Введение
Нужны ли сегодня России богатыри, то есть храбрые вожди и воины, способные, как Илья Муромец, к бескорыстной и жертвенной защите Родины? Вопрос этот — не праздный. Сейчас все больше людей на Руси начинает понимать, что своих сыновей надо воспитывать крепкими духом и телом.
И если решить задачу физического развития ребенка особого труда не составляет, то воспитать дух, созидающий в будущем воине любовь к Отечеству, способность отважно сражаться, проявлять волю к победе и побеждать, не так легко.
Не секрет, что в наше время все труднее встретить мальчика, подростка, юношу, носящих в себе такие качества, как мужество, храбрость, отвага, выражающиеся в способности прийти на помощь слабому, встать на сторону беззащитного, умеющих жертвенно полагать «душу свою за други своя»… В значительной мере ослабление характеров русских детей объясняется отрывом от традиционной народной педагогики, при которой ребенок через сказку, былину, песню переживал первую встречу с трудностями земной жизни. Чистая, еще не помраченная грехами душа ребенка в естественной среде поэтических образов, интуитивно, на подсознательном уровне, определяла свое отношение к добру и злу, выбирая служение подвигу во имя добра.
Надежных ратных людей — вождей и рядовых воинов — русский народ умел взращивать всегда. Много веков Русь вынуждена была воевать как со степняками-кочевниками, так и с западными завоевателями. История Древней Руси — это почти беспрерывная оборонительная война, это битва не на жизнь, а на смерть за свою свободу, это постоянное решение вопроса быть или не быть.
Жизнь народа, его быт на протяжении столетий, так или иначе, были связаны с войной, а потому народные певцы — наиболее чуткие выразители национальных чаяний — облекли народный идеал богатыря-защитника в столь яркие поэтические одеяния, каковыми являются богатырские сказки и былины. Сегодня они остаются сокровищницами духа нации тех времен, когда Русь не только напрягала все силы в борьбе за свое существование, не только победила в этой борьбе, но и перенесла свои границы от Оки на восемь тысяч километров до Тихого океана.
Слово — дароносица духа, плоть образа. Оно легко отпечатлевается в душе человека, особенно ребенка. И потому так важно сейчас, когда наше Отечество переживает «время упадка сил», подвести с помощью народной поэзии поколение, вступающее в жизнь, к родникам русского богатырства.
Образно говоря, сказки, жития, былины стали тем «плугом», который «вспахивал» душу ребенка, обращая ее в «добрую почву», и семена Слова Божия, попадающие на нее в свой срок, давали обильный урожай православной святости, праведности, благочестия и… богатырства.
Страницы нашего славного прошлого показывают, как, воспитанные на героических примерах своих предков, русские юноши и мужи — солдаты и полководцы — сами становились «чудо-богатырями», героями-победителями, штурмуя вражеские крепости, переходя с А.В. Суворовым через Альпы, сражаясь на Бородинском поле…
И, конечно, нельзя представить себе воспитание патриотизма без соприкосновения с картинами, изображающими доблестных воинов, богатырей, защитников. При взгляде на знаменитую картину В. М. Васнецова «Богатыри» веришь, что и сегодня богатырская застава незримо стоит на пути любого захватчика, как верили в это в годы войны и многие русские воины.
Ратный подвиг русских богатырей приобрел в веках поистине духовное звучание, и мы не имеем права его замолчать: необходимо дать почувствовать русским детям былинное, богатырское ощущение жизни.
Принимая во внимание все вышесказанное, в актуальности выбранной мной темы не приходится сомневаться.
Объектом исследования являются художники, на работу которых повлияло устное народное творчество: былинный эпос, сказки, жития и пр.
Предметом исследования являются причины обращения русских художников к фольклорной стилистике.
Цель курсовой работы: изучить влияние былинного эпоса, его духовных традиций, эстетического и нравственного идеала на творчество русских художников и создаваемый ими в своих работах национальный характер русского народа.
Задачи:
Изучить и проанализировать накопленный материал по истории былинного эпоса.
Сформировать представление об устном народном творчестве, его функциях и влиянии на воспитание поколений.
Выявить основные аспекты отражения былинного эпоса в изобразительном искусстве на примере творчества художников прошлых столетий: Васнецова, Билибина, Врубеля и Васильева.
Познакомиться с творчеством современных художников, интересующихся истокам народной культуры, фольклором.
Краткие сведения из истории масляной живописи
Изобретение масляной живописи братьями Ван-Эйками
2-я ступень: венецианцы, несомненно, не только усвоили, но и усовершенствовали технику, стремящуюся к овладению «волшебством» красок. Чем подмалевок удобнее для лессировок, тем большие могут достигаться эффекты. При большом мастерстве тогдашние художники могли удерживаться на том высоком уровне, который делает их картины достойными удивления. Вторая ступень техники является уже законченным живописным принципом. Матовый подмалевок прокрывается блестящими лессировками, и эффект последних, в случае надобности, тушится полукроющей краской. Во всем этом следует видеть признаки высшей технической завершенности. Можно возразить, что с одинаковым успехом это можно выполнить одними масляными красками и что венецианцы именно так и поступали. Но этому противоречат многочисленные свидетельства, из которых видно, что величайшие мастера XVI века — Тициан, Веронезе и другие — делали подмалевок матовой краской.
Конечно, в эпоху столь широкой художественной деятельности должны были возникать нововведения и упрощения в области техники; кратко они состоят в следующем.
Введение в живопись дистиллированных масел (терпентиновое масло), всеобщее употребление в качестве основы холста, на который, конечно, не мог наноситься толстый гипсовый или меловой грунт; упрощение приемов живописи при fapresto и при работе болусом. Все это вносит решитель-ные изменения в технику, являясь как бы основой современной масляной техники. Художники fapresto XVII века окрашивали сами клеевой грунт, пропитывали его маслом и писали a la prima, смешанными с маслом и лаком красками, стремясь сразу сделать то, что раньше достигалось длительной работой. Они начинали тем, чем их предшественники заканчивали. В сравнительно незначительный период времени — в несколько десятилетий — названные нововведения входят во всеобщее употребление, и характер красок меняется как бы внезапно. Смешанные со скипидаром, смолами и высыхающими маслами, эти новые краски явились для художников большим облегчением и привели к виртуозности живописи a la prima. Тонкая проработка и прорисовка всех деталей в живописи отпадает, и в технике господствующим принципом становится лишь большая уверенность мазка. Что касается исторической стороны дела, о которой прежде всего, и идет речь в этой книге, то можно сделать следующий вывод.
Братья Ван-Эйки сделали большой технический переворот, который состоял в эмульгировании масел для живописных целей. Этому изобретению и надо приписать типичные особенности и, в частности, хорошую сохранность всех картин, выполненных данной техникой. Дело не в смешении красок с маслами или в лучшем очищении последних, а в том, что из жирных, вязких, масляных или лаковых связующих веществ научились приготовлять связующее, смешиваемое с водой и разводимое до любой желаемой степени, и им научились мастерски пользоваться. Этот новый вид масляной живописи, пригодный для выполнения самых тонких живописных работ, давал удачное соединение темперного слоя с масляными или «лакообразными» промежуточными прослойками, лессировками и конечным красочным слоем.
Современные рецепты масляной темперы.
Масляная темпера не применяется больше для картин. Но в стенной и декоративной живописи, а также и для прикладных целей она удержалась до наших дней. Многие рецепты этой темперы сохранились по традиции от прежнего времени. Современный практик мало интересуется историей материала, которым он работает, ему важно лишь получить хорошие практические результаты. Поэтому многие художники не отдают себе ясного отчета в том, что надо понимать под темперой в старом и новом смысле этого слова. В старом смысле слова темпера обозначает всякое вещество, пригодное для связи красок. В средние века масло также принадлежало к числу темпер. Но постепенно темпера стала обозначать лишь смешиваемые с водой клейкие вещества: клей (рыбий, костяной, пергаментный, казеин и т. п.), яичный желток и белок, гуммиарабик, трагант и т. п., которые неоднократно упоминаются в средневековой технической литературе. Для достижения более медленного высыхания ими пользовались с примесью меда или леденца и с добавлением уксуса, нашатыря и других веществ для консервирования. Все эти средства для живописи можно проследить по источникам до XV века. Под темперой в современном смысле слова следует понимать эмульсию, которая до XV века никогда не применялась в живописи. Главной особенностью темперы в новом смысле слова является то, что приготовленная с ней краска смешивается с водой и после окончательного высыхания становится плотной и водой не растворяется.
В современных ремесленных работах смешение смол и масел с водой производят при помощи мыла, но применяется этот вид темперы лишь для росписей стен. При этом связующая сила этого вещества становится меньше по мере увеличения количества мыла. При большом количестве возможных вариантов можно различать два главных вида темперы: так называемую тощую и жирную. К тощим относятся названные выше старые виды темперы. Новая масляная темпера – жирная. Отличительным признаком хорошей масляной темперы является полное высыхание, после которого она не должна растворяться водой. Для опытов по изучению техники Ван-Эйков больше всего подходят те эмульсии, которые при наложении на сухую масляную краску не собираются капельками. Можно приготовить подобный красочный материал самому, если смешать тонко стертый с водой красочный порошок с соответствующей масляной темперой. В темпере многое зависит также и от грунта; некоторые предпочитают впитывающий, клеевой грунт плотному, жирному или покрытому лаком. Каждый может его выбирать соответственно своим специальным целям, так как твердых норм для этого установить нельзя. Единственным мерилом на практике являются результаты.
Масляная живопись
История появления масляной живописи
Происхождение масляной живописи более позднее, чем фрески и темперы.
Еще и теперь не замолкли споры, когда появилась масляная живопись в настоящем смысле слова. Вазари называет изобретателем масляной живописи нидерландского живописца Яна ван Эйка — мастера первой половины XV века. Однако ряд ученых указывает, что масляные краски и лаки были известны раньше и в Европе, и в Азии (в Китае). В средние века для раскраски статуй пользовались масляными красками. Однако эти возражения не умаляют исторического значения Яна ван Эйка. Точно мы не знаем сущности его нововведения: может быть, он употреблял льняное или ореховое масло, прибегая к соединению масла и темперы в прозрачных лессировках — во всяком случае, именно только с ван Эйка масляная живопись становится самостоятельным методом, стилистической основой нового живописного мировосприятия.
Характерно, что итальянские живописцы в течение всего XV века независимо от ван Эйка экспериментируют с маслами и лаками, но настоящее развитие масляная живопись получает в Италии только в конце XV века, когда Антонелло да Мессина привозит в Венецию рецепты нидерландского живописца. Полный перелом происходит в североитальянской живописи в творчестве Джованни Беллини, который использует уроки Антонелло и в сочетании масляных красок с темперой находит стимул для своего глубокого, горячего, насыщенного колорита. А в следующем поколении венецианских живописцев, в мастерских Джорджоне и Тициана, происходит окончательное освобождение масляной живописи от всяких традиций темперы и фрески, открывающее полный простор для колористической фантазии живописцев.
Еще один перелом — историческая цезура проходит где-то во второй половине XIX века-живопись старых мастеров отделяется от новейшей. Это радикальнейшее отличие — техника старых мастеров и техника новейшей живописи, как будто принадлежит двум совершенно различным видам искусства. Вспомним о двух видах света, которые отражает поверхность картины. Чем глубже под поверхностью картины находится слой, отражающий свет, тем более красочная структура картины насыщена цветом, краски полны внутреннего горения и сверкания. Достигалось это у старых мастеров наслоением нескольких прозрачных слоев. Уже в XVIII веке живописцы стремятся к более непосредственному и динамическому методу, находя в индивидуальном мазке, в более свободной и густой живописи, в отказе от прозрачных лессировок выражение своей новой стилистической концепции. Исходя из различного понимания фактуры картины, контраст старого и нового методов можно было бы формулировать следующий образом. В основе техники старых мастеров мы находим в большинстве случаев трехслойную последовательность. Этой технической последовательности соответствовал внутренний процесс творчества живописца- сначала рисунок, потом светотень, потом цвет. --PAGE_BREAK--
Иначе говоря, концепция старых мастеров переживала последовательны" стадии развития, от композиции к форме и колориту. Принципы новейшей живописи иные: они влекут художника как бы смешать, слить воедино, одновременно разрешить эти технические и стилистические проблемы и процессы. Начиная примерно с импрессионистов, категории рисунка, формы и колорита тесно связаны, срослись, кажутся непрерывным процессом: рисунок и колорит, лепка" и композиция, тон и линия возникают и развиваются как бы в одно время. Процесс писания картины может, так сказать, продолжаться безгранично, момент окончания работы является несколько-условным: в любом месте холста художник может продолжать ее, накладывая новые мазки на подобные же, но ниже лежащие.
Наиболее ярким и последовательным представителем этой системы является Сезанн. В письмах и записанных беседах он неоднократно формулировал этот смешанный или, правильнее, нерасчлененный метод живописи. В любой момент работа над картиной может быть прервана, но произведение не потеряет эстетической полноценности. В любой момент картина готова. Сохранились самые разнообразные работы Сезанна, начиная от первых подмалевок и беглых этюдов и кончая полотнами, над которыми художник работал очень долго. Но именно слоев, стадий нет в живописи Сезанна, нет последовательного вырастания одной стилистической проблемы из другой. От начала до конца, от первых до последних мазков это одновременно рисунок, форма, цвет.
Полной противоположностью является процесс работы (и фактура) старых мастеров. Разумеется, в пределах классического метода возможны самые различные варианты, но по своему существу этот метод основан на последовательности трех слоев. Первый слой, первая стадия — это детализированный рисунок кистью на грунте. Здесь живописец устанавливает главные элементы изображения, определяет композицию, основные акценты света и тени. Этот рисунок, наносится маслом или темперой, очень тонким прозрачным слоем (так что грунт просвечивает) и имеет обычно монохромный характер — черный, коричневый, кирпично-красный, иногда два тона, например синий и коричневый («Святой Иероним» Леонардо да Винчи). Затем следует основной слой, или подмалевок, который выполняется кроющими, корпусными красками. В этом слое выделены обычно освещенные части изображенных предметов, вообще все светлые места в картине. Задача этого слоя — дать лепку формы. Подмалевок часто выполняется белилами, обычно подцвеченными (умброй, охрой, киноварью), но в более холодных тонах, чем законченная картина. В этом слое, который потом просвечивает сквозь последний, третий слой, особенно ярко сказывается характер мазка, индивидуальный почерк художника.
Некоторые живописцы с особенно динамическим темпераментом, например Франс Гальс, вообще довольствовались только двумя слоями. Последний слой выполнялся прозрачными лессировками. Он делал ниже лежащие краски более темными и теплыми. Главная задача третьего слоя — насытить колорит картины цветом, дать красочное богатство ниже находящимся монохромным слоям. Если лессировки ложатся не на совсем высохший подмалевок, то бывает, что белила подмалевка примешиваются к верхнему стекловидному слою и его баламутят. Это может быть сознательным приемом, связанным с удивительной свободой и живописностью, у наиболее выдающихся мастеров колорита — Тициана, Рембрандта, Тьеполо. В общем, можно утверждать, что в архаическую пору масляной живописи блестящие достижения характерны для верхнего прозрачного слоя картины, тогда как с середины XVI века, особенно же в XVII-XVIII веках, главное внимание сосредоточивалось на подмалевке, в свободных штрихах которого художник как бы воплощал свой творческий процесс.
Техника кладки красок неотделима, с одной стороны, от проблем фактуры (обработка поверхности картины), а с другой — от концепции колорита у того или другого художника в ту или иную эпоху в связи с тем или иным стилем. К основным элементам колорита мы теперь и обратимся.
Происхождение масляной живописи
Происхождение масляной живописи более позднее, чем фрески и темперы. Еще и теперь не замолкли споры, когда появилась масляная живопись в настоящем смысле слова. Вазари называет изобретателем масляной живописи нидерландского живописца Яна ван Эйка — мастера первой половины XV века. Однако ряд ученых указывает, что масляные краски и лаки были известны раньше и в Европе, и в Азии (в Китае). В средние века для раскраски статуй пользовались масляными красками. Однако эти возражения не умаляют исторического значения Яна ван Эйка. Точно мы не знаем сущности его нововведения: может быть, он употреблял льняное или ореховое масло, прибегая к соединению масла и темперы в прозрачных лессировках — во всяком случае, именно только с ван Эйка масляная живопись становится самостоятельным методом, стилистической основой нового живописного мировосприятия. Характерно, что итальянские живописцы в течение всего XV века независимо от ван Эйка экспериментируют с маслами и лаками, но настоящее развитие масляная живопись получает в Италии только в конце XV века, когда Антонелло да Мессина привозит в Венецию рецепты нидерландского живописца. Полный перелом происходит в североитальянской живописи в творчестве Джованни Беллини, который использует уроки Антонелло и в сочетании масляных красок с темперой находит стимул для своего глубокого, горячего, насыщенного колорита. А в следующем поколении венецианских живописцев, в мастерских Джорджоне и Тициана, происходит окончательное освобождение масляной живописи от всяких традиций темперы и фрески, открывающее полный простор для колористической фантазии живописцев.
Еще один перелом — историческая цезура проходит где-то во второй половине XIX века — живопись старых мастеров отделяется от новейшей. Это радикальнейшее отличие — техника старых мастеров и техника новейшей живописи, как будто принадлежит двум совершенно различным видам искусства. Вспомним о двух видах света, которые отражает поверхность картины. Чем глубже под поверхностью картины находится слой, отражающий свет, тем более красочная структура картины насыщена цветом, краски полны внутреннего горения и сверкания. Достигалось это у старых мастеров наслоением нескольких прозрачных слоев. Уже в XVIII веке живописцы стремятся к более непосредственному и динамическому методу, находя в индивидуальном мазке, в более свободной и густой живописи, в отказе от прозрачных лессировок выражение своей новой стилистической концепции. Исходя из различного понимания фактуры картины, контраст старого и нового методов можно было бы формулировать следующий образом. В основе техники старых мастеров мы находим в большинстве случаев трехслойную последовательность. Этой технической последовательности соответствовал внутренний процесс творчества живописца — сначала рисунок, потом светотень, потом цвет. Иначе говоря, концепция старых мастеров переживала последовательны" стадии развития, от композиции к форме и колориту. Принципы новейшей живописи иные: они влекут художника как бы смешать, слить воедино, одновременно разрешить эти технические и стилистические проблемы и процессы. Начиная примерно с импрессионистов, категории рисунка, формы и колорита тесно связаны, срослись, кажутся непрерывным процессом: рисунок и колорит, лепка" и композиция, тон и линия возникают и развиваются как бы в одно время. Процесс писания картины может, так сказать, продолжаться безгранично, момент окончания работы является несколько-условным: в любом месте холста художник может продолжать ее,, накладывая новые мазки на подобные же, но ниже лежащие. Наиболее ярким и последовательным представителем этой системы является Сезанн. В письмах и записанных беседах он неоднократно формулировал этот смешанный или, правильнее, нерасчлененный метод живописи. В любой момент работа над картиной может быть прервана, но произведение не потеряет эстетической полноценности. В любой момент картина готова. Сохранились самые разнообразные работы Сезанна, начиная от первых подмалевок и беглых этюдов и кончая полотнами, над которыми художник работал очень долго. Но именно слоев, стадий нет в живописи Сезанна, нет последовательного вырастания одной стилистической проблемы из другой. От начала до конца, от первых до последних мазков это одновременно рисунок, форма, цвет. Полной противоположностью является процесс работы (и фактура) старых мастеров. Разумеется, в пределах классического метода возможны самые различные варианты, но по своему существу этот метод основан на последовательности трех слоев. Первый слой, первая стадия — это детализированный рисунок кистью на грунте. Здесь живописец устанавливает главные элементы изображения, определяет композицию, основные акценты света и тени. Этот рисунок, наносится маслом или темперой, очень тонким прозрачным слоем (так что грунт просвечивает) и имеет обычно монохромный характер — черный, коричневый, кирпично-красный, иногда два тона, например синий и коричневый («Святой Иероним» Леонардо да Винчи). Затем следует основной слой, или подмалевок, который выполняется кроющими, корпусными красками. В этом слое выделены обычно освещенные части изображенных предметов, вообще все светлые места в картине. Задача этого слоя — дать лепку формы. Подмалевок часто выполняется белилами, обычно подцвеченными (умброй, охрой, киноварью), но в более холодных тонах, чем законченная картина. В этом слое, который потом просвечивает сквозь последний, третий слой, особенно ярко сказывается характер мазка, индивидуальный почерк художника. Некоторые живописцы с особенно динамическим темпераментом, например Франс Гальс, вообще довольствовались только двумя слоями. Последний слой выполнялся прозрачными лессировками. Он делал ниже лежащие краски более темными и теплыми. Главная задача третьего слоя — насытить колорит картины цветом, дать красочное богатство ниже находящимся монохромным слоям. Если лессировки ложатся не на совсем высохший подмалевок, то бывает, что белила подмалевка примешиваются к верхнему стекловидному слою и его баламутят. Это может быть сознательным приемом, связанным с удивительной свободой и живописностью, у наиболее выдающихся мастеров колорита — Тициана, Рембрандта, Тьеполо. В общем, можно утверждать, что в архаическую пору масляной живописи блестящие достижения характерны для верхнего прозрачного слоя картины, тогда как с середины XVI века, особенно же в XVII--XVIII веках, главное внимание сосредоточивалось на подмалевке, в свободных штрихах которого художник как бы воплощал свой творческий процесс. техника кладки красок неотделима, с одной стороны, от проблем фактуры (обработка поверхности картины), а с другой — от концепции колорита у того или другого художника в ту или иную эпоху в связи с тем или иным стилем. К основным элементам колоритаё мы теперь и обратимся.
Вид живописи художественными масляными красками. Исполняется главным образом на холсте, дереве, картоне и т. п., покрытых грунтом (станковая масляная живопись), или на известковой штукатурке (монументальная масляная живопись). Техника масляной живописи разработана в нач. 15 в. братьями Ван Эйк. Благодаря интенсивности тонов и тонкости цветовых переходов масляная живопись обладает богатыми возможностями воссоздания зримой картины мира.
Масляная живопись — разновидность живописной техники, основанная:
— на применении растительного масла в качестве основного связующего вещества; а также
— на определенных приемах работы с красками.
Считается:
— что масляной живописи свойственны особые возможности непосредственного выражения авторского замысла, настроения, внутренних импульсов;
— что масляная живопись позволяет создавать богатые и тонкие варианты колорита, иллюзию пространства и объема на плоскости.
Масляная живопись в большей степени, чем какая-либо другая техника живописи, позволяет достичь на плоскости зрительной иллюзии объёма и пространства, богатых цветовых эффектов и глубины тона, выразительности и динамики письма. Технические приёмы масляной живописи разнообразны. Мазки могут быть кроющими (непрозрачными) и лессировочными (прозрачными), корпусными (плотными) и фактурными (рельефными), тонкими и гладкими. Масляная живопись до начала 19 века была построена на многослойном (многократном) нанесении красок с примесью лаков и последующей лакировке поверхности картины. С начала 19 века для масляной живописи главным образом характерна манера наложения красок алла прима по чистому грунту или тонко нанесённому цветовому или тональному подмалёвку; лаки применяются реже.
Отдельные письменные сведения о масляной живописи встречаются в античных и средневековых манускриптах. В 1-й трети 15 века получает распространение станковая масляная живопись после усовершенствования её Я. ван Эйком. С 16 века масляная живопись является ведущей техникой в живописи.
Чтобы писать масляными красками на холсте, дереве, картоне или другом каком-либо основании, на него сначала наносят грунт, чтобы воспрепятствовать вытеканию масла из красок, обеспечить лучшее сцепление красочного слоя с поверхностью холста и придать основанию определенную фактуру и цвет.
Наиболее популярными являются акриловые грунты как наиболее простые в применении и легкодоступные. Акриловый грунт наносится в 4-5 тонких слоев на растянутый холст или другую поверхность и полностью высыхает в течение одного дня. Акриловый грунт легко окрашивается в любой цвет с помощью добавления к нему акриловых красок или сухих пигментов. Чтобы воспрепятствовать впитыванию масла в грунт, его покрывают тонким слоем льняного масла или специально предназначенным для этого клеем. От качества грунта напрямую зависят яркость красок и долговечность работы.
Для письма масляными красками наиболее популярны кисточки из свиной щетины, использующиеся для грубой работы, и красный соболь для тонких деталей. Но рисовать можно не только кисточками. Например, можно рисовать мастихином, губкой или тряпкой — всем, кроме пальцев, так как многие пигменты токсичны и легко проникают сквозь кожу. Синтетические кисточки для рисования маслом практически не пригодны, они легко портятся под воздействием лаков и растворителей и удерживают мало краски. Хорошая синтетика, близкая по качеству к натуральному волосу, зачастую намного его дороже. Важно отметить, что для живописи качество кисточек важнее качества красок(субъективное мнение). продолжение
--PAGE_BREAK--
Краски смешивают на палитре мастихином (специальный «нож» или «мастерок»). Мастихины делают из нержавеющего металла или пластика. Металлические мастихины более надежны и удобны, но могут изменить цвет некоторых пигментов или послужить катализатором для реакции некоторых пигментов в краске. В случае подобного риска обычно используют пластиковый мастихин. Чтобы избежать химических реакций пигментов и сохранить яркость красок, не следует смешивать более трех пигментов сразу к оттенку надо идти кратчайшим путем.
Палитрой может служить деревянная дощечка, вощеная бумага, керамическая плитка или кусок стекла. Лучше использовать стекло, так как оно не впитывает масло, не реагирует с пигментами, легко очищается скребком и, под него можно подложить бумагу такого же цвета что и грунт, что существенно облегчает подбор и смешивание цветов.
Чтобы разбавить краску или сполоснуть кисточку, используют терпентин(пинен) или любой другой растворитель — достаточно чистый, чтобы полностью испариться, не оставляя жирных пятен или других загрязнителей, способных испортить краску. Сильно разбавлять краску нельзя, так как она может не прилипнуть к предыдущему слою, если в ней не содержится достаточно масла. Минеральные растворители могут способствовать выцветанию краски. В верхних слоях картины для разжижения краски лучше использовать небольшое количество льняного масла.
Растворитель для мытья кисточки не выливают, а держат в специальной баночке с двойным дном — второе дно с отверстиями. Пигменты постепенно оседают на дно сквозь отверстия, и растворитель можно использовать снова, не боясь побеспокоить осевшую на дно грязь. Кисточку перед мытьем тщательно вытирают тряпкой. После мытья растворителем кисточки моют теплой водой с шампунем и тщательно вытирают, перед тем как убрать. Хранить кисточки следует ставя вертикально в стакане, головой вверх, чтобы они быстрее высыхали и не теряли форму.
Для придания масляным краскам блеска к ним подмешивают специальные лаки и смолы, например даммарную смолу, растворенную во французском терпентине с добавлением сгущенного на солнце льняного масла. Краски могут потрескаться от избытка лака, поэтому лаков и смол не рекомендуется добавлять более десяти процентов от объема краски.
В современные краски так же часто добавляют вещества ускоряющие высыхание, так называемые сиккативы. Быстро сохнущие краски очень удобны, но могут потрескаться через несколько лет, когда краска полностью высохнет.
Картины масляными красками чаще всего пишут, устанавливая холст на мольберте. Мольберты бывают стационарные и переносные. И те, и другие делаются из дерева, металла или пластика. Наиболее популярны деревянные мольберты, так как они устойчивее алюминиевых и пластиковых мольбертов и в то же время существенно легче стальных.
Законченную полностью высохшую картину часто покрывают лаком, чтобы выровнять тон и защитить картину от разрушения. Один из наиболее популярных лаков — Масляная живопись
МАСЛЯНАЯ ЖИВОПИСЬ (англ. oil-painting, фр. peinture a 1'huile, нем. Olmalerei)
Разновидность живописной техники, основанная на применении растительного масла (отбеленного льняного, орехового, подсолнечного) в качестве основного связующего вещества, а также на определенных приемах работы с красками. Для масляной живописи используются множество разновидностей основы (холст, картон, дерево, металл), многочисленные виды грунта, разнообразные сорта кистей. Красочный слой может быть тонким и густым, пастозным, прозрачным и плотным, блестящим и матовым, светлым и очень темным, глубоким по тону.
Наряду с многослойной живописью (с подмалевком и лессировками) возможна живопись по сырому. В отличие от клеевой живописи, в особенности от гуаши, цвет масляной краски остается после высыхания неизменным. Масляная живопись может использоваться не только для станковых картин, но и для исполнения панно, а также росписей на известковой штукатурке (хотя их стойкость ниже, чем у фрески).
Масляной живописи свойственны особые возможности непосредственного выражения авторского замысла, настроения, внутренних импульсов; она позволяет создавать самые богатые и тонкие варианты колорита, иллюзию пространства и объема на плоскости. Масляной живописи присущи гибкость, податливость материала и сравнительная прочность красочного слоя, вместе с тем склонность со временем к почернению, пожелтению и растрескиванию (кракелюр). При длительной работе масляная живопись предъявляет сложные технологические требования.
Известная в античном и средневековом искусстве масляная живопись широкое распространение получила только с кон. XIV — нач. XV в. особенно после усовершенствования ее Яном ван Эйком.
Масляная живопись — техника, в которой работает подавляющее большинство художников с XVI в.(в России — с XVIII в.). До XIX в. было принято многослойное письмо с систематическим употреблением разжижающих краску лаков и заключительной лакировкой картин. С XIX в. распространяется однослойная живопись — письмо алла прима по грунту или по легкому подмалевку.
Возможность изображать явления жизни с исключительной полнотой и выражать наиболее непосредственно духовные побуждения автора обусловила широчайшее распространение масляной живописи в современном искусстве.
Картины маслом или немного о самом популярном виде живописи
Масляная живопись – это один из самых распространенных видов живописи на сегодня. Широкую популярность она получила в средние века благодаря нидерландскому художнику Яну Ван Эйку. Некоторые исследователи его творчества считают, что именно он и был основоположником такого понятия, как техника масляной живописи. Вообще нидерландская живопись – это, прежде всего, картины маслом – цветы, портреты, пейзажи. Большинство картин на выставках – это масляная живопись или копии картин маслом. Во многих музеях проводится реставрация масляной живописи известных авторов, а «картины маслом продажа» — это словосочетание очень часто вводят в строку поисковых систем в Интернете. Заказ картины маслом можно произвести в любой художественной мастерской, а стоимость картин маслом – весьма доступна.
Как понятно из названия, живопись маслом – это рисование масляными красками, которые состоят из высыхающего масла (чаще всего льняного, масла мака или грецкого ореха) и сухого пигмента. Пигменты в масляных красках бывают лессирующие (прозрачные) – они создают ощущение глубины на рисунке, и укрывистые (покрывные, непрозрачные). Лучшие краски составляются по условной формуле «1 краска = 1 пигмент в максимальной концентрации», но часто мастера для получения нужного оттенка смешивают краску из нескольких пигментов на палитре. Особенно часто такой прием используется, если выполняются картины цветов маслом либо пейзажи.
Что касается собственно самого масла – то чаще всего пользуются льняным маслом холодного отжима, оно золотистого цвета и не имеет запаха. Для белого пигмента часто используют абсолютно прозрачное маковое масло. После нанесения на картину масляная краска за несколько дней подсыхает и превращается в прозрачную водостойкую пленку, очень, однако, хрупкую, трескающуюся при малейшем изгибе. Процесс окончательного засыхания масляной краски длится около 2-3 лет, причем наблюдается одна интересная деталь – картина в это время существенно прибавляет в весе, а затем снова становится легче.
Льняное масло желтеет при отсутствии света, поэтому после долгого хранения картины в шкафу или в запасниках музея для возвращения ей первоначального вида её нужно выставить на яркий солнечный свет на несколько дней.
Чаще всего масляными красками рисуют на холсте – льняном или хлопковом или на деревянной дощечке, а живопись маслом для начинающих это рисование на картоне. В любом случае, если говорят «картина-холст-масло», то подразумевают, что сначала на основание (холст или другой материал) наносят грунт – он препятствует растеканию масляной краски по картине. Но все же основной материал тут – холст, и купить картину маслом на холсте – это более престижно, чем просто купить картину маслом.
Писать картины маслом нужно на мольбертах – стационарных или небольших переносных, деревянных, пластиковых или металлических. Наибольшей популярностью пользуются, конечно, деревянные мольберты – они более устойчивы и легче мольбертов из других материалов. Что касается кисточек для масляной живописи – то для грубых мазков используют кисточки их свиной щетины, а для тонкой работы – кисточки из красного соболя, впрочем, рисовать можно и чем угодно – специальной лопаткой мастихином, губкой, лоскутом ткани, особенно, если это живопись маслом – цветы, так очень удобно вырисовывать лепестки и листья. Используется всё, кроме пальцев – ведь большинство применяемых в масляных красках пигментов токсичны.
Масляные краски перед нанесением на полотно смешивают мастихином на палитре – деревянной дощечке, вощеной бумаге, керамической плитке или стекле. В последнее время современная живопись масляными красками предусматривает использование палитры из пластика или оргстекла. Картини маслом всегда блестят. Это предусматривает техника живописи маслом, ведь в процессе работы к краскам подмешивают специальные смолы и лаки. Один из самых старых рецептов – в терпентине растворяют даммарную смолу и немного льняного масла, сгущенного на солнечном свету. Вот только от избытка лака слои краски могут потрескаться, поэтому смолы или лака нужно добавлять не более одной десятой части от общего объема краски. После окончания работы картины, написанные маслом, покрывают лаком, например, кетоновым, для того, чтобы выровнять тон и защитить картину от различного рода повреждения её поверхности.
Современные картины, нарисованные маслом, выполняются с добавлением сиккативов – веществ, ускоряющих высыхание краски. Быстрое высыхание картины, безусловно, удобно, однако существует большая опасность растрескивания слоев краски через несколько лет.
Если Вас заинтересовал этот вид живописи, может быть, есть смысл начать брать уроки масляной живописи? В художественных студиях мастера охотно дают уроки живописи маслом, также распространены видео уроки масляной живописи.
Общие сведения о маслах, применяемых в живописи и не только.
Serjant 16-01-2007 20:59Масла, имеющие применение в живописи, по своему составу и назначению делятся на две группы. К первой относятся так называемые жирные высыхающие масла, получаемые из семян различных растений и относящиеся к жирам растительного происхождения, таковы льняное, маковое, ореховое и другие подобные им масла.
Во вторую группу входят масла различного происхождения, не принадлежащие к жирам, носящие название эфирных масел.
Жирные высыхающие масла имеют способность обращаться на воздухе в твердые вещества, что и дает возможность пользоваться ими как связующими веществами красок в масляной живописи и в малярном деле. На основании этого они и названы высыхающими маслами, в отличие от целого ряда других масел растительного же происхождения, которые или совершенно не проявляют этой способности в условиях живописной практики, или же проявляют ее лишь отчасти.
Все растительные жирные масла, таким образом, с этой точки зрения могут быть подразделены на высыхающие, полувысыхающие и невысыхающие.
К высыхающим жирным маслам относятся: льняное, маковое, ореховое, конопляное, масло белой акации, растения лялеманции, масло сосновых и еловых семян, бузины, древесное (тунговое), перилловое, нигеровое и др.
К полувысыхающим относятся: хлопковое, подсолнечное, маисовое, кретоновое, рапсовое, сезамное, масло липового дерева и др.
К невысыхающим — миндальное, касторовое, оливковое, кокосовое, пальмовое, фисташковое и многие другие.
Животные жиры в большинстве своем на воздухе не твердеют; исключением в этом отношении являются лишь ворвань (жидкий жир, добываемый из сала китов, тюленей и др)и рыбий жир, которые обладают этой способностью и потому нередко применяются для фальсификации высыхающих жирных масел.
Наиболее популярными в живописи жирными высыхающими маслами являются: льняное, ореховое и маковое масла.
Масла эти, подобно прочим растительным жирным маслам, представляют собой нелетучие бесцветные или окрашенные более или менее густые жидкости, которые не смешиваются с водой и не растворяются в ней, но, будучи легче воды, плавают поверх нее. Они с трудом растворяются в спирту, легко — в эфире, сероуглероде, хлороформе и в эфирных маслах. продолжение
--PAGE_BREAK--
Растительные жирные масла, как и жиры животного происхождения, состоят из углерода, водорода и кислорода. Они представляют сложные химические соединения, в которых важнейшими составными элементами являются соединения животных кислот с глицерином, на основании чего они и носят название глицеридов.
Глицериды эти при известных условиях способны образовать мыло и освобождать глицерин: на этом основании жирные масла носят название также омыляющихся масел.
Эфирные масла относятся к неомыляющимся маслам. Представители этого вида масел по своему составу принадлежат главным образом к углеводородам. Одни из них улетучиваются на воздухе без остатка; другие же улетучиваются отчасти и отчасти окисляются, осмоляясь и образуя твердые вещества.
К маслам, улетучивающимся без остатка, относятся продукты, добываемые из нефти и каменноугольного дегтя. Таковы различные виды керосина, бензина, бензол, толуол, ксилол, тетралин и декалин. Большинство из них принадлежит к веществам, химически мало активным.
Эфирные масла, к которым относятся скипидары (французский, русский и др.), масла копайского бальзама, копаловое и янтарное масла, отчасти улетучиваются, отчасти окисляются, т. е. осмоляются, причем образуются в большем или меньшем количестве твердые вещества. Они представляют собой так называемые терпены — вещества химически активные.
К эфирным маслам причисляются также масла, представляющие по химическому составу смесь углеводородов ряда терпенов с некоторыми кислородными соединениями. Таковыми являются: розмариновое, спиковое, лавендуловое, гвоздичное масла и масло бальзама элеми.
МАСЛА И ПРОЦЕСС ИХ ЗАТВЕРДЕВАНИЯ
Масла эти получаются главным образом выжиманием семян льна и мака. Семена, подвергающиеся выжиманию, нагреваются до известной температуры или же выжимаются холодными.
Масла, получаемые горячим прессованием, т. е. с нагреванием «мезги» (измельченных семян), приобретают более темную окраску и содержат в себе большое количество посторонних примесей; масла же, выжатые холодным способом, значительно светлее и содержат меньшее количество их. К посторонним веществам, встречающимся в свежевыжатых маслах, относятся: слизь, крахмалистые и белковые вещества, соли неорганического происхождения, красящие начала, целлюлоза и пр.
Все названные примеси в масле ухудшают его состав, портят его цвет, способствуют его прогорканию и замедляют его высыхание. Масла в чистом виде не имеют ни вкуса, ни запаха и не способны подвергаться порче. Для целей живописи наиболее пригодными поэтому являются масла, выжатые холодным прессованием и притом из сухих семян. На практике, однако, чаще применяется прессование с нагреванием мезги. При длительном отстаивании масел посторонние примеси, заключающиеся в них, оседают на дно сосуда, и масла становятся свободными от них. Таким образом, качество масел с годами улучшается.
Высыхающие жирные масла способны обращаться при соприкосновении с воздухом в твердые вещества, притом в достаточно короткий промежуток времени, почему они и применяются с давних пор для целей живописи и окраски; что касается сущности названного явления, то научное объяснение его началось лишь в позднейшее время.
Процесс высыхания растительных жирных масел, таким образом, значительно отличается от высыхания клеевых растворов или спиртовых лаков, где сущность процесса затвердевания заключается лишь в испарении воды и спирта и представляет собой очень сложный процесс, в котором принимают участие и химические и физические явления.
Затвердевание жирных масел сопровождается, с одной стороны, образованием летучих элементов, присутствие которых в воздухе, где находится свежая масляная краска, узнается по характерному запаху некоторых из них, хорошо знакомому каждому художнику; с другой увеличением объема, а также веса масел. (Открытие этого важного явления принадлежит русскому ученому профессору физики Ф. Петрушевскому) .
В первом периоде затвердевания масла прибыль в весе превышает потерю, в дальнейшем же длительном периоде происходит лишь уменьшение веса и объема его, вследствие чего высохший слой масла подвергается сжиманию и натяжению, под влиянием которых и происходит образование трещин в слоях масляной живописи.
При затвердевании масел и масляных красок на поверхности их образуется пленка, которая с трудом пропускает воздух, почему процесс сквозного просыхания слоя задерживается на долгое время.
Масляная краска во всех условиях просыхает лучше в глубине ее слоя, чем слой одного масла, причем многие из красок энергично содействуют процессу затвердевания масел, например краски свинцового происхождения.
Высыхание масла и масляных красок представляет весьма длительный процесс.
Живописцы различают в нем три момента:
1) подсыхание масла, при котором на поверхности Слоя образуется пленка, дающая отлип;
2) засыхание масла, когда наблюдается исчезание отлипа и образование твердой поверхности
3) полное сквозное затвердение масляного слоя.
Так, льняное масло, например, подсыхает в 3-6 дней, засыхает в 60 дней и затвердевает во всей толще слоя в 2 года.
По истечении двух лет от начала затвердевания краски сжатие ее хотя и не достигает еще предела, но становится почти незаметным. Уменьшение в объеме краски за 2 года, по проф. Ф. Петрушевскому, равняется от1/20 до1/4 прежнего объема и даже несколько больше. Краска сжимается тем значительнее, чем больше в нее было введено масла. Происхождение масла имеет в данном случае также большое значение, так как степень сжимания у различных масел, как показал опыт, различна.
При различных условиях процесс этот то ускоряется, то замедляется. Опыт показал, что свет, температура, сухость и влажность воздуха оказывают большое влияние на ускорение и замедление высыхания масла, но кроме них имеются и другие факторы, действующие в таком же направлении.
Свет играет весьма важную роль в процессе высыхания масел, причем при отсутствии света высыхание почти приостанавливается. Так, масло, сохнувшее на свету 6 дней, высохло в темноте в 66 дней. Особенно энергично действуют в этом случае прямые солнечные лучи, так как здесь имеет большое значение и теплота их. Действительно, для высыхания масляной окраски на солнечном свету требуется от половины до одной трети того времени, которое необходимо для высыхания ее же в тени. Наиболее активными лучами солнца являются ультрафиолетовые лучи, которые оказывают на ускорение высыхания масел не меньшее действие, чем действие так называемых «сикативов».
При длительном просыхании масляных красок под действием прямых солнечных лучей масляный слой может пострадать.
Как велико значение температуры воздуха для высыхания масел, об этом можно судить по следующим данным. Льняное масло при 25-28 гр. Ц; высыхает уже скорее, чем при 15-18 гр. Ц; со значительным же повышением температуры процесс высыхания особенно ускоряется. Так, по Вегеру, масло, высыхавшее зимой при комнатной температуре в 5-7 дней и летом в 3-4 дня, высыхало при 50 гр. Ц в темном сушильном шкапу в течение 12 часов, при температуре в 95 гр. Ц — приблизительно в течение 1 часа, а при 120 гр. Ц — в 30 минут. Масло, содержавшее марганцовый сикатив и высыхавшее при комнатной температуре в течение 14 часов, при 95 гр. Ц высыхало в 30-40 минут, а при 120 гр. Ц — в 15-20 минут.
Холод задерживает высыхание масел, равно как я большой процент влаги, содержащейся в воздухе (в дождливое время и в сыром помещении); нормальная же влажность воздуха благоприятно отзывается на процессе, так как масло одновременно с кислородом поглощает из воздуха и некоторое количество воды, необходимое для нормального хода высыхания, действие которой в процессе высыхания идет рука об руку с действием кислорода. Из сказанного следует, что высыхание масла в слишком сухом воздухе хотя и протекает быстро, но идет ненормально, так как в этом случае наблюдается большая потеря в веществе масла вследствие образования большого количества газообразных продуктов расщепления масла. При высыхании же масла в воздухе, насыщенном водяными парами, получается набухшая пленка с большим содержанием воды, которая при полном высыхании покрывается трещинами.
К веществам, ускоряющим высыхание масел, принадлежат известного состава краски, а также специальные препараты, именующиеся сикативами, которые содействуют поглощению маслом кислорода. Задерживают и замедляют процесс высыхания главным образом вода и слизь, содержащиеся в маслах, и некоторые эфирные масла, вводимые в жирные масла, так как эти последние сами нуждаются в кислороде для своего высыхания и таким образом препятствуют поглощению его жирным маслом. Кроме того, определенного состава краски также имеют свойство замедлять процесс высыхания. На ускорение и замедление процесса высыхания влияет также и материал, который покрывается маслом или масляной краской. Так, на поверхности свинца масло и масляная краска сохнут скорее, нежели на других металлах; на дереве сохнут медленней, чем на металлах.
Позднейшие изучения растительных жирных масел выяснили, что и масла, относящиеся к разряду масел невысыхающих, будучи поставлены в особые условия, также затвердевают. Оливковое масло, например, будучи нанесенным на свинцовую пластинку, получает способность высыхать, на что, однако, требуется несколько месяцев.
Затвердевшее масло, представляющее собой гибкое, эластичное вещество, названное линоксином, постепенно (по мере уменьшения в весе и объеме) теряет свою эластичность, вследствие чего старая масляная живопись делается хрупкой и ломкой.
Засохшее масло при полном отвердении нерастворимо в воде, с трудом растворимо в эфире, бензине и других эфирных маслах. Свежезасохшее масло представляет собой не сухое вещество, а жидко-твердое. По своему составу и строению оно может частично размываться водой, если краска, с которой масло стерто, не содействует ее закреплению.
Так теряются масляные покраски на открытом воздухе. Это происходит не только вследствие отхода улетучивающихся продуктов высыхания масла, но также благодаря унесению растворимых продуктов водою.
Затвердевшие пленки масла иногда вновь становятся мягкими и дают отлип. Подобное размягчение слоя после высыхания масла наблюдается главным образом у макового, орехового, подсолнечного масел и очень редко у льняного масла. На свету и в сухом воздухе пленки вновь становятся твердыми и теряют отлип.
Как долго длится процесс высыхания масляных красок с теми весовыми и объемными изменениями, которые наблюдаются при нем, в слоях живописи? Наступает ли в конце концов момент полного его затишья или же он идет беспрерывно, приводя в конечном результате слои масляной живописи в полное разрушение? Вот вопросы, разрешение которых представляет особый интерес для живописца, так как они непосредственно связаны с вопросом долговечности масляной живописи.
Разбирая их, проф. Ф. Петрушевский склонялся к тому же мнению, которого придерживались на этот счет и другие ученые, его современники, а именно, что химические процессы, протекающие в слоях масляной живописи и ведущие к ее разрушению, продолжаются беспрерывно. «Совершенно высохшая на вид масляная картина, говорит Ф. Петрушевский, продолжает окисляться до тех пор, пока не сделается рассыпчатой» (Ф. Петрушевский, Краски и живопись, 1891. стр. 85.).
Позднейшие исследования процесса затвердевания жирных масел не подтверждают, однако, этой теории. Не подтверждает ее и хорошая сохранность многих старинных живописных произведений, исполненных на одном масле. Современные исследователи вопроса полагают, что химические процессы, происходящие при высыхании в слоях масла и масляных красок, имеют место лишь в периоде затвердевания названных слоев; в дальнейшем же процессе наблюдаются лишь физические явления. Хрупкость и дряблость слоя живописи является следствием этих физических процессов.
Попутно с затвердеванием масла и изменением его химического состава наступает помутнение его прозрачного слоя, медленное пожелтение и потемнение, сначала лишь поверхностное, переходящее позднее, через большой промежуток времени, в потемнение во всей толще масляного слоя. Это изменение цвета масла происходит при различных условиях и различных маслах в различной степени. продолжение
--PAGE_BREAK--
Лучшими маслами для живописи считаются льняное, маковое и ореховое; наибольшей популярностью из них пользуются льняное и маковое.
Льняное масло
Льняное масло добывается из семян льна, причем качество получаемого продукта в значительной мере зависит от места возделывания семян, зрелости и чистоты их. Так, масло, полученное из сорных семян, содержит в себе примесь сурепного, рапсового и других масел.
Масло, выжатое без нагревания семян, светло и обладает золотисто-желтым цветом; при горячем же прессовании получается значительно более окрашенное масло, нередко коричневого цвета с характерным запахом и довольно едким вкусом, лишенное прозрачности вследствие содержащихся в нем посторонних примесей. Свежее масло, полученное холодным прессованием, лишено всякого запаха, который появляется в нем позднее, вероятно, вследствие частичного разложения масла.
Льняное масло, подобно прочим жирам, состоит из углерода, водорода и кислорода. Твердыми жирными кислотами его являются главным образом пальмитиновая и стеариновая, общее содержание которых в одном из образцов голландского масла согласно анализу, произведенному Эйбнером и Шмидингером, равнялось 8,3%. Жидкие кислоты льняного масла состояли из олеиновой, находящейся в нем в количестве 4,5%, линолевых. кислот в количестве 58,8 %, линоленовой — 20,1 % и изолиноленовой — 2,7 %.
Состав льняного масла, как и других растительных масел, отнюдь не является величиной постоянной, как полагали сравнительно еще недавно, а находится в полной зависимости от климата, в котором произрастает растение и из семян которого получено масло.
Это высокой важности открытие принадлежит проф. С. Иванову.
Позднейшие анализы льняного масла как нельзя лучше подтверждают истинность заключения проф. Иванова. Так, най дено, что в северных широтах в составе, льняного масла вместо двух видов линоленовых кислот имеется всего лишь один.
Высыхание льняного масла, равно как и прочих жирных масел, обязано присутствию в них трех названных кислот: линолевой, линоленовой и изолиноленовой. Общее количество этих кислот в льняном масле, как видно из приведенных цифр, достигает 81,6%. Этим преобладанием названных кислот в составе льняного масла и объясняется его способность к быстрому высыханию.
Льняное масло, нанесенное тонким слоем на стеклянную пластинку, через некоторое время затвердевает во всей своей толще. Если же масло взято в толстом слое, то затвердевание его происходит сначала лишь на поверхности, которая покрывается кожицей, принимающей быстро морщинистый и волнистый вид, так как затвердевшая часть масла под действием кислорода увеличивается в объеме. Это явление особенно характерно для льняного масла. Свежевыжатое холодным путем льняное масло высыхает зимой в 11 дней, летом в 3-6 дней.
Сырое, свежевыжатое льняное масло, как и другие масла, содержит в себе обычно в большем или меньшем количестве слизь, воду и другие посторонние примеси, поступившие в масло при выжимании. Слизистые примеси, состоящие из белковых веществ, могут находиться в совершенно прозрачном масле, мутность масла отнюдь не указывает на присутствие в нем слизи. Вода в свежевыжатом масле может содержаться в количестве до 0,3%, причем прозрачность масла не является также признаком отсутствия ее в масле. Присутствие слизи и воды в масле понижает его качества, и потому они должны быть удаляемы из масла. Очищенное от слизи и воды масло носит название лакового масла.
Льняное масло растворяется легко в эфирных маслах и очень мало в спирту: 1 часть его растворяется в 5 частях кипящего и в 40 частях холодного алкоголя. Масло, долго хранившееся в открытом сосуде и загустевшее, приобретает большую способность растворяться в спирту. Этим раствором пользуются для придачи эластичности спиртовым лакам. При температуре в — 6 гр. Ц масло становится мутным, при — 16 гр. Ц очень густым, а при — 20 гр. Ц застывает вполне; при более сильном охлаждении становится совершенно твердым.
Красильное начало, придающее цвет льняному маслу, состоит из четырех пигментов, в химическом отношении сходных между собою: желтого ксантофила, желтого и синего хлорофила и красного эритрофила. Не все они, однако, присутствуют в масле одновременно. Масло обладает коричневым цветом, если содержит эритрофил и смесь желтого и синего хлорофила, и светложелтым, если в нем преобладает ксантофил. Все эти красящие начала несветопостоянны и потому более или менее быстро разрушаются светом, особенно в присутствии кислорода воздуха. Нагревание масла также сильно обесцвечивает их. Наиболее прочной окраской обладает балтийское масло, которое обесцвечивается с трудом. Сорное льняное семя дает мутное масло с зеленоватым оттенком и слабой способностью к высыханию.
Прибыль и убыль в весе, обычно наблюдающиеся у жирных масел при процессе высыхания, не так велики у льняного масла, как, например, у орехового и макового. Это весьма благоприятно отражается на прочности высохшего слоя льняного масла, которое поэтому менее способно к растрескиванию, чем слои макового и орехового масел.
Льняное масло как связующее вещество красок превосходит по своим качествам все прочие масла.
Масляная живопись прошедших времен исполнена главным образом на льняном масле, и этим в значительной мере объясняется ее прекрасная сохранность. Серьезным недостатком льняного масла является его способность желтеть и темнеть. Высохшая в темноте льняная олифа приобретает красно-коричневый цвет. Отбеленное льняное масло также желтеет, краснеет и темнеет при долгом хранении в темноте. То же происходит и с живописью, исполненной на льняном масле и хранящейся в первом периоде ее высыхания в темноте и в сырости. Под действием прямых солнечных лучей снова возвращается живописи прежний тон, который в тени снова может быть утерян. Старые мастера, писавшие на льняном масле, просушивали всю свежую живопись, во избежание пожелтения и потемнения ее, на солнечном свету.
Позднейшее изучение вопроса пожелтения, наблюдающегося у льняного масла при вышеуказанных условиях, убедило, что причиной пожелтения является одна из составных частей масла, а именно линоленовая кислота, в том случае, если она находится в масле в свободном состоянии. Факт тот, что все масла, содержащие в своем составе названную кислоту, обыкновенно желтеют. Перилловое масло желтеет особенно сильно, так как содержит наибольший процент ее. Эйбнер указывает и средство, как устранить этот недостаток, о чем будет сказано ниже.
Маковое масло
Маковое масло добывается прессованием семян мака. Сорта и цвет семян отражаются на сортах масла, получаемых из них. Белые семена мака считаются более ценными, так как дают большее количество масла, притом лучшего сорта. При холодном прессовании получается почти бесцветное масло, приятного вкуса и лишенное запаха. Масло, получаемое из других сортов семян, имеет темную окраску и представляет низший сорт макового масла.
Маковое масло по своему химическому составу, подобно прочим жирным маслам, на основании теории проф. Иванова, в различных образцах может быть различным. В общем оно значительно отличается от льняного. Твердых жирных кислот насчитывают в нем около 5% всего количества жирных кислот, причем между ними находится лауриновая кислота. Олеиновой кислоты здесь значительно больше, чем в льняном масле, а именно 30 %, линолевой около 60 %, прочих льняно-масляных кислот обыкновенно насчитывается 5%, однако Эйбнер полагает, что маковое масло не содержит вовсе последних, сравнительная же быстрота высыхания его обязана строению глицеридов масла. Вследствие присутствия в маковом масле большого количества олеиновой кислоты его способность к высыханию значительно ниже льняного. Так, если для просыхания слоя льняного масла требуется 3-4 дня, то для слоя макового масла необходимо 6 8 дней, причем и за этот промежуток времени маковое масло не успевает высыхать в той мере, как льняное. Кроме того, линоксин макового масла уступает значительно по качествам линоксину льняного масла.
В процессе высыхания маковое масло вначале весьма увеличивается в весе, но затем значительно теряет в нем, образуя большой процент улетучивающихся веществ. Эта особенность макового масла, свойственная маслам этого типа, дурно отражается на прочности красочного слоя, построенного на нем, так как слой этот легко покрывается трещинами. Лучшим приемом живописи на маковом масле является поэтому однослойная живопись, к которой наиболее располагает это масло, так как оно позволяет писать по-сырому 5-8 дней, и притом придает масляным краскам, тертым на нем, приятную пастозность, а не текучесть, как льняное масло. Многослойная живопись на маковом масле, на основании сказанного, требует большой осторожности и внимательной просушки каждого слоя, особенно опасны в этом случае цинковые белила. Имеются, однако, противники макового масла и в живописи алла прима (Alla prima — сразу, с одного приема). Масляная краска на маковом масле десятилетней давности при пробе ватой, смоченной скипидаром, оставалась на вате. Тот же опыт с льняным маслом не дал следов краски на вате. При высыхания макового масла поверхность его пленки не сморщивается, что так характерно для льняного масла, зато пленка эта, достаточно просохшая, часто размягчается в тени и дает отлип.
Это масло при долгом хранении с доступом воздуха легче прогоркает, чем льняное масло, причем приобретает особый запах и вкус. Маковое масло застывает на холоде при более высокой температуре (-15 гр. Ц), нежели льняное масло.
Ореховое масло
Ореховое масло получается из орехов различных пород деревьев, но главным образом из лесных орехов, зерна которых содержат до 65% масла, относящегося к невысыхающим маслам. Кедровые орехи наших сибирских лесов обильны маслом, применимость которого для живописных целей еще недостаточно исследована. Применение в живописи находит лишь масло грецких (волошских) орехов, но применение это ограничено ввиду дороговизны и сравнительной редкости этого вида масла. Грецкие орехи выдерживают в течение нескольких месяцев, и только тогда приступают к прессованию их, так как из свежих орехов хорошие сорта масла не получаются. Холодное прессование дает слабо окрашенное масло, не имеющее запаха; горячее прессование, которому подвергаются ореховые жмыхи, дает очень низкий сорт масла.
Маслом из грецких орехов, ценившимся за свою белизну и другие качества, пользовались в живописи уже в старину. Леонардо да Винчи в своем известном трактате о живописи так описывает добывание его.
Свежие грецкие орехи очищались сначала от скорлупы и погружались в чистую воду, где покрывающая их кожица намокала и легко снималась с орехов. Затем они переносились в свежую воду, которая менялась несколько раз по замутнении. Через небольшой промежуток времени орехи настолько размягчались, что при помешивании обращались в молоко, которое затем разливалось в плоские сосуды и выставлялось на солнце. Под влиянием теплоты солнечных лучей чистое светлое масло отстаивалось на поверхности жидкости и собиралось при помощи ваты, впитывавшей в себя масло.
Ореховое масло при температуре -15 гр. Ц густеет, но твердеет только при -30 гр. Ц. Из твердых жирных кислот оно содержит миристиновую и лауриновую; что касается жидких жирных кислот, то их процентное содержание в масле, по Hazura, таково: олеиновой — 7%, линолевой — 80% и линоленовой — 13%.
Высыхающая способность орехового масла ниже льняного, но превышает таковую же способность макового. Масло холод ного прессования легко отбеливается и делается совершенно бесцветным.
Ореховое масло, как и маковое, не желтеет и не темнеет в той степени, как льняное, но легко прогоркает и размягчается после высыхания подобно маковому маслу; что касается до образования трещин, то в этом отношении оно уступает льняному, но безусловно надежнее макового масла, так как слой eго просыхает одновременно во всей толще. Сморщивания масляного слоя при ореховом масле почти не наблюдается, и в этом отношении оно превосходит льняное масло. Не без основания считают, что маковое масло должно быть заменяемо в живописи ореховым.
Подсолнечное масло
Подсолнечное масло добывается из семян подсолнечника. Производство его очень обширно в бывшем СССР, в Западной Европе мало знакомы с ним, и потому в живописи оно не имело еще большого применения. На подсолнечное масло как на материал, пригодный для живописи, указал впервые проф. Ф. Петрушевский.
Сырое подсолнечное масло, выжатое холодным способом, имеет светложелтый цвет, который более или менее легко исчезает на свету и при нагревании. Химический состав его еще мало изучен. Фарион относит подсолнечное масло к полувысыхающим маслам, То есть масло высыхает частично. При снятии затвердевшей плёнки обнаруживаем, что масло не просохло. Масло это представляет большой интерес для русских живописцев, так как добывается оно главным образом в бывшем СССР, притом в большом количестве, и отличается дешевизной. В последнее время, однако, им заинтересовались и на Западе, где также производятся испытания его пригодности в живописи. продолжение
--PAGE_BREAK--
Подсолнечное масло содержит 46% линолевых кислот, 39% олеиновой кислоты и 9% твердых жирных кислот. Эти данные о составе масла, невидимому, близки к истине, так как подтверждаются медленным высыханием подсолнечного масла. Но пока не имеется твердо установленных данных, необходимо, конечно, дальнейшее исследование состава подсолнечного масла. Смешения красок с подсолнечным маслом дали безусловно удовлетворительные результаты, но время высыхания сводило на нет все усилия.
Cлой подсолнечного масла не морщится при высыхании даже при значительной его толщине; высыхает масло в тонком слое в виде кобальтовой олифы приблизительно в 12 часов. При введении в него смол и эфирных масел оно дает нормальный слой живописи; кроме того, может служить в качестве связующего вещества красок в комбинации с льняным маслом, чем умеряются отрицательные стороны льняного масла.
Суровый приговор, произнесенный Таубером по адресу макового масла, должен относиться и к подсолнечному, если принять во внимание состав последнего. Не следует, однако, упускать из виду того, что маковое масло в XVII столетии с успехом, повидимому, применялось в живописи у голландцев и что со второй половины XIX столетия царил бессистемный метод живописи; при таких условиях маковое масло дало, конечно, худшие результаты, чем оно могло дать. При изменившихся взглядах на состав связующих веществ масляной живописи, когда в них стали вводить смолы и эфирные масла, а также начали пользоваться смесями различных масел, вопрос применения тех или иных из вышеописанных масел в качестве связующих веществ красок остается до сих пор открытым, так как длительного опыта с такими комбинированными связующими веществами в живописи мы еще не имеем.
Для полноты знакомства с различными видами жирных вы сыхающих масел необходимо сказать еще несколько слов о нижеследующих маслах.
Конопляное масло по своим свойствам пригодно лишь в малярном деле, но не в живописи.
Масла сосновых и еловых семян (особенно первое) являются прекрасными заменителями льняного масла. Они желтеют меньше последнего. Солнечным светом выбеливаются легко и вполне. С красками дают хорошую пасту, похожую на пасту, получаемую с маковым маслом. К сожалению, масла эти добываются с трудом, почему и цена их высока, особенно масла из елового семени.
Китайские и японские масла — древесное (тунговое) и перилловое — обладают хорошими высыхающими способностями, но в живописи пока применения не имеют и не исследовались в этом направлении.
Олифы
Из веществ, сильно ускоряющих процесс высыхания жирных масел, в старину были известны лишь свинец и его соединения: глёт, сурик и свинцовые белила, В наше время, кроме свинцовых соединений, служащих делу и поныне, найден ряд и других соединений для названной цели, из которых особенно ценными являются соединения марганца и кобальта. Современная техника приготовления олиф располагает, таким образом, весьма разнообразным для этой цели материалом, с помощью которого вырабатываются различные по своим качествам олифы.
Вот перечень наиболее употребительных и наиболее действенных из современных материалов, число которых весьма велико. Наиболее активными из свинцовых соединений являются глёт, сурик и уксуснокислый свинец; из марганцовых: перекись марганца и борнокислый марганец; из предложенных в недавнее время соединений кобальта — уксуснокислая окись кобальта.
Олифы с помощью названных сушек или, как часто называют их, нерастворимых сикативов получаются двумя главными способами:
1) обработкой масел непосредственно металлическими сушками: свинцовыми, марганцовыми и прочими соединениями
2) обработкой масел специальными препаратами, получаемыми из названных сушек и носящими название растворимых сикативов. К олифам, получаемым последним способом, относятся так называемые линолеатные и резинатные олифы.
Олифы первого вида получаются варкой масла при более или менее высокой температуре со свинцовыми, марганцовыми, кобальтовыми и другими соединениями. Одним из видов такого рода олиф может служить обыкновенная свинцовая олифа, приготовление которой сводится к следующему.
Обыкновенная олифа, применяющаяся в малярном деле. Сырое льняное масло без всяких примесей ставится на огонь и нагревается до тех пор, пока на нем не перестанет образовываться пена, которую постоянно снимают. Тогда присыпают к маслу свинцовый глёт, хорошо высушенный (глёт перед этим нагревается в продолжение часа при температуре в 100-120 гр. Ц). На каждые 100 частей по весу масла берут 7-8 (и менее) весовых частей свинцового глёта. По прибавлении глёта масло нагревают до 285гр. Ц в продолжение 3-4 часов, постоянно помешивая. Затем олифа фильтруется.
Марганцовые олифы получаются варкой масла при более или менее высокой температуре с перекисью марганца, с борнокислым марганцем и пр.
Марганцовая олифа. В лоскуток тонкой материи (батиста) завертывается 1 г сухого борнокислого марганца в порошке, и узелок погружают в стеклянный сосуд, наполненный 500 г масла так, чтобы он был покрыт маслом. После этого сосуд ставится в теплое место с температурой не менее 40 и не выше 100 гр. Ц. В две недели масло готово. При нагревании сосуда в «водной бане» до 100 гр Ц. масло становится готовым скорее. Если же подвергнуть масло варке, то оно будет готово в 1 час, но получает при этом значительную окраску.
Применяющиеся в позднейшее время в производстве олиф, лаков и т. п. кобальтовые соединения дают быстро высыхающие олифы (в 4-6 часов). Обыкновенно для приготовления кобальтовой олифы пользуются уксуснокислой солью окиси кобальта (ацетата кобальта) — веществом кристаллического строения с красновато-фиолетовой окраской. Приготовление олифы ведется таким образом.
Кобальтовая олифа. Масло, предназначенное для варки олифы, нагревается до 125 — 180 гр. Ц, после чего в него всыпается понемногу ацетат кобальта, который предварительно должен быть обращен в мелкий порошок. Для лучшего растворения ацетата в масле последнее беспрерывно помешивают. По растворении кобальтовой соли олифа готова и подвергается отстаиванию или фильтровке. С течением времени (по прошествии приблизительно двух недель) она теряет свою окраску и становится очень светлой. На каждые 100 весовых частей масла берется от 0,25 до 0,3 весовых частей ацетата.
Химический процесс превращения жирных высыхающих масел при варке их с вышеназванными металлическими соединениями в олифе в общих чертах заключается в следующем. Под действием высокой температуры масла в присутствии свинца, марганца и т. п. частично разлагаются, т. е. омыляются, причем, с одной стороны, образуются свободные жирные кислоты (между ними муравьиная, масляная, уксусная и др.), с другой — часть освободившегося глицерина переходит в акролеин — удушливый газ, образующийся при варке масел (и подгорании жиров вообще). Свободные льняномасляные жирные кислоты входят в соединение со свинцом, марганцем и другими сушками, образуя льнянокислый свинец, марганец и пр., которые представляют собой соли жирных кислот льняного масла (мыла), носящие название линолеатов. При варке масла лишь небольшая часть его подвергается разложению, большая же часть и после варки состоит из глицеридов; кроме того, масло содержит в себе небольшое количество свинца, марганца и т. п., т. е. тех сушек, которые были введены в дело.
Линолеаты получают, кроме того, в виде особых препаратов, которые служат для приготовления олиф со слабым нагреванием масла или вовсе без него.
Линолеатные и резинатные олифы. Для упрощения производства олиф и получения их в менее окрашен ном виде в последнее время часто пользуются применением свинцовых, марганцовых и других линолеатов, которые способны растворяться в масле при невысокой температуре (100-180 гр. Ц) и оказывать сушащее действие на масло. Так как названные препараты растворяются, кроме того, в скипидаре, бензине и т. п., то они часто вводятся в масло и в таком виде Это совершенно избавляет от необходимости нагревать масло, а следовательно, является возможность получать еще более светлые олифы.
Кроме линолеатов существует еще вид препаратов, называемых резинатами (от слова resina — смола), в производстве которых масло заменяется канифолью. Таким образом получаются соли смоляных жирных кислот, или, другими словами, свинцовые, марганцовые и другие мыла абиетиновой кислоты (см. «канифоль»).
В зависимости от производства их линолеаты и резинаты могут быть сплавленными и осажденными. В первом случае они получаются сплавлением основании с жирными кислотами льняного масла или смоляными; во втором — осаждением водного раствора натровых солей жирных кислот льняного масла или абиетиновой кислоты с помощью какой-либо растворимой соли свинца, марганца и пр. Сплавленные линолеаты и резинаты имеют вид окрашенных твердых или мягких кусков, а также густой жидкости и, наконец, порошка; осажденные же представляют белый или окрашенный порошок. И те и другие растворяются в масле.
Из применяющихся в наше время линолеатов и резинатов наибольший интерес представляют кобальтовые, так как препараты эти не только придают маслу сушащие способности, но и действуют белящим образом на олифу. Ниже приводится один из способов приготовления резината кобальта.
Сикативы
Сикативами называются специальные препараты, назначение которых заключается в ускорении высыхания жирных масел. По своему составу, а также по назначению они различны. Одни из них служат для приготовления олиф, другие примешиваются в масляные краски во время работы, чтобы заставить их быстрее высыхать. Живопись и малярное дело располагают множе ством сикативов, различных между собою по составу, виду, способам применения и пр. Здесь может быть отведено место лишь описанию важнейших сикативов, применяющихся в живописи.
Все этого рода сикативы можно разделить на следующие группы: 1) линолеаты и резинаты, свинцовые, марганцовые, кобальтовые и др., 2) сикативы-помады и 3) сикативы-лаки.
Линолеаты и резинаты. К ним относятся препараты, о которых говорилось уже в отделе олиф, применяющиеся для приготовления олиф холодным способом. Сикативы эти представляют растворы линолеатов и резинатов свинца, марганца и кобальта в скипидаре, бензине и т. п. Обыкновенно они богаты металлом и потому, будучи введенными даже в малом количестве, способствуют быстрому высыханию масляных красок.
Опыт установил, что сикативы комбинированного состава, например свинцово-марганцовые, действуют более энергично, нежели свинцовые и марганцовые сикативы. каждый в отдельности. Популярным представителем такого вида сикативов является так называемый сикатив Куртре, фабрикующийся в двух видах: темный сикатив Куртре, содержащий до 30% свинца, и светлый сикатив, который содержит малое количество свинца.
Кобальтовый линолеат составляется таким образом. Ацетат кобальта в количестве 15-20 частей нагревается при температуре в 250-280 гр. Ц в 100 частях льняного масла. В результате получается коричневато-красная липкая масса, которая легко растворяется в масле, скипидаре. Чтобы получить быстро сохнущее масло, достаточно ввести в него 1-2,5% этого вещества.
Резинат кобальта. Приготовление его заключается в сплавлении светлых сортов канифоли с ацетатом кобальта. На 300 г смолы берется 10 г ацетата. Все указанное количество соли кобальта прежде всего тщательно растирается с 200 г канифоли; вслед за тем добавляется сюда же вся остальная канифоль, и вся масса сплавляется на огне при постоянном помешивании при температуре 130гр. Ц. По растворении ацетата в еще не остывший сплав вливается такое количество свободного от воды бензина, чтобы резинат и по охлаждении оставался в виде сиропообразной жидкости. Для получения олифы достаточ но прилить в холодное масло 2-3% резината.
Сикативы-помады имеют различный состав. Одни из них принадлежат к свинцовым сикативам, другие — к марганцовым.
Свинцовые помады приготовляются из водного раствора свинцового сахара и жирного масла. Рецепты их разнообразны. Берут, например, 1 объем концентрированного раствора свинцового сахара (с дистиллированной водой) и смешивают с 2 объемами льняного масла, после чего сюда же прибавляют при постоянном помешивании насыщенный раствор мастики в скипидаре. Полученная помада непрозрачна, но при высыхании становится прозрачной.
Помада составляется также из масла и порошка, обезвожен ного нагреванием на огне свинцового сахара. продолжение
--PAGE_BREAK--
К помадам относится также «Siccatif en pate», который при надлежит к марганцовым сикативам.
Сикативы-лаки получаются растворением твердых смол в эфирных и отчасти жирных скоро высыхающих маслах. Таковы: гаарлемский сикатив, фламандский сикатив и английский сикатив и др.
Сикативы этого типа состоят часто из твердых смол и бы стросохнущих эфирных масел. Затвердевание масляных красок в их присутствии объясняется главным образом быстрым улетучиванием эфирных масел, заключающихся в них, после чего смолы сикативов, не растворяющиеся в масле красок, твердеют и придают живописи сухой вид. Сикативы-лаки по существу своему являются, таким образом, ложными сикативами (особенно характерен в этом отношении гаарлемский сикатив), не действующими на масло, подобно свинцовым, марганцовым и другим сикативам, а вводящими в него смолы, которые мало или совсем не растворяются в холодном масле и потому чужды масляному слою красок.
Французский скипидар.Французский скипидар также относится к средствам, ускоряющим высыхание масляных красок, так как содействует окислению масла (имеет, кроме того, свойство выбеливать при высыхании смешанные с ним лаки и масла). Особенно сильно сушит сгущенный на воздухе скипидар, имеющий темную окраску, но он темнит живопись. Большое количество скипидара, введенного в масляные краски, делает их матовыми.
Надо иметь в виду, что каждому из сикативов присуща определенная сушащая сила. И потому они должны вводиться в масло или краски хотя и в достаточном, но вместе с тем лишь в необходимом количестве, так как увеличенная порция сикатива не может оказывать никакого действия на дальнейшее ускорение высыхания красок или масел, а насыщает их лишь вредными для него веществами
Предосторожности эти тем более необходимы, что многие из сикативов, особенно олиф, содержат в себе большой процент металлов. Вот почему, например, введение в живопись олиф, приготовленных для малярных целей, совершенно недопустимо.
Не следует упускать из виду и того, что масляная живопись без примеси к краскам искусственных сушек хотя и высыхает медленно, зато долгое время сохраняет эластичность и прочность слоя; при введении же в живопись сикативов, особенно в большом количестве, процесс высыхания ее настолько ускоряется, что появляется и преждевременная старость и ветхость ее. Мастера эпохи Возрождения, создавшие прекрасные образцы масляной живописи, отнюдь не злоупотребляли сикативами.
СРЕДСТВА, ЗАМЕДЛЯЮЩИЕ ВЫСЫХАНИЕ МАСЛА И МАСЛЯНЫХ КРАСОК
При отсутствии дневного света и притока воздуха жирные масла не высыхают; в том же случае, если имеется лишь доступ воздуха к маслу, но совершенно отсутствует свет, процесс высыхания их в значительной мере замедляется. Этим обстоятельством можно пользоваться для продолжительного письма масляными красками «по-сырому». Рекомендуется для названной цели закрывать живопись после окончания работы щитом, непроницаемым для света, помещая его на очень близком расстоянии от поверхности картины. Масляные краски без вреда для них долгое время остаются подвижными, и потому является возможность писать продолжительное время по-сырому. Практикующееся же у художников обыкновение закрывать живопись после дневной работы куском материи или поворачивать ее лицом к стене и оставлять продолжительное время в таком положении нельзя считать нормальным, так как это дурно отражается на просыхании живописи, причем она темнеет и желтеет тем сильнее, чем больше воздух помещения насыщен водяными парами.
Замедляется высыхание масляных красок также при примешивании к ним веществ, поглощающих кислород воздуха. Таковыми являются некоторые из растительных эфирных масел, которые лишь отчасти улетучиваются, а главным образом окисляются за счет кислорода воздуха и переходят в вещества смолистые. Сюда относятся: розмариновое, спиковое, лавендуловое и гвоздичное масла, а также масло, получаемое перегонкой копайского бальзама, который также задерживает высыхание масляных красок и придает им, кроме того, некоторую смолистость.
Розмариновое, спиковое, лавендуловое и гвоздичное масла по составу своему занимают среднее место между французским скипидаром и жирными высыхающими маслами, так как кроме углеводородов они содержат в себе кислородные соединения.
Розмариновое масло получается из кустарникового растения розмарина. Лучшими сортами его является французское масло, представляющее бесцветную или слабо окрашенную зеленоватую жидкость с камфарным запахом, кипящую при 150-180 гр. Ц. Спиковое масло получается из растения лаванды (Lavendula spica), растущего в Южной Франции. Имеет желтый цвет и запах камфары и лаванды, кипит при 166-250 гр. Ц. Лавендуловое масло, получающееся из цветов ла ванды, имеет желтоватый или зеленоватый цвет и приятный запах. Большая составная часть его способна омыляться.
Гвоздичное масло (Oleum caraphyllorum) получается из гвоздичного дерева, растущего на Филиппинских островах и Мадагаскаре. Сильно окрашено, сохнет очень медленно, кипит при 150-260 гр. Ц. Применяется также в живописи по фарфору.
Масло копайского бальзама получается дистилляцией из хороших сортов копайского бальзама. Подобно скипидару, представляет смесъ углеводородов ряда терпенов. Кипит при высокой температуре, при обыкновенной не улетучивается, а поглощает кислород воздуха и осмоляется. Получающийся при этом продукт осмоления, в противоположность линоксину жирных высыхающих масел, совершенно растворяется в спирту; кроме того, обладает большой хрупкостью, что заставляет пользоваться им в умеренном количестве. Может служить в качестве картинного, т. е. заключительного, лака. Задерживает высыха ние масляных красок и действует на слой их подобно копайскому бальзаму (см. «Копайский бальзам»).
При употреблении этих средств необходимо иметь в виду, что, будучи введенными в большом количестве, они становятся вредными масляному слою. Наиболее безопасно вводить их в масляные краски, тертые на льняном масле, но отнюдь не на маковом и ему подобных маслах.
Примесь к масляным краскам невысыхающих масел растительных и минеральных совершенно недопустима.
РАЗЖИЖИТЕЛИ МАСЛА И МАСЛЯНЫХ КРАСОК
Для разжижения масляных красок могут служить маковое, льняное и ореховое сырое или вареное масла, при употреблении которых необходимо держаться разумной меры, так как избыток жирных масел в живописи ведет впоследствии к сморщиванию слоев ее, что способствует образованию трещин. После каждого повторного прописывания необходимо просушивать живопись дольше, чем при употреблении других разжижителей.
Средства, служащие ускорителями и замедлителями высы хания масел, о которых сказано выше, являются также, до известной степени, разжижителями масляных красок, но пользоваться всеми ими в большом количестве не представляется возможным.
Хорошими разжижителями масляных красок надо считать такие средства, которые по выполнении возложенной на них задачи улетучиваются скоро, без всякого остатка, или образуют небольшой остаток и таким образом не препятствуют правильности процесса высыхания жирного масла. Таковыми являются: терпентинное масло — французский скипидар и летучие минеральные масла.
Французский скипидар получается перегонкой бальзама терпентина, выделяющегося приморскими соснами (Pinus maritimа). Он состоит из смеси эфирных масел ряда терпенов, причем главная составная часть его — пинен — соединение, обладающее большой химической энергией.
На воздухе этот скипидар не только улетучивается, но отча- и окисляется, поглощая кислород, почему приобретает некоторую обесцвечивающую способность. Так, лак, разбавленный скипидаром, по высыхании дает более бесцветный слой, нежели тот же лак, разжиженный бензином, более индиферентньм к кислороду. Сохраняющийся в открытом или плохо закрытом сосуде, скипидар сгущается и при новой очистке дает 20-25% смолистого продукта коричневого цвета, почему старый окисленный скипидар не должен иметь применения в живописи, так как чернит ее.
Свежеперегнанный скипидар является прекрасным растворителем многих смол, окислившийся же в значительной мере теряет эту способность. Хороший французский скипидар растворяется в 5-6 частях винного спирта в 90 гр. и дает светлый раствор. Скипидар, применяющийся для разжижения масел и растворения смол, должен быть «сухим», т. е. не содержать в себе воды, для устранения которой его следует обрабатывать веществами, отнимающими воду: жженой известью или же жженым цинковым купоросом, а также жжеными квасцами.
Русский скипидар имеется в двух видах. Один из них, наиболее распространенный, получается сухой перегонкой «осмолья» (мелких кусков дерева хвойной породы) при высокой температуре. Он носит название «пневого скипидара». Скипидар этот сильно отличается своим химическим составом и свойствами от французского скипидара: он содержит мало пинена, но много других углеводородов, кроме того, в значительном коли честве продукты сухой перегонки дерева (креозота, фурфурола и пр.), сообщающие ему характерный резкий и неприятный за пах и желтый цвет. В неочищенном виде он совершенно непригоден для живописи.
Другой вид русского скипидара получается перегонкой терпентина. Он носит название «серного скипидара», от слова «сера», под которым подразумевается у нас терпентин, добываемый из смолистых пород наших деревьев.
Минеральные летучие масла (бензин, легкий керосин и пр.), введенные в употребление в современной живописи Вибером, Фернбахом и Людвигом, представляют собой хорошие разжижители масел и масляных красок, если не содержат в себе нёулетучивающихся элементов. При пробе на белом листе бумаги они не должны давать неисчезающего жирного пятна.
Легкие минеральные масла, получаемые из нефти перегонкой ее, носят названия: риголен, нефтяной эфир, кероселен, газолин, бензин, лигроин, керосин и т. д. Масла эти имеют малый удельный вес и состоят главным образом из углеводородов, химически мало активных (носящих название предельных). Вот почему они относятся безразлично к смешиваемому с ними маслу, не ускоряют и не замедляют его высыхание, а, будучи чистыми, играют в масляной живописи ту же роль, что и вода в акварельной живописи.
При пользовании минеральными маслами необходимо иметь их очищенными, безводными («очищенная нефть»), но не сле дует вводить в живопись обыкновенного керосина, так как по следний вполне не улетучивается и, кроме того, имеет в своем составе примесь веществ, служивших для его очистки.
Из каменноугольного дегтя получается ряд летучих масел: бензол, толуол, ксилол, тетралин, декалин. Масла эти улетучиваются с различной быстротой. Они служат для различных целей: разжижения масляных красок, мытья кистей, загрязненных масляными красками, чистки загрязнившейся масляной живописи и снимания старых лаков.
Мона Лиза работы Леонардо да Винчи, деревянная доска, масло
Масляная живопись— одна из живописных техник, использующая краски с растительным маслом в качестве основного связующего вещества.
Масляные краски состоят из сухих пигментов и высыхающего масла. Например, может применяться масло семян льна, мака или масло грецких орехов.
Современные пигменты ярче, устойчивее и разнообразнее пигментов, использовавшихся старыми мастерами. Они также менее токсичны.
Пигменты бывают прозрачные (лессирующие) и укрывистые (покрывные). Прозрачные пигменты прозрачны сами по себе и создают ощущение глянца и глубины в слое краски. Укрывистые непрозрачны и пропускают свет, только если их сильно разбавить, но ощущения глубины все равно не получается. Прозрачные краски почти не теряют насыщенность при смешивании, укрывистые же быстро сереют — если смешать достаточно разные цвета. Старые мастера как правило предпочитали прозрачные краски, а на палитрах импрессионистов, наоборот, все краски, за исключением ультрамарина, были укрывистые.
Лучшие краски содержат всего один пигмент в максимальной концентрации. Но иногда, чтобы заменить токсичный, неустойчивый или дорогой пигмент, краску смешивают из нескольких пигментов. Часто такие краски смешиваются для того, чтобы придать красочному слою прозрачность там, где оригинал укрывист. Хотя большинство красок, полученных подобным способом, уступают оригиналу в чистоте и яркости, случается, что грамотно подобранная смесь ярче и чище оригинала. Единственное — в таких красках ни в коем случае не должно быть белил, так как краска будет абсолютно непригодна для темных глубоких смесей. продолжение
--PAGE_BREAK--
Для производства масляных красок наиболее популярно льняное масло. Лучшим маслом считается масло холодной выжимки. Качественное льняное масло имеет золотистый цвет и не имеет запаха. Для белой и холодных красок часто используется маковое масло, так как оно почти бесцветно, но основанные на нём краски дольше сохнут и могут потрескаться.
На свету и в присутствии воздуха масло «окисляется» и затвердевает, образуя прозрачную водоустойчивую пленку, удерживающую пигменты. Этот процесс не прекращается в течение 2-3 лет, за которые картина сначала существенно прибавляет в весе, а затем снова его теряет, но «подсохнуть» масло успевает за 4-12 дней. Полностью сухое масло очень хрупко и легко трескается при малейшем изгибе.
Помимо соблюдения технологии масляной живописи требуется правильное хранение работы. Пример высыхания и изменения красок, осыпи красочного слоя в масляной живописи на картине Горелова Ю.Г. «Художник за работой». Результат неправильного температурного режима хранения картины
Льняное масло желтеет без света. Поэтому картина, долго пролежавшая в шкафу, обязательно пожелтеет. Если выставить пожелтевшую картину на пару недель на солнце, она вернет свой изначальный цвет. Рафинированное льняное масло устойчивее к пожелтению, но более хрупко. Некоторые пигменты боятся солнца поэтому картину не следует держать на ярком свету слишком долго.
Чаще всего масляными красками рисуют на льняном или хлопковом холсте, или на деревянной панели. Чтобы писать масляными красками на холсте, дереве, картоне или другом каком-либо основании, на него сначала наносят грунт, чтобы воспрепятствовать вытеканию масла из красок, обеспечить лучшее сцепление красочного слоя с поверхностью холста и придать основанию определенную фактуру и цвет.
Наиболее популярными являются акриловые грунты как наиболее простые в применении и легкодоступные. Акриловый грунт наносится в 4-5 тонких слоев на растянутый холст или другую поверхность и полностью высыхает в течение одного дня. Акриловый грунт легко окрашивается в любой цвет с помощью добавления к нему акриловых красок или сухих пигментов. Чтобы воспрепятствовать впитыванию масла в грунт, его покрывают тонким слоем льняного масла или специально предназначенным для этого клеем. От качества грунта напрямую зависят яркость красок и долговечность работы. При использовании прозрачных и полупрозрачных красок цвет грунта может определять общий колорит картины, а также, до некоторой степени, может облегчать и ускорять работу над ней (см. Имприматура). Старые мастера умели пользоваться этим.
Для письма масляными красками наиболее популярны кисточки из свиной щетины, использующиеся для грубой работы, и красный соболь для тонких деталей. Но рисовать можно не только кисточками. Например, можно рисовать мастихином, губкой или тряпкой — всем, кроме пальцев, так как многие пигменты токсичны и легко проникают сквозь кожу. Синтетические кисточки для рисования маслом практически не пригодны, они легко портятся под воздействием лаков и растворителей и удерживают мало краски. Хорошая синтетика, близкая по качеству к натуральному волосу, зачастую намного его дороже. Важно отметить, что для живописи качество кисточек важнее качества красок (субъективное мнение).
Краски смешивают на палитре кистью или мастихином (специальный «нож» или «мастерок»). Мастихины делают из нержавеющего металла или пластика. Металлические мастихины более надежны и удобны, но могут изменить цвет некоторых пигментов или послужить катализатором для реакции некоторых пигментов в краске. В случае подобного риска обычно используют пластиковый мастихин. Чтобы избежать химических реакций пигментов и сохранить яркость красок, не следует смешивать более трёх пигментов сразу — к оттенку надо идти кратчайшим путем.
Палитрой может служить деревянная дощечка, вощeная бумага, керамическая плитка или кусок стекла. Лучше использовать стекло, так как оно не впитывает масло, не реагирует с пигментами, легко очищается скребком и, под него можно подложить бумагу такого же цвета что и грунт, что существенно облегчает подбор и смешивание цветов. Так же часто используются палитры из матового и белого пластика, оргстекла.
Чтобы разбавить краску или сполоснуть кисточку, используют терпентин или любой другой растворитель — достаточно чистый, чтобы полностью испариться, не оставляя жирных пятен или других загрязнителей, способных испортить краску. Сильно разбавлять краску нельзя, так как она может не прилипнуть к предыдущему слою, если в ней не содержится достаточно масла. Минеральные растворители могут способствовать выцветанию краски. В верхних слоях картины для разжижения краски лучше использовать небольшое количество льняного масла.
Растворитель для мытья кисточки не выливают, а держат в специальной баночке с двойным дном — второе дно с отверстиями. Пигменты постепенно оседают на дно сквозь отверстия, и растворитель можно использовать снова, не боясь побеспокоить осевшую на дно грязь. Кисточку перед мытьем тщательно вытирают тряпкой. После мытья растворителем кисточки моют теплой водой с шампунем и тщательно вытирают, перед тем как убрать. Хранить кисточки следует ставя вертикально в стакане, головой вверх, чтобы они быстрее высыхали и не теряли форму.
Для придания масляным краскам блеска к ним подмешивают специальные лаки и смолы, например даммарную смолу, растворённую во французском терпентине с добавлением сгущенного на солнце льняного масла. Краски могут потрескаться от избытка лака, поэтому лаков и смол не рекомендуется добавлять более десяти процентов от объема краски.
В современные краски так же часто добавляют вещества ускоряющие высыхание, так называемые сиккативы. Быстро сохнущие краски очень удобны, но могут потрескаться через несколько лет, когда краска полностью высохнет.
Картины масляными красками чаще всего пишут, устанавливая холст на мольберте. Мольберты бывают стационарные и переносные. И те, и другие делаются из дерева, металла или пластика. Наиболее популярны деревянные мольберты, так как они устойчивее алюминиевых и пластиковых мольбертов и в то же время существенно легче остальных.
Законченную полностью высохшую картину часто покрывают лаком, чтобы выровнять тон и защитить картину от разрушения. Один из наиболее популярных лаков — кетоновый. Он легко смывается спиртом в случае повреждения его поверхности.
Широкое применение в Европе масляная живопись получила в начале XV века благодаря искусству нидерландского живописца Яна ван Эйка, хотя изобретателем масляной живописи (как считалось ранее) он всё же не был. Подробнее см. Ранняя нидерландская живопись.
Как выяснилось после разрушения Бамианских статуй Будды, масляная живопись была в ходу уже в VII веке до н. э.[1]
Ма́сляные кра́ски— суспензии неорганических пигментов и наполнителей в олифах, изготовляемых из растительных масел с достаточно высокой способностью к высыханию или маслосодержащих алкидных смол.
Пигменты в масляных красках
Пигментами в масляных красках служат двуокись титана, охра, железный сурик, окись хрома, свинцовый крон и др.
Вспомогательные вещества и наполнители
Наполнителями, которые применяют, главным образом, для экономии пигментов, служат тальк, каолин, слюда и другие. В качестве вспомогательных компонентов в состав масляных красок вводят ускорители высыхания (сиккативы) — растворимые в олифах соли кобальта, марганца, свинца, а также поверхностно-активные вещества; последние облегчают диспергирование пигментов и наполнителей при получении масляных красок.
Виды масляных красок
В промышленности выпускают масляные краски двух видов: так называемые густотёртые (пастообразные) и готовые к употреблению (жидкие). При получении густотёртых масляных красок сначала готовят в смесителе однородную пигментную пасту, а затем растирают её на краскотёрках. Готовые к употреблению масляные краски получают путём перемешивания всех компонентов в шаровых мельницах или разбавлением густотёртых красок олифой.
Использование масляных красок
Масляные краски наносят на поверхность кистью, валиком, распылением. Нельзя наносить масляные краски толстым слоем.
Образование плёнки при высыхании слоя масляных красок обусловлено окислительной полимеризацией растительных масел.
Скорость высыхания и свойства плёнки зависят от типа масла и пигмента, а также от условий сушки (температуры, освещённости). Плёнки масляных красок, высушенные при комнатной температуре, характеризуются невысокой твёрдостью и водостойкостью и разрушаются под действием щелочей. При повышении температуры сушки показатели плёнок улучшаются. Например, плёнки, высушенные при 250—300°С, стойки в слабых растворах щелочей.
Масляные краски просты в применении, дёшевы. Основная область их использования — окраска стен, крыш и т. д.
Художественные масляные краски
Помимо масляных красок общего назначения, важное значение имеют также художественные масляные краски, которые готовят растиранием пигментов в отбелённом рафинированном льняном масле (иногда с добавками орехового и подсолнечного). Эти масляные краски наносят на предварительно загрунтованные холст или древесину.
Пигме́нт(лат. pigmentum— краска); понятие имеет несколько значений:
Пигменты и технология пигментов. Пигмент— специальный термин для широкого класса товарных продуктов, напр. литопон, сурик, массикот, умбра. Слово используется нередко почти как синоним неорганический краситель. Обратите также внимание на статью Природные минеральные пигменты.
Пигмент (органический), как органическое природное вещество(например антоцианы, меланин, хлорофилл, гемоглобин, билирубин и др.)
Природные минеральные пигменты — неорганические компоненты красок. С древнейших времён и доныне приготовляются из молотых природных яркоокрашенных минералов (гл. образом для темперы в станковой живописи, а также для гуаши и масляных красок). Синтетические аналоги и некоторые компоненты, не имеющие аналогов в природе, производятся промышленным путём по специальным технологиям (см. статью Пигмент (технология)).
Слово Пигментиногда неправильно используют, как синоним слова Краситель
Красящие вещества на прилавке рынка в Гоа, Индия.
Пигменты— компоненты наполненных композиционных материалов, придающие материалам непрозрачность, цвет, противокоррозионные и другие свойства.
Слово пигментможет иметь несколько оттенков значений.
В технологии лакокрасочных материалов пигментами называют высокодисперсные неорганические или органические, нерастворимые в дисперсионных средах вещества, способные образовывать с плёнкообразователями защитные, декоративные или декоративно-защитные покрытия.
Растворимые вещества, способные окрашивать другие материалы, называют красителями. продолжение
--PAGE_BREAK--
Важнейшие представители
Белые: диоксид титана, оксид цинка, литопон, свинцовые белила. Последние практически вытеснены титановыми белилами, которые представляют собой диоксид титана в смеси с баритом или цинковыми белилами, а затем диоксидом титана. Цинковые белила имеют желтоватый оттенок и уступают титановым по стоимости.
Чёрные: технический углерод, сажа, чёрные железооксидные пигменты
Цветные неорганические пигменты:
жёлтый железооксидный пигмент, охра
красный железооксидный пигмент, сурик (железный и свинцовый),
ультрамарин, железная лазурь, берлинская лазурь
оксид хрома,
массикот,
умбра.
Органические пигменты: азопигменты, фталоцианиновые пигменты, полициклические пигменты
С металлическим блеском Дисульфид олова (муссивное золото), Серебрянка
Пигменты являются твёрдыми компонентами композиционных лакокрасочных материалов — красок, эмалей, грунтовок, шпатлёвок и порошковых композиций.
Применение пигментов
Введение пигментов в лакокрасочные материалы является основным методом регулирования декоративных свойств покрытий – цвета и непрозрачности (укрывистости).
Пигмент придаёт укрывистость пигментированному материалу в том случае, если его показатель преломления выше показателя преломления плёнкообразователя. Чем больше разница в показателях преломления пигмента и плёнкообразователя, тем больше укрывистость такого пигментированного материала. Кроме того, важна форма частиц пигмента, например, пластинчатая форма частиц пигмента даёт большую укрывистость, чем игольчатая или сферическая.
Введение пигментов и наполнителей позволяет регулировать и другие важнейшие свойства композиционных материалов – деформационно-прочностные, изолирующие, противокоррозионные, адгезионную прочность, а также получать покрытия со специальными свойствами – электропроводящие, электроизолирующие, теплостойкие, огнезадерживающие и т.д Наряду с пигментами для наполнения полимерных покрытий применяют наполнители
Важнейшие свойства пигментов
Физические свойства: кристаллическая структура, показатель преломления, цвет, плотность, твёрдость, форма и размер частиц (дисперсность), удельная поверхность, насыпная плотность, растворимость.
Химические свойства: рН водной вытяжки, стойкость к воде и химическим реагентам, реакционная способность, кислотно-основные свойства поверхности.
Физико-химические свойства: смачиваемость (гидрофильность или олефильность), плотность и прочность упаковки частиц в агрегатах, адсорбционная способность поверхности, фотохимическая активность, светостойкость, фототропность, способность изменять электродный потенциал поверхности (пассивирующее действие).
Технологические свойства: укрывистость, красящая способность (интенсивность), маслоёмкость, диспергируемость, критическое объёмное содержание, структурирующая способность, атмосферостойкость, совместимость с другими компонентами системы.
Мельница на заводе
Барабанно-шаровая мельница— устройство для измельчения твёрдых материалов. Применяется в основном для создания порошка для использования в красках, пиротехнических средств, и керамики.
Описание
Основная деталь конструкции — вращающийся барабан, частично заполненный шариками диаметром около 30—60 мм из стали, чугуна и других сплавов, иногда из керамики. Также могут быть использованы галька и кремень. Непрерывная работа мельницы превращает необработанное сырьё в порошок. Небольшие шаровые мельницы оборудованы барабаном с ручкой вращения, а также шкивами и ремнями для передачи вращательного движения. Высококачественные шаровые мельницы перемалывают сырьё до гранул размером 0,0001 мм, чрезвычайно увеличивая площадь поверхности вещества.
Наиболее эффективной средой для перемалывания является алюминиевые шары, однако в основном используют шары из нержавеющей стали. При обработке пиротехнических смесей используются керамические шары.
В промышленности используют шаровые мельницы с непрерывной подачей сырья на входе и с обработкой готового продукта на выходе. На тепловых электростанциях барабанно-шаровые мельницы применяются для помола углей. Шаровые мельницы не могут использоваться для обработки некоторых пиротехнических смесей из-за возможности протекания химической реакции.
Характеристики
диаметр шаров — от 30мм
крупность обрабатываемого сырья — от 25мм
диаметр барабана — от 2100мм
длина барабана — от 1500мм
объем барабана — от 6.3м
мощность электродвигателя — от 132кВт
рабочее напряжение — от 380В
производительность — от 6т/ч
масса — от 41т
Применение
измельчение руд и других материалов
Рабочие инструменты
шары
барабан
люк
торцевые крышки
подшипники
разгрузочная цапфа
загрузочная цапфа
горловина
лифтер
венец
решетка
болт
броневая плита
козырек
центральное отверстие
питатель
вал
Материаловедение
Материаловедение— междисциплинарный раздел науки, изучающий изменения свойств материалов, как в твердом, так и в жидком состоянии в зависимости от некоторых факторов. К изучаемым свойствам относятся структура веществ, электронные, термические, химические, магнитные, оптические свойства этих веществ. Материаловедение можно отнести к тем разделам физики и химии, которые занимаются изучением свойств материалов. Кроме того, эта наука использует целый ряд методов, позволяющих исследовать структуру материалов. При изготовлении наукоёмких изделий в промышленности, особенно при работе с объектами микро- и наноразмеров необходимо детально знать характеристику, свойства и строение материалов. Решить эти задачи и призвана наука — материаловедение.
Знание структуры и свойств материалов приводит к созданию принципиально новых продуктов и даже отраслей индустрии. Однако и классические отрасли также широко используют знания, полученные учёными-материаловедами для нововведений, устранения проблем, расширения ассортимента продукции, повышения безопасности и понижения стоимости производства. Эти нововведения были сделаны для процессов литья, проката стали, сварки, роста кристаллов, приготовления тонких плёнок, обжига, дутья стекла и др.
Методы, используемые материаловедением: металлографический анализ, электронная микроскопия, зондовая микроскопия, рентгеноструктурный анализ, механические свойства, калориметрия, ядерный магнитный резонанс, термография и т. д.
Направления исследований материаловедения
Нанотехнология — создание и изучение материалов и конструкций размерами порядка нескольких нанометров.
Кристаллография — изучение физики кристаллов, включает:
Дефекты кристаллов — изучение нарушений структуры кристаллов, включения посторонних частиц и их влияние на свойства основного материала кристалла.
Технологии дифракции, такие как рентгеноструктурный анализ, используемые для изучения фазового состояния вещества.
Металлургия (Металловедение) — изучение свойств различных металлов
Керамика, включает:
создание и изучение материалов для электроники, например, полупроводники
структурная керамика, занимающаяся композитными материалами, напряжёнными веществами и их трансформациями.
Биоматериалы — исследование материалов, которые можно использовать в качестве имплантантов в человеческое тело.
Разделы наук, на которых базируется материаловедение
Термодинамика — для изучения стабильности, изменений фаз, для построения фазовых диаграмм.
Термический анализ, термогравиметрия — для изучения изменения свойств материалов при воздействии температуры и при взаимодействии с различными газами. продолжение
--PAGE_BREAK--
Кинетика — при изучении изменений фазового состояния вещества, термического разложения структуры и диффузии.
Химия твёрдого тела — для изучения химических процессов, проходящих в твёрдой фазе.
Физика твёрдого тела — для изучений квантовых эффектов в твёрдых материалах, например, исследование полупроводников и сверхпроводников.
Масло— собирательное название ряда химических веществ или смесей веществ, не смешивающихся с водой.
Основных групп «масел» три:
некоторые «масла» являются жирами,
другие — продуктами переработки нефти,
выделяется также важная группа — эфирные масла.
Также маслами нередко именуют смеси разных липофильных веществ (синтетические технические масла, некоторые косметические продукты).
Для природных триглицеридов лучше использовать более однозначные термины — жиры и растительные масла.
Слово липиды имеет несколько иной смысл.
Свойства
Все масла в той или иной степени гидрофобны (или, что то же — липофильны).
Многие масла находятся в жидкой фазе при нормальных условиях (кроме кокосового, сливочного и др.).
Эмульгаторы позволяют создавать смеси масел с водой.
Типы масел
Масла биологического происхождения
Триглицериды
Растительные масла
Животный жир, Лярд, Смалец, сливочное и растительное масло
Эфирные масла
Эфирные масла — летучие ароматные вещества растений, обуславливающие их запах, преимущественно смесь терапноидов, альдегидов, спиртов и др. соединений.
Модифицированные природные масла
Саломас
Маргарин
Минеральные масла
В основном это продукты переработки нефти — смазочные масла, гидравлические масла, индустриальные масла и т. д. В последнее время разработаны синтетические вещества (полиальфаолефины, гликоли, алкибензолы, силиконы, сложные эфиры, их смеси и др. продукты), предназначенные для выполнения соответствующей роли, их по традиции также называют «маслами», от английского слова oil — нефть, масло. Все минеральные масла легче воды, почти не растворяются в ней поэтому обладают свойством держаться на поверхности воды, препятствуя естественной аэрации, что нередко вызывает экологические проблемы (отходы нефтеперегонных заводов, при авариях танкеров, разливах возле бензозаправок и др.).
Моторное масло
Получают путем синтеза органических и элементо-органических соединений из углеводородного сырья (полиальфаолефины), также к синтетическим маслам относятся: сложные эфиры многоатомных спиртов, сложные эфиры двуосновных карбоновых кислот, полисилоксановые жидкости (силиконы) фтор- и хлорфторуглероды.Высокая стабильность свойств синтетических масел, и, то, что их вязкость меняется слабо в зависимости от температуры, положило начало широкого применению масел этого класса в двигателях и других механических устройствах работающих при больших перепадах температуры. Для синтетических масел также характерен медленный процесс разложения (деградации). Помимо применения в тяжелой промышленности (автомобильной, авиастроительной и т. д.) синтетические масла используются и в легкой индустрии (напр. для подавления образования пены), и также нашли применение в косметике (средства по уходу за кожей тела, капли и мази для глаз). Наиболее широкое применение синтетические масла получили в автомобильных моторах, так как современные моторы спроектированы с расчётом на вязкостные и моющие свойства синтетических масел, недостижимые для минеральных. Без соответствующей утилизации и переработки синтетические масла представляют опасность для окружающей среды.
Косметические масла
В косметике маслами называют самые разные косметические продукты, в том числе некоторые кремы, мази, эмульсии.
Так, «Детское масло» фирмы Джонсон и Джонсон на деле представляет собой преимущественно очищенный жидкий парафин, «Масла для глаз» — обычно смеси растительных жидких масел с добавками.
Под словами «Облепиховое масло» может подразумеваться продукт (экстракт), полученный из плодов облепихи с помощью жидких растительных масел, или масло, отжатое из цельных плодов, или масло, выжатое из косточек облепихи, и др. продукты.
Применение масел
Съедобные растительные и животные масла широко используются в приготовлении пищи
Применяются как растворители витаминов и ароматических веществ
Топливо
Смазочные материалы, составляющие смазочно-охлаждающих технических средств (СОТС/СОЖ) в металлообработке
Рабочие жидкости гидропривода теплоносители в тепловом оборудовании (теплотехнике). Электроизоляция трансформаторов, реакторного оборудования, масляных выключателей (а в последних — также в качестве дугогасящей среды). Материалы в изобразительном искусстве (Живопись масляными красками)
Ян ван Эйк(старший) (нидерл. Jan van Eyck, ок. 1385 или 1390—1441) фламандский живописец раннего Возрождения, мастер портрета, автор более 100 композиций на религиозные сюжеты, один из первых художников, освоивших технику живописи масляными красками.
Биография
Точная дата рождения Яна ван Эйка неизвестна. Родился в Северных Нидерландах в г. Маасэйк. Учился у старшего брата Хуберта, с которым работал до 1426 г. Начал свою деятельность в Гааге при дворе голландских графов. С 1425 г. он — художник и придворный герцога Бургундского Филиппа III Доброго, который ценил его как художника и щедро оплачивал его работы. В 1427-1428 гг. в составе герцогского посольства Ян ван Эйк отправился в Испанию, затем в Португалию. В 1427 г. посетил Турне, где был принят с почётом местной гильдией художников. Вероятно, встречался с Робером Кампеном, либо видел его работы. Работал в Лилле и Генте, в 1431 г. приобрёл дом в Брюгге и прожил там до самой смерти.
Ван Эйка считают изобретателем масляных красок, хотя на самом деле он лишь усовершенствовал их. Но именно после него масло получило всеобщее признание, масляная техника стала традиционной для Нидерландов; в XV в. пришла в Германию и во Францию, оттуда — в Италию.
Самое крупное и знаменитое произведение ван Эйка — Гентский алтарь, созданный, возможно, совместно с братом Хубертом. Ян ван Эйк выполнил его по заказу богатого гентского бюргера Йодока Вейдта для его семейной капеллы в 1422-1432 гг. Это грандиозный многоярусный полиптих из 26 картин с изображением 258 человеческих фигур.
Среди шедевров Яна ван Эйка «Мадонна канцлера Ролена», а также портрет купца, представителя банкирского дома Медичи, Джованни Арнольфини с женой — так называемый «Портрет четы Арнольфини».
Ян ван Эйк умер в Брюгге в июле 1441 г. (дата похорон — 9 июля 1441).
Имел несколько учеников, в числе них — Петрус Кристус.
В честь Ван Эйка назван кратер на Меркурии.
Основные работы
Портрет четы Арнольфини, 1434, Национальная галерея, Лондон
«Гентский алтарь» (совместно с Хубертом ван Эйком; 1432, собор св. Бавона, Гент).
«Богоматерь канцлера Ролена» (около 1436, Лувр, Париж),
«Богоматерь каноника ван дер Пале» (1436, Муниципальная художественная галерея, Брюгге), триптих «Богоматерь в церкви» (1437, Картинная галерея, Дрезден).
Портрет Молодого Мужчины (Тимофей; 1432) — Масло на дереве, 34.5 x 19 см, Национальная галерея, Лондон
«Портрет человека в красном тюрбане» (1433, Национальная галерея, Лондон) портрет Маргареты ван Эйк, жены художника (1439, Масло на дереве, 32.6 x 25.8 см, Муниципальная художественная галерея, Брюгге).
Распятие и Последний Суд диптих (1420—1425) — Масло на дереве переведенная на полотно, 56.5 x 19.5 см (каждая картина),
Городской музей искусств, Нью-Йорк
Мадонна в Церкви (ок. 1425) — Масло на дереве, 32 x 14 см, Государственные музеи Берлина, Берлин
Стигмата Св. Франциска (ок. 1428—1430) — Масло на панели, 28 x 33 см, Galleria Sabauda, Турин
Портрет Ювелира (Человек с Кольцом; ок. 1430) — Дерево, 16.6 x 13.2 см, Румынский Национальный музей, Бухарест
Святой Иоанн Евангелист (1432) — Масло на панели, 149.1 x 55.1 см, собор св. Бавона, Гент
Мадонна с Читающим Ребенком (1433) — Масло на дереве, 26.5 x 19.5 см, Викторианская Национальная галерея, Мельбурн
Портрет Николло Альбергати (ок. 1435) — Масло на панели, 34 x 27.5 см, Музей истории искусств, Вена
Портрет Мужчины с Гвоздикой (ок. 1435) — Масло на дереве, 40 x 31 см, Государственные музеи Берлина, Берлин
Портрет Баудэйн де Ланой (ок. 1435) — Масло на дереве, 26 x 20 см, Государственные музеи Берлина, Берлин
Портрет Джиованни Арнольфини (ок. 1435) — Масло на дереве, 29 x 20 см, Государственные музеи Берлина, Берлин продолжение
--PAGE_BREAK--
Мадонна и Ребенок(Lucca Madonna, Кормящая Мадонна, 1436) — масло на панели, 65.5 x 49.5 см, Штедель, Франкфурт
Портрет Яна де Лиюв (1436) — Масло на дереве, 24.5 x 19 см, Музей истории искусств, Вена
Св. Варвара (1437) — Grisaille на дереве, 31 x 18.5 см, Королевский музей изящных искусств, Антверпен
Голова Христова (1438), копия — Государственные музеи Берлина, Берлин, Старая пинакотека, Мюнхен
Мадонна и Ребенок у Фонтана (1439) — Масло на дереве, 19 x 12 см, Королевский музей изящных искусств, Антверпен
Портрет Христа (1440) — Дубовая панель, 33.4 x 26.8 см, Муниципальная художественная галерея, Брюгге
Св. Иероним (1440) — масло на пергаменте на дубовой панели, 20 x 12.5 см, Институт искусств Детройта, Детройт
Галерея
Портрет человека в тюрбане. Масло на панели, 25.5 x 19 cm, 1433.
Национальная галерея, Лондон
Мадонна каноника ван дер Пале. Масло на дереве, 122 x 157 cm, 1436. Музей Гронинге, Брюгге
Мадонна канцлера Ролена. Дерево, 66 x 62 cm, 1435. Лувр, Париж
«Портрет четы Арнольфини» (нидерл. Portret van Giovanni Arnolfini en zijn vrouw) — картина Яна ван Эйка.
Портрет был создан в Брюгге в 1434 году и с 1843 года находится в Лондонской национальной галерее. На нём изображены Джованни ди Николао Арнольфини и его жена, предположительно в их доме в Брюгге. Портрет является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи эпохи средневековья.
История портрета
Изначально название картины было неизвестно, только через сто лет оно всплыло из инвентарной книги: «Большой портрет Hernoult le Fin в комнате со своей женой». Hernoult le Fin является французской формой итальянской фамилии Арнольфини. Арнольфини были большой купеческой и банкирской семьёй, имевшей в то время отделение в Брюгге.
Портрет Джованни Арнольфини работы ван Эйка, ок. 1435
Итальянец из Брюгге
Долгое время считалось, что на картине изображены Джованни ди Арриджо Арнольфини со своей женой Джованной Ченами, но в 1997 году было установлено, что они заключили брак в 1447 году, на 13 лет позже появления картины и спустя 6 лет после смерти ван Эйка. Сейчас считается, что на картине изображены двоюродный брат Джованни ди Арриджо — Джованни ди Николао Арнольфини со своей женой, имя которой неизвестно[1]. Джованни ди Николао Арнольфини был итальянским купцом из Лукки, жившим в Брюгге с 1419 года. Существует его портрет работы ван Эйка, позволяющий предположить, что он являлся другом художника.
Также некоторыми исследователями, в том числе и М.Андронниковой, было высказано предположение, что это автопортрет художника и его жены Маргрэт ван Эйк.
Описание картины
Полотно написано в 1434 году в Брюгге, в ту пору бывшим крупным торговом центром Северной Европы. Из России и Скандинавии привозились в него лес и меха, с Востока через Геную и Венецию шелк, ковры и пряности, из Испании и Португалии лимоны, инжир и апельсины. Брюгге был богатым местом,
Так писал о нём Филипп III Добрый, с 1419 по 1467 герцог Бургундии. Брюгге был главным портовым городом его герцогства.
Соединение рук и слова клятвы — свидетельство брачной церемонии
Супружеская пара, изображённая на полотне ван Эйка, богата. Это особенно заметно по одежде. Она — в платье, отороченном мехом горностая, с длинным шлейфом, который при ходьбе должен был кто-нибудь нести. Передвигаться в таком платье можно было лишь при соответствующем навыке, который был возможен только в аристократических кругах. Он — в мантии, отороченной, может быть, даже подбитой, норкой или соболем, по бокам с разрезом, что позволяло ему свободно двигаться, действовать. То, что этот человек не принадлежит к аристократии, видно по его деревянным башмакам. Господа, чтобы не испачкаться в уличной грязи, ездили верхом или в носилках.
Этот иностранный купец жил в Брюгге в аристократической роскоши, у него были восточные ковры, люстра, зеркало, верхняя часть окна его дома была остеклена, и на столе у него лежали дорогие апельсины. Однако комната по-городскому узка. Кровать доминирует в обстановке, как и обычно в городских покоях. Днём занавес на ней поднимался, и в комнате принимали гостей, сидя на кровати. Ночью занавес опускался, и возникало закрытое пространство, комната в комнате.
Мужчины носили цилиндрические шляпы чудовищных размеров
Её округлый живот, возможно, не является признаком беременности
Женщина бережно кладёт свою правую руку в левую руку мужчины. Это соприкосновение выглядит очень церемониально, художник изобразил его почти в центре картины, придавая, таким образом, ему особое значение. Оба стоят очень торжественно в окружающей их обыденной обстановке, шлейф платья у женщины аккуратно расправлен, а мужчина поднял правую руку для клятвы. Соединение рук и слова клятвы были во времена ван Эйка явным свидетельством происходящей брачной церемонии.
В XV веке ещё не нужно было присутствие священника и свидетелей, чтобы сочетаться законным браком. Это можно было сделать в любом месте, например, как здесь — в спальне. Обычно на следующий день супруги вместе шли в церковь, что являлось доказательством того, что они стали мужем и женой. Свидетели, которых мы видим в зеркале, нужны были, что было обычным явлением для хорошо обеспеченных людей, для заверения письменного брачного контракта.
Невеста на картине одета в роскошное праздничное платье. Белое подвенечное платье вошло в моду только с середины XIX века. По мнению некоторых исследователей, её округлый живот не является признаком беременности, а вместе с высоко перетянутой маленькой грудью отвечает представлениям об эталоне красоты в эпоху поздней готики[2]. Также количество материи, которое ей приходится носить, соответствует моде того времени.
В то же время положение руки женщины всё же допускает возможность того, что она беременна.
В то время в Европе господстовала бургундская мода, что связано с сильным политическим и культурным влиянием Бургундского герцогства. При бургундском дворе не только женская, но и мужская мода была экстравагантной. Мужчины носили тюрбаны и цилиндрические шляпы чудовищных размеров. Руки у жениха, так же как и у его невесты, белы и ухожены. Его узкие плечи указывают на то, что он не должен был своей физической силой добиваться высокого положения в обществе.
Символика
В зеркале видны потолочные балки, второе окно и две фигуры входящие в комнату
Зеркало
На оси симметрии картины находится зеркало, которое висит на задней стене комнаты. Десять медальонов с изображением страданий Христа украшают его раму. Зеркало в городском интерьере было необычным явлением во времена ван Эйка, обычно вместо него использовался полированный металл. Плоские зеркала были по карману только высшей аристократии и считались драгоценностью. Выпуклые зеркала были более доступны. По-французски они назывались «колдуньями», поскольку мистическим образом увеличивали угол обзора у наблюдателя. В зеркале, изображённом на картине, можно увидеть потолочные балки, второе окно и две фигуры людей, входящих в комнату. Особенно интересно расположение миниатюр, поскольку со стороны мужчины страсти христовы связаны с живыми людьми, а со стороны женщины — с мертвецами.
Пламя свечи означало всевидящего Христа — свидетеля брачного союза
Свеча
Люстра, висящая над головами жениха и невесты, сделана из металла типично для Фландрии того времени. В ней горит только свеча над мужчиной, а над женщиной свеча погасла. Этот факт некоторые исследователи объясняют тем, что портрет супруги Арнольфини посмертен и она умерла в результате родов. Ещё один вариант символики: в средневековье во время брачных процессий впереди неслась одна большая горящая свеча, либо свеча торжественно предавалась женихом невесте. Пламя горящей свечи означало всевидящего Христа — свидетеля брачного союза. По этой причине присутствие свидетелей было необязательно.
Святая Маргарита
Под люстрой с правой стороны находится деревянная фигура святой Маргариты, поражающая дракона. Она считается покровительницей рожениц. Фигурка закреплена на спинке стула, стоящего у супружеского ложа. Возможно, это ещё одно доказательство беременности женщины. В то же время, возможно, это фигурка святой Марфы, покровительницы домохозяек — рядом с ней висит метёлочка.
Сандалии и деревянные башмаки
Для современников ван Эйка сандалии и деревянные башмаки содержали указание на Ветхий Завет:
Когда жених и невеста совершали обряд бракосочетания, для них и простой пол комнаты был «святой землёй».
Собачка — символ благосостояния и супружеской верности
Собачка
Собачка считалась признаком благосостояния, а также символом верности. На могилах того времени часто встречается лев, символ мужества и силы, в ногах у мужчин и собачка в ногах у женщин. Только от женщины, очевидно, ожидалась супружеская верность.
(лат. Johannes de eyck fuit hic 1434) — Ян ван Эйк был здесь
Подпись художника продолжение
--PAGE_BREAK--
Особое значение для полотна имеет подпись художника, она стоит не как обычно — внизу, а на хорошо видном месте между люстрой и зеркалом. Также сама формулировка необычна. Вместо — «Ян ван Эйк сделал» (лат. Johannes de eyck fecit), то есть написал этот портрет, стоит — «Ян ван Эйк был здесь» (лат. Johannes de eyck fuit hic 1434). Эта формулировка как бы ставит печать на картину, превращая её в документ. Живописец подписывает свою работу не как автор, а как свидетель. Возможно, он изобразил в зеркале самого себя, в виде фигуры в тюрбане и синем одеянии, переступающим порог комнаты.
Апельсины
Апельсины, находящиеся на подоконнике и на табурете у окна, могут рассматриваться как знак плодовитости. Поскольку на языке многих народов Северной Европы апельсин буквально означает «яблоко из Китая» (напр. нидерл. Sinaasappel), то они символизируют чистоту и невинность, которая существовала в Эдемском саду до грехопадения человека[3]. в то же время, критики Пановски отмечают, что, возможно, апельсины просто свидетельствую о зажиточности супругов.
Апельсины символизируют чистоту и невинность
Расположение фигур
Расположение фигур предполагает предопределённые роли в супружестве — женщина стоит около постели, в глубине комнаты, символизируя тем самым роль хранительницы очага, в то время как мужчина стоит около открытого окна, символизируя принадлежность к внешнему миру. Джованни смотрит прямо на наблюдателя, а его жена смиренно склонила голову в его сторону.
Техника
Ян ван Эйк создал своё полотно с почти рефлектирующей поверхностью, используя тонкие прозрачные слои краски, положенные один поверх другого. Это фламандская манера многослойного письма, позволяющая достигнуть глубины и богатства цвета. Насыщенные сверкающие краски помогли художнику подчеркнуть реализм происходящего и показать богатство и материальное изобилие мира Арнольфини. Ван Эйк использовал преимущество того, что масло сохнет значительно дольше темперы, применив технику мокрого по мокрому. Он наносил новые слои краски на ещё не высохшую поверхность, чтобы достичь игры света и тени, создающей иллюзию трехмерного пространства на картине. Он также передал эффект прямого и рассеянного света, показав падающий из окна и рефлектирующий от различных поверхностей свет. Предполагается, что он использовал увеличительное стекло, для того чтобы изобразить мельчайшие детали, такие как блики на янтарных чётках, висящих рядом с зеркалом.
Интересные факты
Лето за окном
Жених и невеста облачены в тёплые одежды, несмотря на лето за окном — это видно по вишне, которая усыпана плодами.
Брак левой руки
Может быть, что брачный контракт был просто необходим в этом случае, так как очевидно, что речь идёт о «браке левой руки». Жених держит левой рукой руку своей невесты, а не правой, как того требует обычай. Такие браки заключались между неравными по социальному положению в обществе супругами и практиковались вплоть до середины XIX века. Обычно это была женщина, происходившая из низшего сословия. Она должна была отказаться от всех прав на наследство для себя и своих будущих детей, а взамен получала определённую сумму после смерти мужа. Как правило, брачный контракт выдавался на следующее утро после свадьбы, отсюда пошло название брака — морганатический от слова морген (нем. morgen — утро).
Собачка
Маленькая собачка на переднем плане — это предок брюссельского гриффона. Тогда нос гриффона ещё не имел современного укороченного вида.
Провенанс
Ниже приведена история владения этим полотном, его происхождение:
1434 — этим годом сам ван Эйк датировал полотно.
до 1516 — владельцем картины был Дон Диего де Гевара, испанский придворный. Он прожил большую часть жизни в Нидерландах и мог быть знаком с Арнольфини. В 1516 г. он подарил портрет Маргарите Австрийской, штатгальтеру Испанских Нидерландов.
1516 — запись о полотне появляется в инвентарной книге картин, принадлежащих Маргарите в бытность её в Мехелене.
1523 — 1524 — повторная запись в инвентарной книге.
1530 — полотно унаследовала племянница Маргариты Мария Австрийская, которая в 1556 году переехала в Испанию.
1558 — запись в инвентарной книге. Филипп II унаследовал полотно после смерти Марии Венгерской. Картина, изображающая двух его дочерей, копирует позы фигур на портрете ван Эйка.
1599 — Якоб Келвиц из Лейпцига видел картину во дворце Альказар в Мадриде. На раме была надпись из Овидия (лат. Promittas facito, quid enim promittere laedit? Pollicitis diues quilibet esse potest). Вероятно, Веласкесу было известно это полотно, оно могло повлиять на его картину «Менины».
1700 — запись в инвентарной книге после смерти Карла II: картина была всё ещё во дворце, со ставнями и версами из Овидия.
1794 — картина в Палацио Нуэво в Мадриде.
1816 — полотно в Лондоне, владелец полковник Джеймс Гей. По его утверждениям он был ранен в битве при Ватерлоо, а в Брюсселе, где он поправлялся после ранения, полотно висело в его комнате. Он буквально влюбился в него и упросил владельца продать ему картину.
1828 — Джеймс Гей отдал полотно другу, после чего не видел ни картину, ни друга в течение 13 лет, до тех пор пока полотно не было включено с его разрешения в экспозицию.
1841 — полотно вновь включено в экспозицию.
1842 — картина куплена только что основанной Лондонской национальной галереей за 600 фунтов.
Гентский алтарь
Полиптих в открытом виде
Гентский алтарь создан по заказу Йодока Вейдта (Joos Vijdt) для своей семейной капеллы Иоанна Богослова в гентском соборе Святого Бавона. Надпись на алтаре сообщает, что он был начат Хубертом ван Эйком, «величайшим из всех», и закончен его братом Яном, «вторым в искусстве». Освящён 6 мая 1432 года.
Алтарь состоит из 24 панелей, на которых были изображены 258 человеческих фигур. Высота алтаря в центральной части достигает трёх с половиной метров, ширина (в раскрытом виде) — пяти метров. Картины, из которых состоит алтарь, расположены на внешней и внутренней стороне алтаря.
Внешняя сторона алтаря
Алтарь в закрытом виде
В закрытом состоянии — на внешней стороне алтаря изображен заказчик алтаря и его жена, молящиеся перед статуями Иоанна Крестителя и Иоанна Богослова. В среднем ряду изображена сцена Благовещения. Фигуры Девы Марии и архангела Гавриила разделены изображением окна, в котором виден городской пейзаж, который, как считается, соответствует виду из окна в доме Вейдтов.
В верхнем ряду картин представлены фигуры ветхозаветных пророков и языческих пророчиц, предсказавших пришествие Христа.
Заказчик алтаря
Креститель
Богослов
В центре верхнего ряда изображен Бог-Отец, сидящий на престоле (в некоторых источниках пишут Христос). У ног Бога-Отца лежит корона, символизирующая превосходство над всеми царями. Слева и справа от престола изображения Богоматери и Иоанна Крестителя. Далее следуют изображения музицирующих ангелов. Ангелы — без крыльев. Один из ангелов играет на органе с металлическими трубами! Завершают ряд обнаженные фигуры Адама и Евы.
Над Адамом и Евой расположены сцены убийства Каином Авеля и жертвоприношение Каина и Авеля.
В середине нижнего яруса сцена поклонения жертвенному агнцу, символизирующему Христа. Перед жертвенником расположен фонтан! Слева от фонтана — группа ветхозаветных праведников, справа — апостолы, за ними папы и епископы, монахи и миряне. На правых боковых створках изображены шествия отшельников и пилигримов. На левых створках — шествие воинства Христова и Праведных Судей.
Верхний ряд
Адам и ангелы
Ангелы и Ева
Нижний ряд
Праведные Судьи и Воинство Христово
Поклонение агнцу
Шествие отшельников и пилигримов
История алтаря
В 1566 году, во время борьбы Фландрии против Испании алтарь перенесли из церкви в башню Святого Бавона, а затем в ратушу. Победившие в Генте протестанты решили подарить алтарь английской королеве Елизавете в благодарность за помощь в войне. Наследник заказчика алтаря был против и добился того, чтобы алтарь остался в городе. После перехода власти к католикам в 1584 г. алтарь установили на прежнем месте. В 1781 году австрийский император Иосиф II при посещении собора выразил недовольство обнаженными фигурами Адама и Евы. Створки с их фигурами были сняты и перенесены в церковную библиотеку.
В 1792 году французы вывезли четыре центральные части алтаря в Лувр. Наполеон хотел получить и боковые створки алтаря. Было предложено обменять эти части алтаря на картины Рубенса, но власти Гента отказались от обмена. Людовик XVIII, ставший королем Франции после поражения Наполеона, в 1815 г. вернул Генту четыре створки. продолжение
--PAGE_BREAK--
Позднее викарий собора похитил несколько створок, и продал их брюссельскому торговцу. Антиквар Ньивенхёйс и коллекционер Солли перепродали створки прусскому королю Фридриху Вильгельму III для берлинского Кайзер-музеума.
В 1861 году правительство Бельгии за 50 000 франков купило створки с изображениями Адама и Евы. Части алтаря были помещены в музее Брюсселя.
Во время Первой мировой войны германские войска, вступившие в Бельгию в 1914 г., пытались найти части Гентского алтаря в Брюсселе и Генте. Каноник собора Святого Бавона ван ден Гейн с четырьмя помощниками прятали части алтаря до 1918 г. По условиям Версальского мирного договора Генту вернули боковые створки, приобретённые Пруссией в 1821 г. для Кайзер-музеума.
В ночь с 10 на 11 апреля 1934 была похищена створка алтаря с изображением «Праведных судей». Епископ Гента получил требование выплатить 1 млн бельгийских франков за створку. 25 ноября 1934 г. житель Гента Арсен Кудертир умирая сообщил на исповеди, что он похитил створку и спрятал её в столе. Створку обнаружить не удалось, и в 1945 году она была заменена копией работы художника ван дер Фекена.
Бельгийские фашисты хотели подарить весь алтарь Гитлеру. 16 мая 1940 года алтарь на трёх грузовиках был вывезен во Францию. Алтарь был помещён на хранение в замок По. С фашистским правительством было подписано соглашение о том, что алтарь можно будет изъять из замка только при согласии трёх сторон — бургомистра Гента, представителя правительства Виши и германского уполномоченного. В сентябре 1942 года представители Германии потребовали передать им Гентский алтарь. Из замка По Гентский алтарь перевезли в Париж и объединили с художественными ценностями, отобранными для музея Гитлера в Линце и для частного собрания Геринга. Далее алтарь переправили в замок Нейшванштейн в Алльгау.
В конце войны фашисты приняли решение захоронить художественные сокровища в заброшенных шахтах. 10 апреля 1945 г. в Зальцбург прибыло несколько грузовиков с тяжёлыми ящиками. Гауптштурмфюрер СС Гельмут фон Гуммель с помощниками из штаба Розенберга решили уничтожить все свезённое в шахтах. Группа австрийских партизан смогла взять под контроль шахты, и Кальтенбруннер приказал остановить взрывы.
8 мая 1945 года Третья американская армия захватили шахты. Алтарь доставили в Мюнхен, а 20 августа 1945 года алтарь вернулся в Бельгию.
Вид из окна
Деталь внешней стороны алтаря
Ангелы с арфой, органом и скрипкой
Каин и Авель
Сапоги рыцаря без каблука
Подставка для книг
Фонтан
Жертвенник с агнцем
Бамианские ста́туи Бу́дды — две гигантские статуи Будды (55 и 37 метров), входившие в комплекс буддийских монастырей в Бамианской долине. Статуи были варварски разрушены, вопреки протестам мировой общественности и других исламских стран, в 2001 году талибами, считавшими, что они являются языческими идолами и подлежат разрушению.
Статуи были высечены в скалах, окружающих долину, частично дополнены прочной штукатуркой, державшейся на деревянной арматуре. Верхние части лиц скульптур, будучи выполненными из дерева, были утрачены ещё в древности. Кроме разрушенных скульптур, в монастырях долины имеется ещё одна, изображающая лежащего Будду, её раскопки начались в 2004 году. Координаты: 34.716667, 67.8 34°43′ с. ш. 67°48′ в. д. / 34.716667° с. ш. 67.8° в. д. (G)
Бамианская долина. История
Бамианская долина расположена в центральной части Афганистана, менее чем в 200 км северо-западнее Кабула. В долине находится современный город Бамиан — центр одноимённой провинции Афганистана.
Долина представляет собой единственный удобный проход через Гиндукуш, поэтому издревле служила торговым коридором.
Во II веке здесь возникли буддийские монастыри. При царе Ашоке было начато строительство гигантских статуй, завершившееся только через двести лет. В V веке китайский путешественник пишет о десяти монастырях, которые населяли тысячи монахов. Обширные пещерные комплексы, вырубленные в скалах, служили постоялыми дворами для паломников и торговцев. В XI веке долина была присоединена к мусульманскому государству Газневидов, однако буддийские святыни тогда не были разрушены. В долине вырос город Гаугале, украшенный прекрасными мечетями. В 1221 г. войска Чингисхана разрушили город и опустошили долину. В средневековье комплекс буддийских монастырей в Бамианской долине получил название Кафиркала — город неверных.
Современное состояние. Проекты восстановления
В 2003 году в список Всемирного наследия ЮНЕСКО включены многочисленные исторические постройки Бамианской долины, включая буддийские монастыри, гигантские статуи Будды (как разрушенные, так и уцелевшие), остатки города Гаугале и две мусульманские крепости.
Предлагаются различные планы восстановления статуй, включая необычный проект японского художника Хиро Ямагата (Hiro Yamagata) — лазерную проекцию, воссоздающую утраченные памятники. Ведутся работы по консервации сохранившейся живописи V — IX веков в пещерных буддистских монастырях.
1.2 Техника масляной живописи
Техника — это язык художника; развивайте ее неустанно, до виртуозности. Без нее вы никогда не сумеете рассказать людям свои мечтания, свои переживания, увиденную вами красоту". (П.П. Чистяков. Письма, записные книжки, воспоминания.)
Техника только средство, но художник, пренебрегающий этим средством, никогда не разрешит своей задачи.., он будет похож на наездника, позабывшего задать овса своей лошади". (Роден).
Наряду с подобными высказываниями мастеров о значении технического умения, развитого до виртуозности, вы встретите предостережения не увлекаться техническими приемами как самоцелью, а тем более не заимствовать их слепо у полюбившихся мастеров.
Кто идет за другими, никогда их не обгонит, и кто сам не умеет работать как следует, никогда не сумеет как следует воспользоваться чужими произведениями", — так категорично утверждал Микеланджело. (А. Сидоров. Рисунки старых мастеров.)
Известный советский художник и педагог И. П. Крымов как бы продолжал эту мысль, говоря: «Многие у нас стараются подражать большим мастерам. Подражают они их манере, а манера — дело последнее. Часто подражают Константину Коровину, но пишут фальшиво… Лучше бы его подражатели старались повторить его путь. Идя этим путем, они, может быть, начали писать не по-коровински, а по-своему». (П.П. Крымов — художник и педагог).
Вдумайтесь в эти мудрые высказывания и не ищите рецептов смешения красок и обязательных способов наложения мазков.
Начинающим важнее знать, что нельзя писать этюд по частям, а надо раскрывать его широко, целостно. Нельзя отделывать какой-то кусок живописи, оставляя кругом пестрый холст или приблизительно намеченные оттенки.
Б.В. Иогансон рекомендует начинающим писать сразу по всему холсту мазками, которые раскладывают и соотносят по цвету, как подбирают цветные камешки мозаики. При этом надо поддерживать одинаковую степень проработанности всех частей изображения, вести работу «от общего к частному».
Если не закончили работу за один сеанс, то последующую прописку делайте по просохшему красочному слою. Иначе появятся пожухлости и почернение цвета.
Но в тех случаях, когда между сеансами не прошло более 2-3 дней, можно растворить образовавшуюся пленку краски, протирая этюд разрезанной долькой чеснока или луковицей. После этого можно продолжать работу «по-сырому», не боясь пожухания.
Другие способы масляной живописи — технику подмалевка, корпусной лепки форм, лессировок изучите по мере накопления опыта. Надо идти «от простого к сложному».
Технология масляной живописи
Масляные краски состоят из сухих пигментов и высыхающего масла. Например, может применяться масло семян льна, мака или масло грецких орехов.
Современные пигменты ярче, устойчивее и разнообразнее пигментов, использовавшихся старыми мастерами. Они также менее токсичны.
Пигменты бывают прозрачные (лессирующие) и укрывистые (покрывные). Прозрачные пигменты прозрачны сами по себе и создают ощущение глянца и глубины в слое краски. Укрывистые непрозрачны и пропускают свет, только если их сильно разбавить, но ощущения глубины все равно не получается. Прозрачные краски почти не теряют насыщенность при смешивании, укрывистые же быстро сереют — если смешать достаточно разные цвета. Старые мастера как правило предпочитали прозрачные краски, а на палитрах импрессионистов, наоборот, все краски, за исключением ультрамарина, были укрывистые.
Лучшие краски содержат всего один пигмент в максимальной концентрации. Но иногда, чтобы заменить токсичный, неустойчивый или дорогой пигмент, краску смешивают из нескольких пигментов. Часто такие краски смешиваются для того, чтобы придать красочному слою прозрачность там, где оригинал укрывист. Хотя большинство красок, полученных подобным способом, уступают оригиналу в чистоте и яркости, случается, что грамотно подобранная смесь ярче и чище оригинала. Единственное — в таких красках ни в коем случае не должно быть белил, так как краска будет абсолютно непригодна для темных глубоких смесей.
Для производства масляных красок наиболее популярно льняное масло. Лучшим маслом считается масло холодной выжимки. Качественное льняное масло имеет золотистый цвет и не имеет запаха. Для белой и холодных красок часто используется маковое масло, так как оно почти бесцветно, но основанные на нём краски дольше сохнут и могут потрескаться.
На свету и в присутствии воздуха масло «окисляется» и затвердевает, образуя прозрачную водоустойчивую пленку, удерживающую пигменты. Этот процесс не прекращается в течение 2-3 лет, за которые картина сначала существенно прибавляет в весе, а затем снова его теряет, но «подсохнуть» масло успевает за 4-12 дней. Полностью сухое масло очень хрупко и легко трескается при малейшем изгибе. продолжение
--PAGE_BREAK--
Помимо соблюдения технологии масляной живописи требуется правильное хранение работы. Пример высыхания и изменения красок, осыпи красочного слоя в масляной живописи на картине Горелова Ю.Г. «Художник за работой». Результат неправильного температурного режима хранения картины
Льняное масло желтеет без света. Поэтому картина, долго пролежавшая в шкафу, обязательно пожелтеет. Если выставить пожелтевшую картину на пару недель на солнце, она вернет свой изначальный цвет. Рафинированное льняное масло устойчивее к пожелтению, но более хрупко. Некоторые пигменты боятся солнца поэтому картину не следует держать на ярком свету слишком долго.
Чаще всего масляными красками рисуют на льняном или хлопковом холсте, или на деревянной панели. Чтобы писать масляными красками на холсте, дереве, картоне или другом каком-либо основании, на него сначала наносят грунт, чтобы воспрепятствовать вытеканию масла из красок, обеспечить лучшее сцепление красочного слоя с поверхностью холста и придать основанию определенную фактуру и цвет.
Наиболее популярными являются акриловые грунты как наиболее простые в применении и легкодоступные. Акриловый грунт наносится в 4-5 тонких слоев на растянутый холст или другую поверхность и полностью высыхает в течение одного дня. Акриловый грунт легко окрашивается в любой цвет с помощью добавления к нему акриловых красок или сухих пигментов. Чтобы воспрепятствовать впитыванию масла в грунт, его покрывают тонким слоем льняного масла или специально предназначенным для этого клеем. От качества грунта напрямую зависят яркость красок и долговечность работы. При использовании прозрачных и полупрозрачных красок цвет грунта может определять общий колорит картины, а также, до некоторой степени, может облегчать и ускорять работу над ней (см. Имприматура). Старые мастера умели пользоваться этим.
Для письма масляными красками наиболее популярны кисточки из свиной щетины, использующиеся для грубой работы, и красный соболь для тонких деталей. Но рисовать можно не только кисточками. Например, можно рисовать мастихином, губкой или тряпкой — всем, кроме пальцев, так как многие пигменты токсичны и легко проникают сквозь кожу. Синтетические кисточки для рисования маслом практически не пригодны, они легко портятся под воздействием лаков и растворителей и удерживают мало краски. Хорошая синтетика, близкая по качеству к натуральному волосу, зачастую намного его дороже. Важно отметить, что для живописи качество кисточек важнее качества красок (субъективное мнение).
Краски смешивают на палитре кистью или мастихином (специальный «нож» или «мастерок»). Мастихины делают из нержавеющего металла или пластика. Металлические мастихины более надежны и удобны, но могут изменить цвет некоторых пигментов или послужить катализатором для реакции некоторых пигментов в краске. В случае подобного риска обычно используют пластиковый мастихин. Чтобы избежать химических реакций пигментов и сохранить яркость красок, не следует смешивать более трёх пигментов сразу — к оттенку надо идти кратчайшим путем.
Палитрой может служить деревянная дощечка, вощeная бумага, керамическая плитка или кусок стекла. Лучше использовать стекло, так как оно не впитывает масло, не реагирует с пигментами, легко очищается скребком и, под него можно подложить бумагу такого же цвета что и грунт, что существенно облегчает подбор и смешивание цветов. Так же часто используются палитры из матового и белого пластика, оргстекла.
Чтобы разбавить краску или сполоснуть кисточку, используют терпентин или любой другой растворитель — достаточно чистый, чтобы полностью испариться, не оставляя жирных пятен или других загрязнителей, способных испортить краску. Сильно разбавлять краску нельзя, так как она может не прилипнуть к предыдущему слою, если в ней не содержится достаточно масла. Минеральные растворители могут способствовать выцветанию краски. В верхних слоях картины для разжижения краски лучше использовать небольшое количество льняного масла.
Растворитель для мытья кисточки не выливают, а держат в специальной баночке с двойным дном — второе дно с отверстиями. Пигменты постепенно оседают на дно сквозь отверстия, и растворитель можно использовать снова, не боясь побеспокоить осевшую на дно грязь. Кисточку перед мытьем тщательно вытирают тряпкой. После мытья растворителем кисточки моют теплой водой с шампунем и тщательно вытирают, перед тем как убрать. Хранить кисточки следует ставя вертикально в стакане, головой вверх, чтобы они быстрее высыхали и не теряли форму.
Для придания масляным краскам блеска к ним подмешивают специальные лаки и смолы, например даммарную смолу, растворённую во французском терпентине с добавлением сгущенного на солнце льняного масла. Краски могут потрескаться от избытка лака, поэтому лаков и смол не рекомендуется добавлять более десяти процентов от объема краски.
В современные краски так же часто добавляют вещества ускоряющие высыхание, так называемые сиккативы. Быстро сохнущие краски очень удобны, но могут потрескаться через несколько лет, когда краска полностью высохнет.
Картины масляными красками чаще всего пишут, устанавливая холст на мольберте. Мольберты бывают стационарные и переносные. И те, и другие делаются из дерева, металла или пластика. Наиболее популярны деревянные мольберты, так как они устойчивее алюминиевых и пластиковых мольбертов и в то же время существенно легче остальных.
Законченную полностью высохшую картину часто покрывают лаком, чтобы выровнять тон и защитить картину от разрушения. Один из наиболее популярных лаков — кетоновый. Он легко смывается спиртом в случае повреждения его поверхности.
Техника живописи
Происхождение масляной живописи
Происхождение масляной живописи более позднее, чем фрески и темперы. Еще и теперь не замолкли споры, когда появилась масляная живопись в настоящем смысле слова. Вазари называет изобретателем масляной живописи нидерландского живописца Яна ван Эйка — мастера первой половины XV века. Однако ряд ученых указывает, что масляные краски и лаки были известны раньше и в Европе, и в Азии (в Китае). В средние века для раскраски статуй пользовались масляными красками. Однако эти возражения не умаляют исторического значения Яна ван Эйка. Точно мы не знаем сущности его нововведения: может быть, он употреблял льняное или ореховое масло, прибегая к соединению масла и темперы в прозрачных лессировках — во всяком случае, именно только с ван Эйка масляная живопись становится самостоятельным методом, стилистической основой нового живописного мировосприятия. Характерно, что итальянские живописцы в течение всего XV века независимо от ван Эйка экспериментируют с маслами и лаками, но настоящее развитие масляная живопись получает в Италии только в конце XV века, когда Антонелло да Мессина привозит в Венецию рецепты нидерландского живописца. Полный перелом происходит в североитальянской живописи в творчестве Джованни Беллини, который использует уроки Антонелло и в сочетании масляных красок с темперой находит стимул для своего глубокого, горячего, насыщенного колорита. А в следующем поколении венецианских живописцев, в мастерских Джорджоне и Тициана, происходит окончательное освобождение масляной живописи от всяких традиций темперы и фрески, открывающее полный простор для колористической фантазии живописцев.
Еще один перелом — историческая цезура проходит где-то во второй половине XIX века — живопись старых мастеров отделяется от новейшей. Это радикальнейшее отличие — техника старых мастеров и техника новейшей живописи, как будто принадлежит двум совершенно различным видам искусства. Вспомним о двух видах света, которые отражает поверхность картины. Чем глубже под поверхностью картины находится слой, отражающий свет, тем более красочная структура картины насыщена цветом, краски полны внутреннего горения и сверкания. Достигалось это у старых мастеров наслоением нескольких прозрачных слоев. Уже в XVIII веке живописцы стремятся к более непосредственному и динамическому методу, находя в индивидуальном мазке, в более свободной и густой живописи, в отказе от прозрачных лессировок выражение своей новой стилистической концепции. Исходя из различного понимания фактуры картины, контраст старого и нового методов можно было бы формулировать следующий образом. В основе техники старых мастеров мы находим в большинстве случаев трехслойную последовательность. Этой технической последовательности соответствовал внутренний процесс творчества живописца — сначала рисунок, потом светотень, потом цвет. Иначе говоря, концепция старых мастеров переживала последовательны" стадии развития, от композиции к форме и колориту. Принципы новейшей живописи иные: они влекут художника как бы смешать, слить воедино, одновременно разрешить эти технические и стилистические проблемы и процессы. Начиная примерно с импрессионистов, категории рисунка, формы и колорита тесно связаны, срослись, кажутся непрерывным процессом: рисунок и колорит, лепка" и композиция, тон и линия возникают и развиваются как бы в одно время. Процесс писания картины может, так сказать, продолжаться безгранично, момент окончания работы является несколько-условным: в любом месте холста художник может продолжать ее,, накладывая новые мазки на подобные же, но ниже лежащие. Наиболее ярким и последовательным представителем этой системы является Сезанн. В письмах и записанных беседах он неоднократно формулировал этот смешанный или, правильнее, нерасчлененный метод живописи. В любой момент работа над картиной может быть прервана, но произведение не потеряет эстетической полноценности. В любой момент картина готова. Сохранились самые разнообразные работы Сезанна, начиная от первых подмалевок и беглых этюдов и кончая полотнами, над которыми художник работал очень долго. Но именно слоев, стадий нет в живописи Сезанна, нет последовательного вырастания одной стилистической проблемы из другой. От начала до конца, от первых до последних мазков это одновременно рисунок, форма, цвет. Полной противоположностью является процесс работы (и фактура) старых мастеров. Разумеется, в пределах классического метода возможны самые различные варианты, но по своему существу этот метод основан на последовательности трех слоев. Первый слой, первая стадия — это детализированный рисунок кистью на грунте. Здесь живописец устанавливает главные элементы изображения, определяет композицию, основные акценты света и тени. Этот рисунок, наносится маслом или темперой, очень тонким прозрачным слоем (так что грунт просвечивает) и имеет обычно монохромный характер — черный, коричневый, кирпично-красный, иногда два тона, например синий и коричневый («Святой Иероним» Леонардо да Винчи). Затем следует основной слой, или подмалевок, который выполняется кроющими, корпусными красками. В этом слое выделены обычно освещенные части изображенных предметов, вообще все светлые места в картине. Задача этого слоя — дать лепку формы. Подмалевок часто выполняется белилами, обычно подцвеченными (умброй, охрой, киноварью), но в более холодных тонах, чем законченная картина. В этом слое, который потом просвечивает сквозь последний, третий слой, особенно ярко сказывается характер мазка, индивидуальный почерк художника. Некоторые живописцы с особенно динамическим темпераментом, например Франс Гальс, вообще довольствовались только двумя слоями. Последний слой выполнялся прозрачными лессировками. Он делал ниже лежащие краски более темными и теплыми. Главная задача третьего слоя — насытить колорит картины цветом, дать красочное богатство ниже находящимся монохромным слоям. Если лессировки ложатся не на совсем высохший подмалевок, то бывает, что белила подмалевка примешиваются к верхнему стекловидному слою и его баламутят. Это может быть сознательным приемом, связанным с удивительной свободой и живописностью, у наиболее выдающихся мастеров колорита — Тициана, Рембрандта, Тьеполо. В общем, можно утверждать, что в архаическую пору масляной живописи блестящие достижения характерны для верхнего прозрачного слоя картины, тогда как с середины XVI века, особенно же в XVII--XVIII веках, главное внимание сосредоточивалось на подмалевке, в свободных штрихах которого художник как бы воплощал свой творческий процесс. техника кладки красок неотделима, с одной стороны, от проблем фактуры (обработка поверхности картины), а с другой — от концепции колорита у того или другого художника в ту или иную эпоху в связи с тем или иным стилем. К основным элементам колоритаё мы теперь и обратимся.
Виппер Борис Робертович. Введение в историческое изучение искусства.
Отражение былинного эпоса в изобразительном искусстве
Во второй половине XIX века в русской живописи, наряду со стремлением к жесткому реалистическому отображению жизни, обнаружился интерес к истокам народной культуры, к фольклору.
Преклонение перед народом, культивируемое в русской культуре XIX века, диктовало и выбор тем для изобразительного искусства. Поиск шел по двум направлениям — с одной стороны, популярным становилось критическое искусство, «бичевавшее» тех, кто повинен в угнетении народа. На этом поприще прославились передвижники. С другой стороны, художники увлеклись истоками народной культуры, фольклором, перенося фольклорные сюжеты в современную живопись.
Для одних это увлечение оказалось кратковременным, у других (и тут самым последовательным и глубоким стал Васнецов) — легло в основу всего творчества. Позднее, на рубеже веков, фольклорное эхо зазвучало иной музыкой — сюжеты былин и народных преданий, в соответствии с требованиями эпохи, получили символистское истолкование (как это случилось в живописи М. Врубеля).
70 — 80-е годы XIX века в русском искусстве ознаменовались всплеском интереса к отечественной истории, стремлением осмыслить ее в художественных образах. продолжение
--PAGE_BREAK--
2.1 «Богатырская тема» в живописи В. М. Васнецова
Я всегда был убежден, что в сказках, песне, былине, драме сказывается весь цельный облик народа, внутренний и внешний, с прошлым и настоящим, а может быть, и будущим.
В. М. Васнецов
Среди русских живописцев, искавших вдохновения в народной поэзии, Виктор Михайлович Васнецов занимает особое место. Его развитие — от бытописательства к сказке, от станковизма к возрождению монументального стиля, от передвижнической тенденциозности к эстетическому универсализму модерна — выражает переломный характер целой эпохи русского искусства.
Виктор Михайлович Васнецов прожил большую, красивую и многотрудную жизнь. Один из самых знаменитых русских художников XIX века, он знал восторженное преклонение и холодно-сдержанное, до полного неприятия, отношение к своему творчеству, огромный успех и резкую, граничащую с хулой, критику своих работ.
Его называли «истинным богатырем русской живописи». Это определение родилось не только благодаря образной связи с «богатырской» темой его живописи, но благодаря осознанию современниками значительности личности художника, пониманию его роли как родоначальника нового, «национального» направления в русском искусстве. Значение творчества Васнецова не только в том, что он первым среди живописцев обратился к былинно-сказочным сюжетам. Хотя именно этот Васнецов — автор «Алёнушки», «Богатырей», «Ивана-Царевича на Сером Волке», широко репродуцируемых в течение многих лет огромными тиражами в школьных учебниках, на календарях, ковриках, конфетных и папиросных коробках, — вошел в массовое сознание, заслонив истинное лицо художника.
Васнецов был одним из первых мастеров русской живописи, кому стали тесны рамки станковой картины и кто «обратился к украшению жизни», взялся за самые разнообразные области искусства — театральную декорацию, архитектуру, прикладное искусство и иллюстрацию, что было в то время для многих необъяснимо и воспринималось как «разменивание таланта». Таким путем Васнецов пришел к решению принципиально новых задач, центральной из которых была задача создания единого, охватывающего разные виды искусства, стиля, основанного на национальных традициях. Впоследствии он говорил: «Я всегда был убежден, что в жанровых и исторических картинах, статуях и вообще каком бы то ни было произведении искусства — образа, звука, слова — в сказках, песне, былине, драме и прочем сказывается весь целый облик народа, внутренний и внешний, с прошлым и настоящим, а может быть, и будущим». Именно поэтому художник в своем творчестве обращался к уже найденным в русском фольклоре, древнерусском искусстве и архитектуре способам выражения, прежде всего к образной системе русского искусства, а затем и к его стилистике.
В становлении нового общественного идеала огромную роль играло происхождение художника и его детские и юношеские годы.
Виктор Васнецов родился в Вятском крае 15 мая (по новому стилю) 1848 года в семье сельского священника Михаила Васильевича Васнецова. Мать, Аполлинария Ивановна, родила шестерых сыновей, из которых Виктор был вторым. В доме Васнецовых соседствовали уклады деревенской и городской жизни. По материальным условиям жизнь многодетной семьи Васнецовых напоминала скорее быт крестьянина-середняка. Одновременно Михаил Васильевич, сам широко образованный человек, старался дать детям разностороннее образование, развить в них пытливость и наблюдательность. В семье читали научные журналы, рисовали, писали акварелью. Здесь получили первое признание рано проявившиеся художественные наклонности будущего живописца. Мотивами его первых натурных зарисовок стали деревенские пейзажи, сцены из деревенской жизни.
Село Рябово, где жили Васнецовы стояло на живописной, окаймленной густыми хвойными лесами речке Рябовке, с холмистых берегов которой открывались тянущиеся на десятки верст до уральских гор горизонты. Вятский край с его суровой и живописной природой, своеобразным укладом, сохраняющим устои далекого прошлого, с древними народными поверьями, старинными песнями, сказками и былинами стал основой для формирования ранних жизненных впечатлений Васнецова.
Вятский край был богат и ремесленничеством — резчиками по дереву, мастерами вятской игрушки, умельцами, расписывающими жилища и домашнюю утварь, среди которых жил с ранних лет художник. Позднее он так формулировал свои наблюдения: «Меня поразило длительное бытование ряда предметов в жизни народа. Как они могли сохраниться на протяжении столетий. Такая приверженность говорит о каких-то твердых основах народного понимания прекрасного». Впоследствии попытка Васнецова выразить национальные представления о добре и красоте будет основываться именно на этом детском восприятии крепких основ крестьянской жизни с их вековыми художественными традициями.
С детских лет слышал Васнецов былины и сказки о русских богатырях, протяжные грустные песни, которые на посиделках при свете лучин пели женщины. Это не могло не оказать влияния на формирование мировоззрения будущего художника на развитие его таланта. Именно в Вятке зародилась его страстная привязанность к искусству, к народному эпосу.
Я жил в селе среди мужиков и баб и любил их не «народнически», а попросту как своих друзей и приятелей, слушая их песни и сказки, заслушивался, сидя на посиделках при свете и треске лучины", — рассказывал впоследствии Васнецов. Свое ощущение захватывающей таинственности, состояние сопереживания он выразил в рисунках «Бабушкины сказки» (1871) и «Сказки деда» (1870). Здесь, на этих посиделках, художник впервые. К прочувствованной теме единения слушателя и рассказчика он потом не раз возвращался в своем творчестве, начиная с первой жанровой картины Нищие певцы" (1873) до большого позднего полотна «Баян» (1910), где сказитель и слушающие его песни воины охвачены общим эмоциональным порывом.
В 1858 году он едет учиться в Вятку — вначале в духовном училище, затем в духовной семинарии: детей священников принимали туда бесплатно.
Духовная семинария в Вятке была высокоразрядным учебным заведением. В семинарии Васнецов изучал летописные своды, хронографы, четьи минеи — жития святых, притчи и другие произведения. Древнерусская литература, ее поэтика также направляли интерес будущего художника к русской старине. «Я всегда только Русью и жил», — вспоминал позднее художник. Из семинарии Васнецов вынес глубокое знание сложной православной символики, которое использовал потом в монументальной живописи, в своих храмовых росписях.
Виктор провел в Вятке девять лет, но потребности в служении церкви не испытал.
Он все больше времени отдает рисованию. По воскресеньям ходит в город, на базар, рисовать «типы», изучает характеры. Его семинарские тетради полны зарисовок по памяти.
Через несколько лет он настолько преуспел в рисунке и живописи, что был приглашен в качестве помощника для декорирования вятского кафедрального собора. Тогда же, в 1866-1867 годах, он выполнил семьдесят пять рисунков на темы русских народных пословиц и поговорок для «Собрания русских пословиц» этнографа Николая Трапицина. В них он просто и точно отобразил черты деревенского быта Вятского края. Хотя книжка не вышла, Васнецов бережно сохранил рисунки. В 1912 году они были изданы в роскошном альбоме под названием «Русские пословицы и поговорки в рисунках В. М. Васнецова».
Занимается Виктор и живописью. В первых известных нам картинах Молочница и «Жница» уже виден почерк будущего искателя идеальной женской русской красоты. Две названные картины были проданы с аукциона, который организовали друзья и почитатели юного дарования.
В августе 1867 года с благословения отца Виктор Васнецов оставил семинарию за полтора года до ее окончания и с вырученными от лотереи деньгами уехал в Петербург поступать в Академию художеств.
Первый год Васнецов не учился в Академии по недоразумению: после сдачи экзаменов он не понял, что был принят. Зиму 1867-1868 годов он занимался в Школе Общества поощрения художеств, где преподавал Иван Крамской, ставший впоследствии его другом и советчиком. Начав в следующем году учебу в Академии, Васнецов познакомился с Репиным, общение с которым переросло и крепкую дружбу, сблизился с Архипом Куинджи, Василием Максимовым, Василием Поленовым, Василием Суриковым, Марком Антокольским, братьями Праховыми. Тесное дружеское общение с ними имело большое значение для развития молодого художника.
После года учебы в академии Васнецов получает две малые серебряные медали за рисунок «Два обнаженных натурщика» и этюд с натуры, а через два года удостаивается большой серебряной медали за рисунок «Христос и Пилат перед народом». Время это для Васнецова очень трудное. Он переживает смерть отца, печется о брате Аполлинарии, будущем художнике, который приезжает из Вятки, много работает ради заработка. В эти годы он выполнил около двухсот иллюстраций к «Народной азбуке», «Солдатской азбуке» Столпяпского, к «Русской азбуке для детей» Водовозова. Им были иллюстрированы сказки «Конек-Горбунок», «Жар-птица и другие».
Вне академии, «для себя», он, как прежде, рисует «типы», теперь городские, столичные. Это в основном курьезные сценки на улице, в театре, в трактире, на рынке и т.п. В умении «выразить тип» художник был близок известному жанристу Владимиру Маковскому. Рисунки 1870-х годов исполнены выразительными, уверенными, хотя иногда и эскизными штрихами.
Постепенно Васнецов охладевал к учению в академических стенах. Хотелось писать картины па темы из русских былин и сказок, а они, профессора, этого желания не понимали. Вот мы и расстались", — позднее объяснял он. На самом деле главную трудность для Васнецова в то время представляла, видимо, необходимость противопоставить уже формирующуюся свою трактовку народной поэзии академической. Переход к былинно-сказочным сюжетам означал бы для художника и отказ от бытовой живописи, в которой с самого начала 1870-х годов васнецовский талант проявился достаточно ярко.
В то время как Васнецов обретал творческие силы для работы с фольклорной тематикой, в русском обществе нарастало начавшееся еще в 1850-е годы внимание к национальной старине и истории, что проявилось в росте собирательства, изучении и публикациях памятников письменности и фольклора.
В середине XIX века вышли капитальные сборники фольклора: Пословицы русского народа В.И. Даля (1861-1862), «Народные русские сказки» А.Н. Афанасьева (1855-1864), «Песни», собранные П.Н. Рыбниковым (1861-1867), «Онежские былины» А.Ф. Гильфердинга (1873) и другие. В 1864 году было организовано Московское археологическое общество, и с середины 1860-х годов наука все активнее сосредотачивала усилия на изучении «древностей государства Российского», включая и устное народное творчество.
Особенное значение для художника имели исторические исследования русского быта XVI-XVII веков в трудах Ивана Забелина. Ученый, с которым Васнецов был знаком лично, был близок ему тем, что видел в народном искусстве проявление «живой души его создателей».
Весной 1876-го Васнецов уезжает на год в Париж, где уже работают И.Е. Репин и В.Д. Поленов. Он рисует французские типы с тем же удовольствием, с каким писал русские, находя в них сходные черты. А весной 1876 года участвует в парижском «Салоне» двумя картинами — Чаепитие в трактире и написанном на местный сюжет полотном — Акробаты.
Завершенное Васнецовым во Франции полотно «Акробаты (На празднике в окрестностях Парижа)» (1877) носило еще жанровый характер. Балаганное представление в окрестностях Парижа не могло не ассоциироваться у художника с вятскими ярмарками, с детскими ощущениями радостного нетерпеливого ожидания, которое предшествовало началу ярмарочного спектакля. Потому-то, изображая типичную для парижской окраины толпу, идущую в вечерний цирк, Васнецов проявил не только талант типиста, но сумел передать то ощущение романтически приподнятого настроения, которое охватывает людей перед началом представления.
Благодаря Репину Васнецов по приезде в Париж тотчас был вовлечен в изучение и уяснение насыщенной, наполненной острой борьбой художественной жизни французской столицы. «Вчера после Лувра делали большую прогулку в St. Cloud (Полен[ов], Васнец[ов], Крамск[ой] и я», — рассказывал Репин Стасову. Из того же письма: «Сегодня всей компанией были в салон». Споры, жаркие дебаты, затеянные на выставках, переносились в мастерскую А.П. Боголюбова, где часто собирались русские живописцы. Все это интенсивно подвигало российских художников к мыслям о национальной живописной школе. Парижское полотно Репина «Садко в подводном царстве» (1876), где Васнецов позировал для Садко, хоть и осталось у него единичным в этой тематике, ясно говорило о возможных путях национальных исканий. В свою очередь Васнецов, зайдя однажды в парижскую мастерскую Поленова, быстро написал знаменитый эскиз «Богатырей» (1876), выплеснув как вполне зрелое и сложившееся свою «грезу» об эпической русской истории. Васнецов подарил этот эскиз Поленову, но тот согласился принять дар только после того, как будет закончено большое полотно. Это событие произошло в 1898 году, и с того времени эскиз находился в собрании картин Поленова в организованном им музее. продолжение
--PAGE_BREAK--
Васнецов вернулся на родину зрелым живописцем. Его кругозор расширился, он обогатил свою технику, а главное, твердо осознал свой путь.
Вместе с Репиным и Поленовым, немногим раньше переехавшими в Москву, Васнецов окунулся в московскую жизнь. Все свободное время друзья тратили на знакомство с архитектурными памятниками, искусством и бытом первопрестольной, посещали монастыри в окрестностях Москвы, сельские ярмарки, народные гуляния. В этих прогулках, по словам художника, он «набирался московского духа».
Через Поленова Репин и Васнецов получили доступ в художественные коллекции Козьмы Солдатенкова, Дмитрия Боткина, Алексея Хлудова, в которых были собраны памятники прошлой и современной художественной культуры. Но главное их внимание сосредоточилось на галерее Павла Третьякова. Васнецов стал завсегдатаем музыкальных вечеров в доме Третьяковых. Москва конца 1870-х годов вообще была необычайно увлечена музыкой, в частности, народными мелодиями. На музыкальных вечерах в доме Третьяковых Васнецов сосредоточенно слушал Баха, Бетховена, Моцарта. Позже он говорил: «Без музыки я, пожалуй, не написал бы ни Поля битвы, ни других своих картин, особенно „Аленушки и Богатырей“. Все они были задуманы и писались в ощущениях музыки».
Важную роль в жизни художника сыграло знакомство с другой московской семьей — крупного промышленника и предпринимателя, известного мецената Саввы Ивановича Мамонтова, сумевшего объединить вокруг себя крупнейших русских художников в содружество, названное впоследствии Абрамцевским кружком. Музыкальные вечера, постановки живых картин и вечерние чтения драматических произведений и памятников народного эпоса, разговоры о проблемах искусства и обмен новостями соседствовали в доме Мамонтовых с лекциями историка Василия Ключевского о прошлом России. В мамонтовском сообществе Васнецов с новой силой ощутил эстетическую ценность русской культуры.
В 1880 году он закончит одно из самых своих значительных полотен — После побоища Игоря Святославича с половцами. Для зрителей все было ново в этой картине, а новое принимается не сразу. «Перед моей картиной стоят больше спиной», — горевал Виктор Михайлович. Но И. Крамской, совсем недавно уговаривавший Васнецова не оставлять бытовой жанр, назвал «После побоища...» «вещью удивительной… которая нескоро будет понята по-настоящему». Глубже всех понял суть картины художник и выдающийся педагог Павел Петрович Чистяков, он почувствовал в ней саму Древнюю Русь и в письме к Виктору Михайловичу взволнованно восклицал: Самобытным русским духом пахнуло на меня!
Темой картины было избрано поле после сражения и гибели полков Игоря Святославича, ставших богатырской заставой на рубежах родной земли, когда «пали стяги Игоревы и полегли русичи на поле незнаемом». Изобразительный ритм картины приближен к эпическому звучанию «Слова о полку Игореве». В трагическом пафосе смерти Васнецов хотел выразить величие и беззаветность чувств, создать просветленную трагедию. На поле битвы раскинулись тела не мертвых воинов, но, как в русском фольклоре, «вечно уснувших». В сдержанно строгих позах и лицах павших Васнецов акцентирует значительность и величавое спокойствие. Соответствует «Слову» и характер живописных образов, воссозданных Васнецовым. Они величавы и возвышенно героичны. Проникновенно-лирической нотой в торжественном строе картины звучит образ прекрасного отрока-княжича, навеянный описанием гибели юного князя Ростислава. Поэтическими строфами Слова о гибели мужественного Изяслава навеян образ покоящегося рядом богатыря — воплощение доблести и величия русского воинства. Для картины художник использовал все, что предстало перед ним в Историческом музее, когда он изучал здесь изукрашенные древние доспехи, вооружение, одежду. Их формы, узорчатость и орнаментация создают на васнецовском полотне красивые добавочные мотивы декоративной композиции, помогающие передать аромат былинного сказа.
Васнецовское полотно было показано на VIII выставке передвижников, и мнения о нем разделились. Разногласия в оценке картины впервые обозначили различие взглядов среди передвижников на суть русского художественного процесса и дальнейшие пути развития русского искусства. Для Репина, безоговорочно принявшего полотно Васнецова, это была «необыкновенно замечательная, новая и глубоко поэтическая вещь. Таких еще не бывало в русской школе»«1. Но другие художники, например, Григорий Мясоедов, видевший задачи реалистического искусства в жанрово-бытовом воспроизведении действительности и правдиво-точном отображении быта и типов в историческом сюжете, не только не приняли картины, но и решительно протестовали против принятия ее на выставку. Однако же мимо полотна не прошел Павел Михайлович Третьяков и приобрел его для своей галереи с VIII выставки передвижников.
В том же 1880 году Виктор Васнецов приступит к работе над тремя картинами-аллегориями. Заказал их Савва Иванович Мамонтов для украшения кабинета правления строящейся Донецкой железной дороги. Предложение Мамонтова совпало с дремавшими в Васнецове сюжетами. Он написал „Битву скифов со славянами“, „Ковер-самолет“, „Три царевны подземного царства“. „Ковер-самолет“ был показан на той же VIII выставке передвижников, где и полотно „После побоища Игоря Святославича с половцами“.
Виктор Михайлович увлеченно воплощал прекрасную народную мечту о свободном полете. В чудесном небе своего детства написал он плавно, вольно, летящий как птица ковер и на нем сказочного героя-победителя.
В картине „Три царевны подземного царства“ один из характеров — третьей, младшей царевны — получит дальнейшее развитие в женских образах. Затаенная душевная печаль этой смиренно-гордой девушки будет встречаться и в его портретах, и в вымышленных образах.
Правление не согласилось иметь у себя картины, посчитав их неуместными для служебного помещения, и тогда Мамонтов два полотна купил сам — »Ковер-самолет" и «Царевен», а его брат Анатолий Иванович приобрел «Битву скифов со славянами».
Показанные на VIII и IX выставках Товарищества в 1880 и 1881 годах эти картины вызвали столь же острую полемику, что и «После побоища». Между тем в этих произведениях Васнецов продолжил свои искания историка немного на фантастический лад.
Поисками типа национальной красоты характеризуются многие портреты художника 1880-1890-х годов: Даши, горничной в доме Мамонтовых — «В костюме скомороха» (1882), Наталии Анатольевны Мамонтовой (1883), Татьяны Анатольевны Мамонтовой (1884), Бориса Васнецова, сына художника (1889), Елены Адриановны Праховой (1894), Веры Саввишны Мамонтовой (1896), Татьяны Васнецовой, дочери художника (1897) и другие. Образам Васнецова как мужским, так и женским присущи строгость и своеобразная самодостаточность, особенный, сдержанный лиризм. Васнецов никогда не писал заказных портретов, но лишь людей близких ему, дорогих или интересных какой-то своей характерностью.
Аленушка, Снегурочка, Елена Прекрасная — эти вымышленные образы и портреты близких Васнецову «по духу» женщин — Елены Праховой, Веры и Елизаветы Григорьевны Мамонтовых, портреты жены, дочери, племянницы с разных сторон высветляют то, что называется русская женская душа, которая становится для Васнецова олицетворением Родины, России.
Если портреты близких людей помогали Васнецову в создании идеала национальной красоты, национального типа, то в Абрамцеве и его окрестностях с их характерными для средней полосы России дубовыми, еловыми, березовыми лесами и рощами, причудливо-извилистой с темными заводями речкой Ворей, прудами, поросшими осокой, глухими оврагами и веселыми лужайками и пригорками, вырабатывался тип национального пейзажа.
Здесь были задуманы и осуществлены полностью или частично многие произведения художника. Здесь была написана и «Аленушка», картина, в которой Васнецов наиболее полно и проникновенно воплотил лирическую поэзию родного народа. «Аленушка», — рассказывал впоследствии художник, как будто она давно жила в моей голове, но реально я увидел ее в Ахтырке, когда встретил одну простоволосую девушку, поразившую мое воображение. Столько тоски, одиночества и чисто русской печали было в ее глазах… Каким-то особым русским духом веяло от нее". Васнецов обратился к сказке об Аленушке и ее братце Иванушке, по-своему, творчески претворив ее в живописи. По народным преданиям, природа оживает на исходе дня, обретая способность чувствовать в лад с человеком. Подобные ощущения в большой степени были присущи самому художнику, потому-то так органично согласованы в Аленушке состояние природы с чувствами героини. Фигуре Аленушки, задумавшейся над своей горькой судьбой, как бы вторит и бледно-серое небо, и пугающая своей темнотой поверхность омута с застывшими на ней желтыми листьями, и блеклые серые тона поникшей листвы осинок, и темная глубокая зелень елочек.
Анализируя вклад Васнецова в решение новых живописных задач, художественный критик Сергей Маковский отмечал следующее. «Новый дух прорывается везде в образах Васнецова. Он перетолковал художественные традиции по-своему со всей непокорностью самостоятельного таланта; совершил волшебство – узкие рамки школьной иконописи, мертвенной иконописи, как мертвенно все, что неподвижно веками, расширились. Открылись новые пути, невиданные области для религиозного воображения. Византийская живопись была до сих пор строго церковной, в ней царило одно настроение беспрерывной отвлеченности. Васнецов, соединив народный сказочный элемент с древними формами, вдохнул в византийское искусство новую жизнь. Наш народ – сказочник по натуре; он проникнут суеверием преданий и легенд, стремлением к чудесному. Глядя на образа Васнецова, понимаешь связь между русской сказкой и русской верой… Сделанная им попытка, попытка связать народно-фантастический элемент с церковным каноном, во всяком случае – интересное художественное явление. Васнецов действительно «расширил» рамки школьной иконописи, показал возможность «новых путей» для декоративного храмового искусства. Но он не справился с задачей».
По окончании работ в киевском Владимирском соборе Васнецов получил многочисленные заказы на оформление храмов в Петербурге, Гусь-Хрустальном, Дармштадте, Варшаве. Наиболее значительной среди них была декорировка церкви завода хрустального стекла в имении Нечаева-Мальцева в Гусь-Хрустальном в 1904 году. Художник создал там росписи не на стенах, как в Киевском соборе, а на холстах, укреплявшихся на стенах, — и сделал эскизы для мозаичных изображений. Васнецовский талант монументалиста-декоратора с наибольшей силой проявился в полотне «Страшный суд». В огромной композиции (700 х 690 см), посвященной теме последнего судилища, он воплотил рожденное его могучей фантазией представление о вселенной и человечестве. Он разделил полотно па три яруса и, как в сложных многофигурных иконах, легко и свободно заполнил его большими группами фигур. Масса эпизодов, сцен, фигур объединена здесь в цельную, строго симметричную и уравновешенную картину, согласованную с архитектурой церкви.
У Васнецова была особенность, не раз удивлявшая окружавших его людей. Он мог одновременно выполнять самые разнообразные, несовместимые на первый взгляд задания. Так, среди напряженной работы над росписями Владимирского собора он находил время и для размышлений над громадным полотном «Богатыри», которое перевез с собой из Москвы в Киев, и для работы над картиной «Иван-Царевич на Сером Волке», которую показал в 1889 году на выставке Товарищества передвижников в Петербурге; выполнял театральные эскизы и делал книжные иллюстрации, не говоря уже о многочисленных пейзажах и портретах, написанных им в годы «сидения в Киеве».
Так сложилось, что три десятилетия без малого пролегли между первым карандашным наброском (1871), более двух десятилетий — между парижским эскизом и полотном «Богатыри» (1898), венчающим героический цикл работ живописца. Позже он вспоминал: «Я работал над Богатырями, может быть, не всегда с должной напряженностью… но они всегда неотступно были передо мною, к ним всегда влеклось сердце и тянулась рука! Они… были моим творческим долгом, обязательством перед родным народом...».
В соответствии с былинными образами Васнецов разработал характеры своих персонажей. В центре — Илья Муромец. Илья Муромец прост и могуч, в нем чувствуется спокойная уверенная сила и умудренность жизненным опытом. Сильный телом, он, несмотря на грозный вид — в одной руке, напряженно поднятой к глазам, у него палица, в другой копье, — исполнен благости, великодушия и добродушия". Богатырь справа, самый младший, напуском смелый — Алеша Попович. Молодой красавец, полный отваги и смелости, он «душа-парень», большой выдумщик, певец и гусляр, в руках у него лук с копьем, а к седлу прикреплены гусли. Третий богатырь — Добрыня Никитич — в соответствии с былинами представителен и величав. Тонкие черты лица подчеркивают «вежество» Добрыни, его знания, культурность, вдумчивость и предусмотрительность. Он может выполнить самые сложные поручения, требующие изворотливости ума и дипломатического такта.
Герои, как это было принято в реалистической живописи и согласно творческому принципу Васнецова, конкретны, исторически точны костюмы, вооружение, кольчуги, стремена. Богатыри наделены запоминающейся внешностью, яркими чертами характера. Только характеры эти не жанровые, а героические.
Сама живопись Васнецова в «Богатырях», ее монументальные формы, благородные декоративные качества подвигали к иному, чем прежде, отсчету достоинств в искусстве, к рождению новых завоеваний его «откровений и тайн». Можно сказать, что русская живопись двадцатого столетия вышла из Богатырей Васнецова. продолжение
--PAGE_BREAK--
В апреле 1898 года Васнецова посетил Павел Третьяков. Несколько минут молча он всматривался в картину, закрывавшую всю правую стену мастерской художника, и вопрос о приобретении «Богатырей» в галерею был решен. Картина заняла свое постоянное место в Третьяковской галерее. Это было одно из последних приобретений Павла Михайловича.
С окончанием картины стала насущной мысль о персональной выставке художника. Такая выставка была организована в марте-апреле 1899 года в помещении петербургской Академии художеств. На ней было представлено тридцать восемь произведений живописи. Центром же стало самое «капитальное», по словам Стасова, произведение — «Богатыри».
Как я стал из жанриста историком, несколько на фантастический лад, — признавался Васнецов, — на это ответить точно не сумею. Знаю только, что во время самого ярого увлечения жанром, в академические времена, в Петербурге меня не покидали неясные исторические и сказочные грезы. Я всегда был убежден, что в жанровых и исторических картинах… в сказке, песне, былине, драме сказывается весь целый облик народа, внутренний и внешний, с прошлым и настоящим, а может быть и будущим… Плох тот народ, который не помнит, не ценит и не любит своей истории".Творческая фантазия художника казалась неисчерпаемой.
Изумительный труженик", «большой умник и разумник», Васнецов, страстно искавший эстетический и нравственный идеал в национальном характере русского народа, в его духовных традициях, сумел пронести свой «символ веры» через все творчество, настойчиво внедряя его в сознание современного общества, в окружающую жизнь. Он находил живой отклик у своих современников. Его называли «первопроходцем». И как первооткрыватель, творчество которого является переходным, сочетающим в себе разные элементы, Васнецов вызывал у современников противоречивые чувства и оценки — недоумение и восторг, резкую критику и преклонение, но он никогда и никого не оставлял равнодушным, всегда был предметом размышлений и споров. «Ваше творчество, — писал ему известный деятель Мира искусства Сергей Дягилев, — и оценка его уже много лет — самое тревожное, самое жгучее и самое нерешенное место в спорах нашего кружка». И он же говорил художнику: «Из всего поколения наших отцов Вы ближе к нам, чем все остальные...» Мы не найдем другого художника, который был бы близок представителям самых противоположных эстетических течений, но каждому близок какой-то особой гранью своего творчества и никому не близок полностью, до конца. Одни отдавали ему дань как «типисту» и видели его силу в жанровой живописи, другие ценили более всего его обращение к народному эпосу и сказке, третьи его главный вклад в развитие русского искусства видели в его роли «провозвестника нового направления в религиозной живописи», четвертые — в том, что «он первый из художников вновь обратился к украшению жизни». Но для всех деятелей русской культуры, размышлявших о путях развития национального искусства, Васнецов был одной из ключевых фигур в процессе перехода от эпохи передвижничества к искусству начала XX века и, конечно же, одним из главных деятелей русской художественной культуры XIX века. «Десятки русских выдающихся художников, — писал в 1916 году Михаил Нестеров, — берут свое начало из национального источника — таланта Виктора Васнецова».
Произведения Васнецова:
Аленушка, Богатыри.1881-1898, Баба-Яга. 1917, Баян. 1880, Витязь на распутье. 1882, Гусляры. 1899, Иван-Царевич на сером волке. 1889, Ковер-самолет. 1880, Сирин и Алконост. Песня радости и печали. 1896, Спящая царевна. 1900-1926, Три царевны подземного царства. 1884, Царевна-Несмеяна.1916-1926, Богатыри.1881-1898
2.2 И.Я. Билибин – первый на Руси художник книги
Сын военно-морского врача, потомок древнего рода, Иван Яковлевич Билибин предполагал стать юристом и закончил полный курс юридического факультета Петербургского университета (1896-1900). Но одновременно самозабвенно изучал рисунок, графику, живопись, будучи вольнослушателем в мастерской И. Е. Репина в Академии Художеств. И вскоре стал известен широкой общественности как прекрасный иллюстратор русских народных сказок, былин, произведений А.С. Пушкина. За Иваном Билибиным утвердилась слава первого на Руси художника книги.
Ориентируясь на традиции древнерусского и народного искусства, Билибин разработал логически последовательную систему графических приемов, сохранявшуюся в основе на протяжении всего его творчества. Эта графическая система, а также присущее Билибину своеобразие трактовки былинных и сказочных образов дали возможность говорить об особом билибинском стиле. Русской сказочной теме художник посвятил все свое творчество, серьезно для того подготовившись: много ездил по России, особенно по Северу, с интересом изучал русское народное и декоративное искусство. В самом начале двадцатого века по заданию этнографического отдела Русского музея Билибин объехал Вологодскую, Архангельскую, Олонецкую и Тверскую губернии. В 1904 году отправился в Карелию, в Кижи, которые именовал . Там он изучал русскую архитектуру, народный орнамент, крестьянские вышивки, кружева, узоры, старинную деревянную резьбу, лубочные картинки; собирал произведения народного творчества и фотографировал памятники деревянного зодчества.
«Только совершенно недавно, точно Америку, открыли старую художественную Русь, вандальски искалеченную, покрытую пылью и плесенью. Но и под пылью она была прекрасна, так прекрасна, что вполне понятен первый минутный порыв открывших ее: вернуть! вернуть!» — писал Иван Билибин. Патриархальный крестьянский быт, предметы утвари, будто бы сохранившиеся со времен древней Руси, дали ему богатейший материал для раздумий и для дальнейшего использования в художественной практике. Новый художественный стиль — стиль русской старины не только обогатил искусство яркими образами, но и способствовал развитию оформления книг и театральной декорации.
Русской сказочной теме художник посвятил все свое творчество, серьезно для того подготовившись: много ездил по России, особенно по Северу, с интересом изучал русское народное и декоративное искусство. Билибин рано выработал свой графический стиль, основанный на тщательно прорисованном и подробном узорчатом контурном рисунке, расцвеченном акварелью. Стиль этот получил название «билибинский», сделался популярным и породил немало подражаний. Сам художник перенес его из иллюстраций к сказкам в журнальную и промышленную графику (открытки, рекламные плакаты, календари и пр.), а также в политическую карикатуру, которой занимался в годы первой русской революции. Его же он использовал и в своих театральных работах, тем более что Билибину предпочитали заказывать декорации к спектаклям на темы русских сказок или русской старины. Правда, первой его работой в театре были декорации к средневековому мираклю «Действо о Теофиле» (1907). Затем он оформил оперные спектакли «Золотой петушок» (1909) и «Садко» (1914) Н. А. Рим-ского-Корсакова, «Руслан и Людмила» М. И. Глинки (1913) и стал признанным театральным художником.
Одной из значительных работ Билибина были иллюстрации к «Сказке о царе Салтане» А. С. Пушкина. Эта сказка с ее многокрасочными картинами древнерусского быта дала богатую пищу билибинской фантазии. С поразительным мастерством и большим знанием изображал художник старинные костюмы и утварь. Он отразил основные эпизоды пушкинской сказки. Однако между листами серии заметны различные источники стилизации. Иллюстрация с изображением Салтана, заглядывающего в светлицу, отличается эмоциональностью и напоминает зимние пейзажи И. Я. Билибина с натуры. Сцены приема гостей, пира очень декоративны и насыщены мотивами русского орнамента. Лист с плывущей по морю бочкой напоминает знаменитую «Волну» Хокусаи.
Процесс выполнения И. Я. Билибиным графического рисунка напоминал труд гравера. Набросав на бумаге эскиз, он уточнял композицию во всех деталях на кальке, а затем переводил на ватман. После этого колонковой кистью с обрезанным концом, уподобляя ее резцу, проводил по карандашному рисунку четкий проволочный контур тушью. В зрелый период творчества Билибин отказался от употребления пера, к которому иногда прибегал в ранних иллюстрациях. За безукоризненную твердость линии товарищи шутливо прозвали его «Иван — твердая рука».
В иллюстрациях И. Я. Билибина 1900-1910 годов композиция, как правило, развертывается параллельно плоскости листа. Крупные фигуры предстают в величавых застывших позах. Условное деление пространства на планы и объединение различных точек зрения в одной композиции позволяют сохранить плоскостность. Совершенно исчезает освещение, цвет становится условнее, важную роль приобретает незакрашенная поверхность бумаги, усложняется способ обозначения контурной линии, складываеся строгая система штрихов и точек.
Дальнейшее развитие билибинского стиля состоит в том, что в более поздних иллюстрациях художник от лубочных приемов перешел к принципам древнерусской живописи: цвета становятся звучнее и насыщеннее, но границы между ними обозначены теперь не черным проволочным контуром, а тональным сгущением и тонкой цветной линией. Краски кажутся сияющими, но сохраняют локальность и плоскостность, а изображение порой напоминает перегородчатую эмаль.
В 1904 году Иван Билибин заговорил о себе как о высокоодаренном театральном художнике, оформив для Национального театра в Праге оперу Снегурочка Н.А. Римского-Корсакова. Позже Билибин нарисовав эскизы русских костюмов к опере Мусорского Борис Годунов, он создал эскизы костюмов и декораций к знаменитой постановке опер Римского-Корсакова Золотой петушок и Царь Салтан. В его жизни нашлось место не только для театра и сказок. Иван Билибин был и графиком, и сценографом, и автором журнальных статей.
В 1920 году И.Я. Билибин временно поселился в Египте. Там же вновь возвращается к оформлению спектаклей — работает с балетной труппой Анны Павловой. С 1925 года в Париже оформляет замечательнейшие русские балеты и оперы (среди них — «Сказка о царе Салтане» Н.А. Римского-Корсакова, «Князь Игорь» А.П. Бородина, «Борис Годунов» М.П. Мусоргского).
Видимо, эта тяга к национальному, русскому перевешивает интересную работу в Париже — в 1936 году он возвращается в Россию, в Ленинград. Здесь И.Я. Билибин интенсивно работает пять лет и умирает от голода в первую блокадную зиму.
Василиса и белый всадник. 1900
Произведения Билибина:
Вольга и Микула. 1940, Гвидон и царица. 1905, Добрыня Никитич освобождает от змея Горыныча Забаву Путятичну. 1941, Илья Муромец и Святогор. 1940,
Заключение
Таким образом, искусство нельзя считать необязательным приложением к более насущным благам и потребностям людей. Оно играет огромную роль в жизни человеческого общества, обеспечивая создание, накопление и трансляцию духовного опыта и эстетических ценностей от поколения к поколению, от человека к человеку, от культуры к культуре. Искусство является своеобразным зеркалом и самосознанием любой культуры, в котором отражаются ее сущностные черты. Осваивая произведения искусства, человек социализируется, познает мир, его прошлое, настоящее и будущее, научается постигать эмоционально-интеллектуальный мир другого. Потребность в искусстве никогда не покидает человека; даже в самые тяжелые исторические моменты он испытывает ее. Отказ от художественной деятельности способен вернуть человека в первобытное состояние, пренебрежение к высокой культуре и ее ценностям может привести и приводит к падению нравственности и, как следствие, разгулу преступности, наркомании и т.п. явлениям. И культурная политика любого государства должна обеспечивать поддержку высокого искусства, которое в условиях рынка переживает далеко не лучшие времена.
В курсовой работе изучен и проанализирован накопленный материал по истории былинного эпоса, сформировано представление об устном народном творчестве, его функциях и влиянии на воспитание поколений, выявлены основные аспекты отражения былинного эпоса в изобразительном искусстве на примере творчества художников прошлых столетий: Васнецова, Билибина, Врубеля и Васильева.
В практической части познакомились с творчеством современных художников, интересующихся истокам народной культуры, фольклором.
Так о чем же говорят былины? О любви к Родине, о доблести и беззаветной храбрости, о бескорыстии и верности долгу. Пафос былин, возникших много веков назад и несущих в себе черты давно отшумевших событий, не может не волновать слушателей и читателей.
Для русской культуры былины о богатырях очень важны. Они вмещают в себя не просто образы военных людей, которые стоял на страже границ родной земли, кто свою жизнь посвящал служению родному народу, но и тех, кто ставил своей целью заботу об обездоленных и угнетенных, кто умел держать данное слово, кто был крепок духом, храбр, смел, кто давал жестокий отпор врагам страны и народа, кто умел говорить правду прямо в лицо, кто боролся против насилия князей и бояр,- все это составляет пафос многих героических былин.
Замечательный композитор Рихард Вагнер говорил, что «сказки, мифы это есть цельность, сила и единство, потому что они лишены всего случайного, воплощая в себе одни лишь только неумирающие идеи». А это и есть банальные чувства, в которых заключены вечные человеческие аксиомы: эстетизм, гуманизм, романтизм, благородство, героизм. На этих ипостасях держится вид Homo Sapiens.
Список используемой литературы:
Аникин В.П. Русский богатырский эпос, М., Лань,2005- 352 с.
Базанов Вас. От фольклора к народной книге М., Дрофа, 2001 – 272 с.
Богатыри и витязи Русской земли: По былинам, сказаниям и песням. — М.: Моск.рабочий, 1990- 685 с.
Бергер Э., История развития техники масляной живописи, перевод с немецкого, М., 1961;
Калугин В.И. Струны Рокотаху…Очерки о русском фольклоре. СПб., Ленинградское издательство, 2004- 154 с.
Кравцов Н.И., Лазутин С.Г. Русское устное народное творчество. М., Просвещение, 1999- 425 с.
Лужецкая А. Н., Техника масляной живописи русских мастеров с XVIII по начало XX века. М., 1965.Бергер Э.,
Москва XIII-XVII веков в творчестве А. М. Васнецова. М.: Музей истории города Москвы, Интербук-бизнес, 1997- 156 с.
Москва на рубеже XIX-XX веков. М.: Музей истории города Москвы, Интербук-бизнес, 1997-230 с.
История развития техники масляной живописи, перевод с немецкого, М., 1961;
Лужецкая А. Н., Техника масляной живописи русских мастеров с 18 по начало 20 века, [М., 1965]. В. В. Филатов.
Путилов Б.Н. Застава богатырская. Краснодар., Визит, 2001- 254 с.
Рыбаков Б. Русские былины. М. Белый город, 2004- 215 с.
Филиппов В. Аполлинарий Васнецов. М.: Белый город, 2001- 345 с.
Юдин Ю.И. Героические былины (поэтическое искусство). М., Современник, 2006- 164 с.