая страна имеет и своих выдающихся исполнителей При всей условности выбора, можно определить лучшего среди десяти пианистов А как определить, кто лучший исполнитель на ложках или на там-таме9Большинство музыкантов, представленных здесь, играет на самых популярных инструментах - фортепиано, скрипке и виолончели. Однако автор среди прочего ставил целью ознакомить читателей и с исполнителями на многих других не столь распространенных инструментах, таких как альт, арфа, клавесин, контрабас.^ КЛАССИЧЕСКАЯ МУЗЫКАЯН-ПИТЕР СВЕЛИНК/1562-1621/"Искусство нидерландских органистов жило импровизационной практикой, - пишет М.С. Друскин. - Ценность его определялась неповторимо индивидуальной манерой игры исполнителя. Отсюда стремление к контрастным формам токкаты, позволявшей показать мастерское владение различными типами техники и фактуры; отсюда и рождение развитой формы фантазии (или ричеркара), основанной на яркой смене фаз движения, непрерывных в своем сцеплении, или вариации (хоральной и песенной), дающей контрастную последовательность эпизодов; отсюда, наконец, выдвижение виртуозных красочно-инструментальных моментов. О широте замысла и вдохновенности исполнения нидерландских органистов существует много мемуарных свидетельств, вплоть до конца XVIII века. Так, Верней с восторгом отзывается об амстердамском слепом органисте Потове, по сравнению с импровизациями которого исполнение большинства немецких органистов ему казалось сухим. С еще большим основанием приведенные слова наблюдательного и пытливого англичанина можно отнести к музыкальной практике XVII века. Традиции нидерландских органистов были усвоены в других странах. И уже от-^ ЯН-ПИТЕР СВЕЛИНКтуда, обогащенные, они вернулись к Нидерландам. На вершине этого встречного пути находится Свелинк".Ян-Питер Свелинк родился в 1562 году в Девентере. Сначала Яна обучал отец, который умер в 1573 году. Питер Свенлинк воспитывал сына в духе старонидерландских традиций. С ним также занимался флейтист Я. В. Лосси.Образование Ян продолжил в Венеции, куда был послан управлением города Амстердама. В Италии он обучался у Царлино и, вероятно, Габриели и Меруло.Прожив в Италии с 1578 по 1580 год, Свелинк вернулся на родину, где стал органистом "Старой церкви". Интересно, что в этой амстердамской церкви работал отец Яна-Питера, а после - его сын Дирк, родившийся в 1591 году.В это время Свелинк знакомится с творчеством английских вирджина-листов - в частности с Буллом, Филипсом, а также Дирингом, переселившимися во Фландрию из-за начавшихся в Англии религиозных смут.Свелинк прославился как исполнитель-органист не только на родине, но и далеко за ее пределами. Музыкальный словарь Вальтера (1738) называет его "чудом среди музыкантов и органистов". Особенно сильное влияние Свелинк оказал на немецких органистов, таких как С. Шейдт, Я. Пре-ториус, Г. Шейдеман. Для них музыкант составил "Правила композиции".Свелинк принимал активное участие в музыкальной жизни города в качестве члена объединения музыкантов и любителей музыки Амстердама.Питер Свелинк, которого называли последним великим нидерланцем, умер 16 октября 1621 года в Амстердаме. К сожалению, после ухода из жизни его учеников во второй половине XVIII века имя великого музыканта было забыто. Период забвения закончил благодаря настойчивым изысканиям М. Зейфферта, которому удалось восстановить многосторонний творческий облик гениального голландского органиста.Только спустя примерно 250 лет после смерти Свелинка его инструментальные произведения были впервые опубликованы! В своих токкатах, фантазиях, ричеркарах, вариационных циклах на духовные и светские мотивы Свелинк предстает мастером, стремящимся к обобщению различных национальных культур.От старонидерландской школы музыкант взял размах и вдохновенность фантазии, от итальянцев - склонность к крупным, циклопическим построениям, а от англичан - острое ощущение инструментальных возможностей: виртуозного пассажа, гармонической краски, мелодической фигурации. Все это перенесено не механически, а скреплено столь характерной для голландской культуры XVII века тягой к трезвому реализму, к пропорциональной соразмерности частей, к стройной архитектонике.10^ 100 ВЕЛИКИХ МУЗЫКАНТОВ"В токкатах обнаруживается приверженность Свелинка к старой школе, - пишет М.С. Друскин. - Итальянцы разработали два типа токкат: в исторически более ранних сочинениях полнозвучные аккорды сменялись оживленными пассажами, которые ускорялись к концу; новые же произведения давали более сложную композицию: между двумя отрывками различного характера вклинивался третий - фугированного склада.Больших художественных результатов добивается Свелинк в фантазиях: здесь полностью раскрывается сила творческого вдохновения выдающегося голландского мастера. Его опыты в этом жанре послужили основой в создании позднейшей фуги. Конечно, в этом отношении он имел предшественников. Ученик венецианцев, Свелинк усвоил их метод построения больших ричеркаров путем контрапунктического "освещения" темы в различных аспектах: в расширении, сжатии, обращении, рако-ходном движении. Английские вирджиналисты научили его мотивно-фи-гурационной разработке и гомофонному развитию. А свойственное Све-линку чувство архитектоники помогло привнести в эту форму внутреннюю законченность и единство, которых не хватало ричеркарам венецианцев.Наибольшей самобытностью отмечено вариационное искусство Свелинка. Но - любопытная деталь! - он более скован, когда в основу кладет неизменную хоральную тему, которая согласно заветам старых фламандских полифонистов проводится в басу или теноре. Музыка Свелинка теплеет, становится человечнее и лишается черт дидактики и риторики, как только он обращается к народным мелодиям".Для исполнительского мастерства Свелинка характерна энергичность и мужественность, "открытость" чувств и лиризм. Творчество музыканта способствовало обновлению жанра и стиля клавирного искусства под живительным воздействием народной музыки.^ ДЖИРОЛАМО ФРЕСКОБАЛЬДИ/1583-1643/А.-В. Амброс так охарактеризовал творчество Фрескобальди: "Под руками Фрескобальди впервые раскрылось все великолепие и величие органа. В его органных пьесах всюду пылает огонь гения; разнообразные формы растут, красочно развиваясь в большое целое. В них запечатлены мощная сила, энергичная жизнь; ничего миниатюрного или мелкого - совершенные, глубокого смысла композиции, гениально разрешенные трудные фактурные задачи..."К сожалению, о музыканте известно не так много. Фрескобальди ро-^ ДЖИРОЛАМО ФРЕСКОБАЛЬДИ11дился в 1583 году в Ферраре. Крестили его, вероятно, 12 сентября того же года. В юности Джироламо пел в церковном хоре. Игре на органе учился у Суперби. Занимался также у Л. Луццаски, вместе с которым работал при дворе феррарского герцога.С 1604 года Джилорамо был органистом и певцом конгрегации, впоследствии получившей название Академия "Санта-Чечилия".В 1605-1607 годах музыкант совершил путешествие в Нидерланды. В 1607 году стал органистом церкви Санта-Мария ин Трастевере. В том же году он сопровождал Г. Бентивольо, как папского нунция, в Брюссель, затем побывал в Швейцарии, Лотарингии и Люксембурге.С 1608 года жил он в Риме, где был органистом в капелле Юлия в соборе Св. Петра. Фрескобальди находился на службе у кардинала П. Аль-добрандини. Позднее проживал в Мантуе и Флоренции.Воспоминания современников полны восторженных отзывов о нем как о непревзойденном исполнителе и импровизаторе. Вот что, к примеру, писал в 1639 году французский виолист Могар: "Не без основания этот известный органист пользуется такой большой славой в Европе. И, несмотря на то что печатные произведения дают достаточно свидетельств его способностей, нужно послушать, как он импровизирует токкаты, полные тонких и поразительных находок, чтобы иметь суждение о его глубоком мастерстве. Он образец для всех наших органистов - надо приехать в Рим, чтобы послушать его". Выпущенный в 1792 году словарь Гербера называет Фрескобальди "отцом подлинного органного стиля".К Фрескобальди приезжали учиться музыканты из многих стран Европы. Среди его учеников, в частности, был немецкий композитор и органист Иоганн Якоб Фробергер, один из выдающихся предшественников И. С. БахаФрескобальди издал 8 сборников, которые дают возможность проследить эволюцию Фрескобальди и как исполнителя, и как композитора. Так в 12 фантазиях, выпущенных в 1608 году в Антверпене, новаторские искания в сфере тематизма и приемов его варьирования сочетаются с дерзновенным экспериментированием в области гармонии. Фрескобальди ча-12^ 100 ВЕЛИКИХ МУЗЫКАНТОВсто применяет диссонансы, которые, по выражению современников, "обжигают пальцы". Использует музыкант и внезапные модуляции, задержания, хроматизмы. Все перечисленные средства используются для усиления драматической выразительности.Большой интерес представляют требования, которые Фрескобальди предъявляет к исполнению. В предисловии к первому сборнику токкат и партит "А1 Lettore" 1614 года, названном "К изучающему", звучит настоящий манифест, утверждающий манеру исполнения, которая спустя столетие получила название tempo rubato. Свои теоретические положения Фрескобальди в 1624 году подробнее изложил во введении к сборнику каприччио, а также частично их повторил в наиболее известном собрании "Музыкальные цветы" в 1635 году."Фрескобальди утверждает, что его пьесы требуют свободной ритмической фразировки, не регулируемой границами такта, - пишет М.С. Друс-кин. - Он сравнивает ее с манерой исполнения мадригала, где ускорение и замедление темпа зависит от содержания текста. Фрескобальди рекомендует давать расширение движения в начале и в конце больших периодов; ясно отграничивать разделы формы, но помнить о художественном единстве пьесы; отчетливо "произносить" орнаменты ("последнюю ноту украшения или пассажа следует задержать, прежде чем пойти дальше"). Он требует артикулированного, а не механического исполнения пассажа ("если в обеих руках пассажи, то на предшествующей ноте надо немного остановиться, чтобы затем сыграть их с большим блеском"); наконец, он вводит и тот прием ритмического украшения, который позднее получит наименование "ломбардской манеры" (превращение равных по длительности шестнадцатых в ноты пунктирного ритма, где "не первая, но вторая шестнадцатая должна иметь точку").Как исполнитель, как творчески импульсивный музыкант Фрескобальди тяготеет к новому стилю, утвердившемуся, прежде всего, в вокальной музыке. Как композитор он возвышается последней вершиной уходящей органной традиции. Он не порывает с ней, хотя привносит много нового (вариационно-мотивное развитие, тональная фуга и пр.). В этой двойственности раскрывается своеобразие его творчества, в котором сплавлены элементы обостренного субъективизма и логики, глубокого лиризма и драматизма".Как исполнитель Фрескобальди обладал исключительным даром импровизации. Искусство церковного органиста приобрело у него концертный размах. Об этом новом импровизационном стиле писал и сам маэстро: "Играть, не соблюдая такта - так же, как исполняются мадригалы, сообразно чувствам или смыслу слов".Интонационная свежесть и эмоциональная непосредственность музыки Фрескобальди не оставляли равнодушными. У консервативного лагеря^ АРКАНДЖЕЛО КОРЕЛЛИ13они вызывали недружелюбные отклики. Очень резко отзывался, в частности, Дани. В своей переписке с Мерсенной в 1640 году он называет Фрескобальди человеком "очень грубым, неспособным понять слова, которые редко встречаются в плебейском языке... Вся ученость его заключена в кончиках пальцев". Далее с оттенком пренебрежения Дони пишет, что фрескобальди сочиняет "фантазии, танцы и тому подобные пьески".Такой отклик он дает на восторженный отзыв Мерсенна, который поставил Фрескобальди в один ряд с другими крупнейшими современными композиторами Италии - Л. Маренцио и К. Монтеверди.Умер Фрескобальди 1 марта 1643 года в Риме.^ АРКАНДЖЕЛО КОРЕЛЛИ/1655-1715/"Корелли-композитор и Корелли-виртуоз неразрывны между собой, - пишет советский музыкальный историк К. Розеншильд. - Оба утвердили в скрипичном искусстве стиль высокого классицизма, сочетавший глубокую жизненную содержательность музыки с гармоничным совершенством формы, итальянскую эмоциональность с полным господством разумного, логического начала".Арканджело Корелли родился 17 февраля 1653 года в старинном городе Гоманьи Фузиньяно в Нижней Романье в весьма просвещенной семье. Среди предков Арканджело было много священников, врачей, ученых, юристов, поэтов, но... ни одного музыканта!Отец Корелли умер за месяц до рождения Арканджело. Вместе с четырьмя старшими братьями он воспитывался матерью. Когда сын стал подрастать, мать привезла его в Фа-энцу, чтобы местный священник преподал ему первые уроки музыки. Занятия продолжались в Луго, затем в Болонье, куда Корелли попал в 1666 году.В Болонье Корелли учился игре на скрипке у тамошних мастеров - Дж. Бенвенути, а также у знаменитого венецианского виртуоза-импрови-14^ 100 ВЕЛИКИХ МУЗЫКАНТОВзатора Бруньоли. Корелли достиг такого искусства в области композиции, что был принят в болонскую Филармоническую академию семнадцати лет от роду. Не позже 1675 года Корелли появился в Риме, где с успехом играл в церквах, театрах, "академиях".Он начал вторым скрипачом в оркестре театра Tor di Nona, затем стал солистом, а в конце 1670-х - начале 1680-х годов был капельмейстером церковных концертов.Необыкновенно единодушное и широкое признание в столице и знатоков, и широкой публики не вскружило ему голову Корелли сосредоточенно и настойчиво продолжает совершенствоваться под руководством композитора М. Симонелли и в начале 1680-х годов выступил с первым своим капитальным произведением - сборником двенадцати сонат для струнного трио в сопровождении органа.Несмотря на гордый, независимый нрав, характерный для больших художников, Корелли не мог обойтись без поддержки у богатых меценатов. 9 июля 1687 года Корелли поступил на службу к кардиналу Панфили. От последнего в 1690 году он перешел на службу к кардиналу Оттобони.Справедливость требует отметить, что эти деятели церкви, будучи страстными любителями музыки, по достоинству оценили искусство великого скрипача и оказывали ему большую поддержку. Он прослужил у них капельмейстером с 1687 года и до смерти в 1713 году. В этот период он создал большую часть своих трио-сонат, знаменитые сонаты для скрипки соло с сопровождением клавесина (1700 год) и, наконец, concerti grossi (1712 год).26 апреля 1706 года Корелли вошел в "Аркадскую академию", где сблизился с Генделем, Бернарде Пасквини и Алессандро Скарлатти.Ведя жизнь скромного труженика и никогда не выезжая за границу, Корелли завоевал мировую славу и оставил после себя школу, к которой принадлежали такие замечательные музыканты, как Пьетро Лока-телли, Франческо Джеминиани, Джованни Баттиста Сомис и другие. Последователем Корелли был также крупнейший скрипач XVIII века Джузеппе Тартини.Какой известностью пользовался Корелли за пределами Италии, видно из того, что еще в 1708 году, когда распространился ложный слух о его кончине, дипломатическому агенту одного из немецких княжеств, аккредитованному при папском дворе, было официально поручено выразить сочувствие. В уцелевшем письме племянника Корелли на родину говорится о том, что кончина Корелли "опечалила и Рим, и мир".В 1709 году Корелли начал испытывать приступы меланхолии и перестал выступать публично.В конце 1712 года он оставил дворец Оттобони и переехал на свою ча-^ АРКАНДЖЕЛО КОРЕЛЛИ15стную квартиру. Жил он скромно. Обстановка же состояла из кресла и табуретов, четырех столов, из которых один был алебастровым в восточном стиле, простой кровати без балдахина, алтаря с распятием и двух комодов. Гендель сообщает, что обычно Корелли одевался в черное, носил темное манто, ходил всегда пешком и протестовал, если ему предлагали коляску.Единственным богатством его жилища являлась коллекция картин и инструментов. Коллекция картин (136 картин и рисунков) содержала полотна Тревизани, Маратти, Брейгеля, пейзажи Пуссена, мадонну Сассо-феррато.5 января 1713 года Корелли написал завещание, а в ночь на 8 января умер. Погребен он был в Пантеоне, где с XVI века хоронили художников, архитекторов, скульпторов.При жизни Корелли получил прозвище Аркомелио Эримантео. Если расшифровать первое, то получается: арко - смычок, мело - петь, то есть - "поющий смычок". Второе обозначало самую высокую гору в Аркадии, то есть в переносном значении - "Олимп". В целом получалось: "Поющий смычок, Олимпиец", что говорило о необычайно высокой оценке мастерства Корелли.Трудно назвать другого мастера, творчество которого получило бы столь безоговорочное и единодушное признание при жизни. Вероятно, это объясняется не только его гениальностью, трудолюбием и несравненным артистическим обаянием, но и тем, что в искусстве своем он необыкновенно гармонично и цельно ответил на те вопросы, которые инструментальная культура его страны и эпохи уже поставила.Корелли утвердил в скрипичном искусстве стиль, сочетавший глубокую жизненную содержательность музыки с гармоничным совершенством формы, итальянскую эмоциональность - с полным господством разумного, логического начала. "Всякий труд, - писал он, - должен основываться на разуме и изучении образцов, оставленных наиболее выдающимися мастерами".В то время эстетика барокко и вычурно-надуманная поэзия маринистов отчасти оказали воздействие на манеру скрипичной игры, и она нередко страдала излишним применением виртуозных приемов. Чрезмерная концентрация островыразительных эффектов создавала в скрипичном исполнительском искусстве ту взвихренность стиля, неистовость эмоционального тонуса, какую так часто можно было тогда наблюдать в скульптурных группах, на фасадах церквей и дворцовых плафонах.Всему этому Корелли противопоставил строгую сдержанность чувства, ясность, уравновешенность формы и мудрую экономию в средствах и приемах выразительности. Он чуждался аффектации. Обнаженная, так ска-16^ 100 ВЕЛИКИХ МУЗЫКАНТОВзать, непосредственность выражения также не была в его художественной натуре. Техника его, в то время не знавшая равных, всецело подчинена была художественной интерпретации произведения. Он предпочитал мягкие, певучие и глубокие звуки; выравненность тона сочеталась в его игре с выразительной, разнообразной нюансировкой.В своей статье о великом скрипаче К. Кузнецов и И. Ямпольский отмечают: "Корелли был первым скрипачом, создавшим педагогическую школу мирового значения. Исполнительский стиль у Корелли целиком определялся его творческими принципами. Пальцы Корелли являлись только "слугами его души". Описание игры Корелли, величайшего виртуоза своего времени, говорит о том, как он волновал и трогал слушателей, увлекая силой выраженных им чувств. Техническая сторона игры отступала у него перед силой дара музыкальной речи. Современники отмечали яркую выразительность игры Корелли, богатство и разнообразие оттенков. Про самый звук Корелли его ученик Ф. Джеминиани говорит, что он напоминает звук "мягкой трубы". Это сопоставление хорошо вводит нас в эстетику скрипичной игры эпохи Корелли, когда выразительность не превращалась в резкость, грубость, но где в то же время имелась ясность, округленность звуковой подачи. Английский историк музыки Хоукинс, основываясь на беседах с Джеминиани, стремится подчеркнуть благородство, изящество игры Корелли при твердости и ровности тона его скрипки. Однако тот же Хоукинс не упускает случая подчеркнуть "патетичность", страстность исполнения Корелли. От Тартини, верного хранителя скрипичных традиций Корелли, сохранился завет, обращенный к ученикам: "...Чтобы хорошо играть, необходимо хорошо петь". От самого Корелли сохранилось другое, не менее смелое указание, обращенное к ученикам: "Вы не слушаете живую речь".Даже не профессионалы, а просто культурные, чуткие слушатели умели оценить в Корелли его стремление добиться "точного аккорда у инструментов", а что он делал со своей собственной скрипкой, это "превосходило самое чудо".^ МАРЕН МАРЭ/1656-1728/Крупнейшим французским гамбистом последних десятилетий XVII столетия и первых десятилетий столетия XVIII был Марен Марэ. Он проявил себя не только как блестящий исполнитель, но и как незаурядный композитор, автор нескольких опер и многочисленных сочинений для гамбы.^ МАРЕН МАРЭ17Родился Марен Марэ 31 марта 1656 года в Париже. Он начал обучение на гамбе, по-видимому, под руководством Отмана, но главным его педагогом был Сен-Коломб. Мастерству композиции Марен обучался у Люлли. Их также связывали и дружеские отношения. Свою оперную деятельность Марэ сочетал со службой при дворе в качестве солиста-гамби-ста. Это место он занимал с 1685 по 1725 год, нося титул "Ordinaire de la Musique de la Chambre du Roy".Современники Марэ и другого выдающегося гамбиста Форкрэ говорили, что первый играл, как ангел, а второй, - как дьявол, желая этим подчеркнуть мягкость и грацию исполнительского стиля Марэ. Ю. Леолан писал в 1740 году, что Марэ "пользовался особым уважением за оригинальность своего превосходного мастерства и за прекрасное исполнение".Характерными для творческого почерка Марэ были танцевальность, импровизационность, обилие мелодических украшений. Мелодика музыканта часто обнаруживала близость к народно-песенным интонациям.Пьесы Марэ по стилю родственны произведениям французских клаве-синистов, развивавшихся, в свою очередь, под известным влиянием гам-бовой культуры.Исключительным успехом у современников пользовалось исполнение Марэ пьесы "Лабиринта". Музыкант изображал человека, блуждающего по лабиринту и, наконец, отыскивающего выход.Надо заметить, что музыкант порой переходил границы художественной изобразительности, впадая в натурализм. Как пример можно привести исполнение пьесы, озаглавленной "Картина хирургической операции". Здесь Марэ звуками пытается изобразить "содрогание при виде аппарата", крики оперируемого и т.д."Характер украшений, широко используемых Марэ, обусловлен современной ему музыкальной эстетикой, - пишет Л.С. Гинзбург. - Он применяет их не для формального "украшательства", а для усиления мелодической выразительности произведения. Украшения как средства выразительности играли в творчестве гамбистов значительную роль из-18^ 100 ВЕЛИКИХ МУЗЫКАНТОВза особенностей техники гамбы с ее ограниченными динамическими возможностями, с ладами на грифе, мешающими вибрации и т. д.".К.А. Кузнецов, характеризуя выразительную сущность украшений в творчестве клавесинистов и лютнистов, писал, что "и для тех и для других "украшения", будучи органической частью мелодии, были связаны с их стремлением к тонкому штриху, деликатному нюансу, к следованию за каждым движением человеческой души и сердца". Слова эти полностью могут быть отнесены и к французским гамбистам.Подробное описание украшений у Марэ появилось еще до известных указаний Куперена.Так, приводя отрывок в "batteries", штриховой прием, позже прочно вошедший во французскую виолончельную технику, Марэ отмечает: "Обозначенные здесь точки показывают, что нужно заполнить пустоту между темой и басом так, чтобы не создавать диссонансов; почти всегда это - мажорная или минорная терпит иногда квинта или секста, смотря по обстоятельствам; если точки и отсутствуют в "batteries", все же не нужно забывать об этом правиле, которое является весьма существенным для гармонии".Марэ блестяще владел многоголосной техникой. По-видимому, под влиянием лютневого искусства, он широко применяет игру аккордами. Характерна в этом отношении прелюдия Марэ из первого сборника (1686) - "Lent", где использованы и двухголосная игра и аккорды."Пьеса эта обладает несомненными музыкальными достоинствами, - пишет Л.С. Гинзбург. - Обращает на себя внимание импровизационность ее стиля. Б.Д. Струге справедливо подчеркивает ее "баховские" интонации. Но в то же время здесь (именно не в пьесе-миниатюре танцевального или звукоизобразительного характера, а в пьесе с несомненно глубоким художественно-психологическим содержанием) обнаруживается разрыв между творческим замыслом композитора и орудием его воплощения - гамбой. Пьеса, требующая мощных динамических нарастаний, экспрессивного звучания, эпизодического выделения мелодии на отдельной (и не только верхней) струне, естественно, не могла быть соответствующим образом исполнена на гамбе - инструменте, который переставал отвечать запросам развивающейся музыкальной культуры. Таким образом, уже в последних десятилетиях XVII века начинает сказываться несоответствие выразительных возможностей этого инструмента новым художественным запросам, приводящее в XVIII веке к кризису гамбового искусства".Лучшие гамбовые сочинения Марэ были изданы в Париже в пяти книгах, между 1686 и 1725 годами. Сборники эти имеют известную педагогическую направленность. Они представили обильный и разнообразный материал для изучающих игру на гамбе.^ ДЖИОВАННИ БОНОНЧИНИ19Как педагог Марэ проявил себя в роли учителя четырех из своих 19 детей. Особенно выделился среди них Рапан Марэ, родившийся в 1678 году и с 1725 года служивший при дворе в качестве солиста на гамбе. Слышавший его в Париже Кванц отмечал точность и изящество его исполнения.Умер Марен Марэ 15 августа 1728 году в Манте близ Парижа.^ ДЖИОВАННИ БОНОНЧИНИ/1672-1755/Большое значение в развитии виолончельного искусства имело творчество Джиованни Баттиста Бонончини.Бонончини родился в 1672 году в Модене, в семье крупного композитора Джиованни Марии Бонончини. Неудивительно, что первоначальное образование мальчик получил в родном городе под руководством отца. С раннего возраста Джиованни жил в Болонье. Здесь он учился у знаменитого Дж.П. Колонна по композиции и Дж. Буони по виолончели. В детстве Джиованни также играл на скрипке.Архивный документ 1686 года позволяет узнать, что Бонончини в это время был учеником-певчим и "играл на некотором инструменте" в капелле Св. Пет-ронио. В капелле он служил до 1688 года. В то время там работал Габриэли. Без сомнения, последний оказал заметное влияние на формирование молодого музыканта. Близкое общение с этим крупнейшим представителем болонской виолончельной школы ускорило творческое развитие Бонончини, который уже в юном возрасте славился как виолончелист-виртуоз.Чрезвычайно рано проявилось и композиторское дарование Джиованни. Так, писатель Ромен Роллан, называя Бонончини "замечательным виолончелистом", пишет, что "он издавал свои первые вещи в тринадцать лет, в четырнадцать был членом Филармонической академии в Болонье и регентом капеллы в пятнадцать".В 90-е годы XVII века Бонончини занимает место придворного виолончелиста в столице Австрии. Начинается его многолетняя деятельность в20^ 100 ВЕЛИКИХ МУЗЫКАНТОВразличных европейских странах. Бонончини прославился как композитор, написав несколько десятков опер. Они ставились под его руководством в ведущих музыкальных центрах - Вене, Берлине, Риме, Лондоне.Как пишет Л.С. Гинзбург: "Свыше десяти лет продолжалось известное в истории оперного искусства соперничество между Генделем и "царем итальянской моды" Бонончини, начавшееся вскоре после прибытия последнего в Лондон в 1716 году и закончившееся лишь в 1728 году в связи с обвинением Бонончини в плагиате, после чего ему пришлось уехать из Лондона".Однако деятельность оперного композитора не заслонила Бонончини-исполнителя. В конце XVII столетия он выступает как виолончелист-концертант в Вене.В Лондоне Бонончини "подобно Генделю, но на виолончели, более благородном инструменте, чем клавесин... выступал... в аристократических салонах". В двадцатые годы XVIII века в Риме Бонончини также славили как первоклассного виолончелиста: Документ 1722 года называет Бонончини "знаменитым музыкантом-виолончелистом и композитором, служащим в качестве виртуоза при посольском дворе графа Уэльского".Верней называет Бонончини отличным виолончелистом. По его словам, исполнительскому стилю Бонончини в большей степени присущи были мягкость и нежность и в меньшей степени - драматизм. Эту характеристику, подчеркивающую лирико-выразительные черты стиля Бонончини, подтверждает Гербер, отмечающий талант Бонончини "выражать нежные и грустные чувства". "При этом, - добавляет Гербер, - он умеет обходиться довольно своеобразными мягкими и приятными мелодиями". Тут же автор подчеркивает совершенство речитативов Бонончини и их "абсолютное соответствие выразительной речи".Гербер, отдавая Бонончини должное как музыканту, вместе с тем в характеристике его как человека не скупится на такие эпитеты как "тщеславный", "надменный", "гордый", "завистливый", "честолюбивый".С виолон