--PAGE_BREAK--_____________________
¹Бато-Лавуар — это странное полуразрушенное здание с темными лестницами и извилистыми коридорами было домом очень разношерстной компании: художники, поэты, торговцы, дворники...
Пикассо остро и даже болезненно ощущал противоречия жизни. Он понимал, насколько хрупок и иллюзорен созданный им мир комедиантов, затерянный в огромном, неустроенном пыльном мире. Тревога художника отражена затаённой печалью, настороженностью на лицах его героев. В больших программных композициях «розового периода» – «Странствующие комедианты», «Комедианты на привале» – особенно, пожалуй, явственно проявляется настроение какой-то неуверенности, тревожного ожидания.
Возможность счастья и гармонии Пикассо допускает только в ситуации семьи. В серии работ, которые только можно объединить под общим названием «Семейство комедиантов» (см. приложение 1), он разрабатывает свой вариант святого семейства. Здесь его персонажи, как бы ограждены от жестокой действительность теплом любви и нежности к ребенку.
Есть и еще одна тема проходящая через ранние годы творчества Пикассо и выражающая его веру в доброту человеческих отношений. В «розовый период» она становится доминирующей. Это тема дружбы, дружбы двух существ, где сильный, опытный поддерживает, оберегает слабого, беззащитного. Ими могут быть пожилой, повидавший жизнь клоун и робкий мальчик, могучий атлет и хрупкая девочка-акробатка, человек и животное, как, например «Мальчик с лошадью».
Значительное полотно «розового периода» – «Девочки на шаре» (см. приложение 1). Огромная игла композиционного мышления Пикассо проявляется здесь с полным блеском. В основу композиционной и ритмической структуры картины положен пластический мотив сопоставления контраста и в то же время – равновесия единства. Мощный атлет и хрупкая девочка, массив куба и ускользающая зыбкость шара, монолит мужской фигуры на кубе и колышущаяся, как стебелек на ветру, тоненькая фигура девочки на шаре. Уберите один из компонентов картины – произойдет катастрофа. Не станет атлета – и девочка тотчас потеряет равновесие, а без ее зыбкой непрочности он рухнет, повалится под собственной тяжестью.
В «Девочке на шаре» Пикассо особо ассоциативен и метаморфичен. В образах девочки и атлета, их контрастах и связях, проступают ассоциативные образы единства и противоположности различных начал в природе, жизни, человеке. Возникает и другой, более глубокий ряд ассоциаций, уводящий в средневековую символику. В атлете угадываются аллегория доблести, в девочке на шаре – фортуны. В картине заметно уже новое направление художественной мысли Пикассо – интерес к классической ясности, уравновешенности, внутренней гармонии. Написанная на рубеже 1905 года «Девочка на шаре» стоит у истоков так называемого первого классического периода в творчестве художника. Движение художника к образам ясным, гармонически цельным, деятельным питалось его верой в доброе и разумное начало в человеке. Отсюда в работах Пикассо 1906 года образы физически совершенных девушек и юношей. Сильные юноши стремительно идут навстречу зрителю, готовые к действию. Это был мир мечты художника, идеальный мир свободных и гордых людей.
Начав создавать его, Пикассо вдруг останавливается и все бросает. Словно у него не хватает сил, слабеет вера, наступает разочарование.
В 1907 году появилась знаменитые «Авиньонские девицы». Над ними художник работал больше года — долго и тщательно, как не работал до этого над другими своими картинами. Первая реакция публики — шок. Матисс был в бешенстве. Даже большинство друзей не приняли эту работу. «Такое ощущение, что ты хотел накормить нас паклей или напоить бензином», — говорил художник Жорж Брак, новый друг Пикассо. Скандальная картина, название которой дал поэт А. Сальмон, была первым шагом живописи на пути к кубизму, а многие искусствоведы считают ее отправной точкой современного искусства.
2. Искажение в живописи.Кубизм
В попытке добиться своего рода сверхреальности, к которой он стремился в своем искусстве, Пикассо обращался к множеству приемов. Иногда, например, он изображал предметы с такой детальной точностью, что фотографии в сравнении с ними кажутся нерезкими и приблизительными. В других случаях он подчеркивал контрасты света и тени, добиваясь захватывающего драматического эффекта. Но обычно ему удавалось достичь «более реального, чем сама реальность», путем эксперессивного искажения: он изменял естественный вид предметов, главным образом человеческого тела, чтобы оторвать зрителя от традиционного способа восприятия и подтолкнуть к новому, более высокому осознанию видимого мира. Ни в одной из тем его произведений это не проявляется больше, чем в трантове самой традиционной темы – обнаженного женского тела.
Пикассо обращался к деформации уже в своих ранних работах, в набросках, где часто встречаются карикатурные преувеличения, которые он выполнял ради собственного удовольствия
В «кубическом» периоде Пикассо выделяют несколько этапов: «Сезанновский» кубизм, представленный в работах «Бидон и миски» (1908), «Три женщины» (1908) (см. приложение 1), «Женщина с веером» (1909) и других, характеризуется «сезанновскими» тонами — охристыми, зеленоватыми, коричневыми, но более размытыми, мутными и использованием простых геометрических форм, из которых строится изображение. «Аналитический» кубизм: предмет дробится на мелкие части, которые чётко отделяются друг от друга, предметная форма как бы расплывается на холсте. «Портрет Амбруаза Воллара» (1910) (см. приложение 1), «Завод в Хорта де Сан Хуан» (1909), «Портрет Фернанды Оливье» (1909) (см. приложение 1), «Портрет Канвейлера» (1910). На этапе «синтетического» кубизма работы Пикассо принимают декоративный и контрастный характер. Картины изображают по большей части натюрморты с различными предметами: музыкальными инструментами, нотами, бутылками вина, курительными трубками, столовыми приборами, афишами… Также, опасаясь превращения кубизма в чисто абстрактные эстетические упражнения, понятные лишь узкому кругу, Пикассо и Брак использовали в своих работах реальные предметы: обои, песок, веревки и др. Работы «синтетического» периода: «Натюрморт с плетеным стулом» (1911-1912), “Бутылка перно (столик в кафе)” (см. приложение 1), (1912) «Скрипка» (1913).
Несмотря на неприятие кубизма большинством, картины Пикассо очень хорошо покупаются. Наконец-то кончается нищенское существование и Пабло с Фернандой¹ в сентябре 1909 года перебрались в просторную и светлую мастерскую на Клиши, 11. Конечно, Пикассо не забыл перевезти и свой обязательный беспорядок: причудливые бутыли и вазы, гитары, старый ковер, картины любимый художников — Матисса, Сезанна, Руссо, коллекция африканских масок…
Он всегда говорил, что испытывает ужас перед гармонией и хорошим вкусом. Он покупал вещи, которые ему нравились, не заботясь о том, как они смотрятся вместе.
Осенью 1911 года Пикассо расстался с Фернандой. Его новой музой стала Ева (Марсель Умбер), с которой он жил и создавал свои кубические работы на Монпарнасе и в Авиньоне. Одна из работ, посвященных Еве — «Обнажённая, Я люблю Еву» (1912) (см. приложение 1). Затем наступили печальные годы: война, мобилизация и расставание со многими друзями, неожиданная болезнь и трагическая смерть Евы.
3. Классический период (Ольга Хохлова & PICASSO).
К началу 1917 года, начинается переписка Пикассо с Сергеем Дягилевым – директором труппы русского балета, который, готовясь к гастролям в Европе, заказывает у него декорации и эскизы к костюмам для одноактного балета “Парад”. Пикассо согласен и сразу же начинает увлеченно работать, не подозревая о том, каким образом гастроли русского балета повлияют на его дальнейшую жизнь.
В эти годы Пикассо — художник, уже известный своим модернистскими тенденциями в живописи. И именно в это время, после знаменитых розового и голубого периодов, пуантилизма и кубизма, начинается новый, малоизвестный, этап в его творчестве, датируемый между 1916 и 1925 г.г., когда Пикассо неожиданно возвращается к классическому портрету. Почему в эти годы? Может быть потому, что именно в этот период рядом с ним жила и вдохновляла его очаровательная русская женщина – балерина труппы Сергея Дягилева – Ольга Хохлова.
___________________
¹Фернанда Оливье – первая натурщица и муза художника.
Пикассо познакомился с ней в 1917 г. во время гастролей русского балета в Европе. Он посещает все спектакли, с удовольствием общается с Дягилевым и молодым композитором Стравинским, пишет их портреты, Когда он делится с друзьями о своих впечатлениях, он рассказывает так же и об обаятельных русских танцовщицах, но думает об одной. Это Ольга Хохлова – одна из самых красивых балерин труппы. Она — дочь генерала русской армии, получила хорошее образование, говорит по-французски, умна, честолюбива. Она прекрасно понимает, что не так-то просто попасть в знаменитую труппу Дягилева, и еще сложнее удержаться среди молодых и красивых танцовщиц. Но ей это удалось. Именно она и привлекла внимание Пикассо. После темпераментной и хаотичной испанки Фернанды Оливье, с которой он познал беспорядочную жизнь, кутежи и опиум, Ольга притягивает его своим северным спокойствием, традиционностью, элегантностью. Но самое главное, что она привлекает его не только, как мужчину, но и как художника, который не просто видит, но чувствует ее красоту, для него эта красота чиста, совершенна, чуть наивна.
Она заинтригована – и это первый признак того, что женщина готова влюбиться, она так же еще не догадывается и о том, что именно она — классическая и традиционная славянская женщина — станет вдохновительницей нового этапа в его творчестве – неоклассицизма.
Единственный язык, на котором они могут общаться – это французский, который стал для них языком любви.
Влюбленный Пикассо сопровождает труппу театра по Европе: Рим, Неаполь, Флоренция. Любовь к Ольге занимает основное место в его жизни этого периода, она вдохновляет его. Он увлеченно работает над декорациями, посещает выставки, неожиданно для себя открывает живопись великих итальянцев.
Пабло пишет портрет Ольги в испанской мантилье своей матери. Любовь к ней вдохновляет его, ее славянская красота традиционна, реальна, и неудивительно, что и портрет создан в реалистической манере. Этот шедевр открывает неповторимую галерею женских образов в творчестве Пикассо, среди которых особое место занимает Ольга. В начале 1918 года она покидает труппу Дягилева, и в июле того же восемнадцатого года они женятся. Свои чувства он выражает языком красок, создав несколько картин на эту тему: “Ольга читает”(1920), “Ольга читает, сидя в кресле”(1920),“Ольга, читающая в кресле” 1920, “Портрет Ольги”1921, “Портрет Ольги”1923 (см. приложение 1), “Ольга в меховом воротнике” 1923. В этот период классический портрет доминирует в творчестве Пикассо. Он не видит иного способа отобразить красоту женщины, которую любит.
В 1920 году Ольга готовится стать матерью. Они оба рады этому, а в творчество Пабло появляется новая тема – материнство.
В феврале 1921 года рождается сын – Поль. Пикассо — горд, как отец и счастлив как художник. Ольга подарила ему сына и, опять же, новую тему в творчестве. Он открывает для себя незнакомый ранее ему мир детства, с игрушками, деревянными лошадками и серыми осликами, карнавальными костюмами Пьеро и Арлекина. Его любовь к сыну, как и к жене, выражается посредством живописи, он создает очаровательную галерею детских портретов. Поражает взгляд ребенка: наивный, немного грустный, иногда удивленный.
Материнство сделало Ольгу более требовательной к семейной жизни, она не представляет свою жизнь без светского общества, незаметно она начинает ограничивать жизнь Пикассо светскими приемами, а его творчество светскими сюжетами. По словам Марка Шагала, они жили на слишком “разных планетах”.
За все еще внешним благополучием скрывается неуловимое мужское сопротивление устоявшимся правилам, поиск художником новых тем, меняется его стиль, исчезают классические портреты и любимые ею танцовщицы, что настораживает и обижает ее. Она хочет замаскировать появившиеся трещины, но знакомство Пикассо в 1927 году с семнадцатилетней Марией-Терезой Вальтер только усугубило напряжение в их отношениях.
Ольга отказывается от развода, признаваясь, что по-прежнему любит его, она надеется, что совместная жизнь может наладиться. В течение нескольких лет она чувствует раздвоение Пикассо: как муж и отец он обеспечивает семью, они живут вместе, вместе проводят каникулы, он любит ребенка, они путешествуют, но как художник он ищет новые темы. Появляется новый стиль в его творчестве: на смену классическому портрету приходит непонятные ей сюрреализм и экспрессионизм, появляются новые сюжеты и, что самое грустное – новая модель – Мария-Тереза. Она интуитивно догадывается об их отношениях, но не хочет в это верить, в конце концов, новая модель не означает новую любовь.
Беременность Марии-Терезы, рождение их общей с Пикассо дочери, а затем и сына, убедили ее в обратном. Ольга в отчаянии, она ищет успокоения сначала в любимой русской литературе — Толстой, Чехов, затем – в религии. Она чувствует безвыходность и трагедию одиночества. Она не может смириться с безразличием Пикассо и не может простить ему ее последние портреты, созданные в 1935 году.
В 1935 году Ольга покидает Пикассо, начинается волокита бракоразводного процесса. Она уезжает на юг Франции, хочет спрятаться, поменять обстановку, никого не видеть, но не перестает думать о нем.
Она чувствует, что продолжает любить Пикассо, издалека следит за его творчеством, удивляясь с какой легкостью он меняет подруг: Мария -Тереза Вальтер, Дора Маар, Франсуаза Жило…
Длительный бракоразводный процесс окончился в 1955 году – в день ее смерти… Она умерла Ольгой Пикассо, официально оставаясь женой художника, как будто давая ему понять, что продолжала любить его все эти годы.
4. Сюрреализм (1925 — 1936)
«Красота будет конвульсивной, или ее не будет» — сказал Андре Бретон, основоположник сюрреализма, течения в искусстве, ставившего своей задачей постижение истинных глубин художественного творчества посредством проникновения в мир снов и бессознательного.
В 1925 году Пикассо написал картину «Танец» (см. приложение 1). Агрессивная, болезненная, с деформированными фигурами, она отражает тяжелый период в семейной жизни художника и одновременно провозглашает новый перелом в его творчестве. Пикассо близок к сюрреалистам, но у него всегда свой путь.
Работы этого периода: «Купальщица, открывающая кабинку» (1928), «Фигуры на пляже» (1931), «Женщина с цветком» (1932) и другие.
В холодный январский день 1927 года Пикассо встретил семнадцатилетнюю Марию Терезу Вальтер. Он приобрел для нее замок Буажелу и там она стала его единственной моделью и героиней нескольких его известных работ, например «Зеркало» (1932, частное собрание) (см. приложение 1), «Девушка перед зеркалом», (1932, Музей современного искусства, Нью-Йорк); с нее также сделана скульптура «Женщина с вазой» (теперь эта скульптура стоит на могиле художника). В 1935 году Мария-Тереза родила дочь Майю, но к 1936 году Пикассо расстался с ней.
В 1930-1934 годах Пикассо увлекается скульптурой и создает ряд скульптурных работ в духе сюрреализма: «Лежащая женщина» (1932), «Мужчина с букетом» (1934), а также с помощью своего испанского друга-скульптора Хулио Гонсалеса сооружает различные металлические абстрактные конструкции. В те же 30-е гг. он создает ряд гравюр-иллюстраций к «Метаморфозам» Овидия (1930) и произведениям Аристофана (1934), свидетельствующих о том, что классика всегда была для него сильным источником вдохновения.
5. Источники вдохновения.
§1. Пикассо – скульптор.
Существует общая тенденция оценивать искусство Пикассо почти исключительно в свете его живописи, придавая его работе над скульптурой лишь второстепенное значение и рассматривая ее чуть ли не как хобби художника. Однако же по его скульптурным произведениям можно в полной мере оценить творческую силу этого трудолюбивого и вдохновенного мастера.
Можно было бы предположить, что живописцы-кубисты, как Лоранс и Брак, создадут выдающиеся скульптурные произведения. Но ни один из них даже не приблизился к Пикассо ни по качеству, ни по количеству своих работ. Пикассо был одним из величайших живописцев нашей эпохи, но он мало заботился о чисто живописной стороне своих произведений. Именно в этом заключалось его основное расхождение с его другом Матиссом. Полотна Пикассо порой кажутся руководством по живописи, нежели работами, созданными с любовным прилежанием. Результаты, которых он добивался, возможно, могли бы быть достигнуты более прямо – языком скульптуры. Пикассо был далек от академической ортодоксальности: заменял совершенно чуждый ему каррарский мрамор различными бросовыми материалами – жестью, камнями, проволокой, деревянными планками, лоскутьями, которые он покрывал краской, как ему позволяла фантазия. Пикассо обладал необычным даром преобразования любых отходов в шедевры.
продолжение
--PAGE_BREAK--