Среди особенностей культуры XIX века выделим следующие: отрицание возможностей разума и разочарование в нём, а также неприятие прагматизма.
На смену Просвещению приходит романтизм. Истоки романтизма прослеживаются и у Ж.Ж. Руссо, у И.В. Гёте. Романтизм склонен обращаться к идеализму, представлениям фантастических мест, сильных героев и прекрасных героинь. Наиболее полно эти черты проявились в творчестве писателя В. Скотта, композитора Р. Вагнера. Отдельные идеи романтизма отразились на жизни многих людей, например, на судьбе правителя Баварии Людвига II. В романтизме появилась идея синтеза искусства, и стремление к этому стало причиной расщепления человеческого мировосприятия, религиозного и идеологического раскола в обществе.
В музыке первым представителем романтизма считается австрийский композитор Франц Шуберт (1797–1828 гг.), создатель романтической песни-романса (около 600 романсов принадлежат его перу). Этот композитор написал также девять симфоний. Известен и другой композитор-романтик – Роберт Шуман (1810–1856 гг.). Шуман мечтал быть прекрасным пианистом, однако повредил правую руку, вследствие чего занялся публицистикой и сочинением музыки, в чём он достиг больших успехов. Среди французских романтиков в музыке известен Гектор Берлиоз (1803–1869 гг.). На характер музыки Г. Берлиоза явно повлияли революционные события в Европе середины XIX столетия. Несмотря на то, что наибольшую известность получили революции 1848–1849 годов, народные возмущения социальной несправедливостью, произволом жестокого капиталистического правительства имели место почти по всей Европе на протяжении всей первой половины XIX века, что и нашло отражение в творчестве Г. Берлиоза. Так, под впечатлением Июльской революции 1830 года Г. Берлиоз написал «Траурно-триумфальную симфонию».
В первой половине XIX столетия польскую музыкальную культуру прославили композиторы Фредерик Шопен (1810–1849 гг.) и Станислав Монюшко (1819–1872 гг.). Оба музыканта источником для своего творчества считали народную культуру. С. Монюшко писал также и оперы. Так, в 1848 году он написал первую польскую оперу «Галька», в которой остро поставил вопрос о чести человека, ответственности за достоинство своего ближнего.
Особенно большой известностью обладает немецкий композитор Рихард Вагнер (1813–1883 гг.). Его оперы рассчитаны не только на исполнение арий отдельными лицами, но и на хоровое пение, в котором каждый участник должен обладать большими голосовыми возможностями. Герои же опер Р. Вагнера предстают сильными, волевыми людьми, способными бороться с мировым злом. Надо заметить, что сам Вагнер мечтал, чтобы каждый человек мог прикоснуться к великому искусству оперы, поэтому предложил построить театр, который отличался бы дешевизной входных билетов. В 1876 году в баварском городе Байрейт, по инициативе Р. Вагнера, такой театр был построен. В нём места на полторы тысячи зрителей располагались амфитеатром, но партеров, лож, ярусов не было. В современном мире на сцене этого театра по-прежнему ставят оперы, в том числе оперы Р. Вагнера, но цены на билеты крайне высокие, так что мечта Вагнера об общедоступном театре не сбылась.
В 40-х годах XIX века в Европе начал складываться реализм. Реализм – это понятие, характеризующее познавательную функцию искусства: правдивое, объективное изображение действительности; правда жизни, воплощённая специфичными средствами различных стилей и видов искусства. Широко понимаемый реализм представляет собой основную тенденцию исторического развития художественной культуры, присущей всякому большому искусству.
К наиболее существенным чертам реализма можно отнести следующие:
· Объективное отображение существенных сторон жизни в сочетании с высотой авторского идеала.
· Воспроизведение типичных характеров в типичных обстоятельствах при полноте их индивидуализации.
· Жизненная достоверность изображения.
Реализм с романтизмом объединяет интерес к социальным противоречиям, к отношению между человеком и обществом, неприятие крайнего рационализма капиталистического мира, разочарование в революции. Однако, в отличие от романтизма, реализм отражает действительность объективно, без её идеализации. Весьма ярко реализм был проявлен в начале ХХ столетия. К крупнейшим представителям реализма относятся Стендаль, Ч. Диккенс, О. Бальзак, Г. Флобер, Т. Манн, Э. Ожешко, а также знаменитый американский писатель Т. Драйзер. В России среди писателей-реалистов выделяют Л.Н. Толстого, Ф.М. Достоевского, А.П. Чехова. В русской живописи реализм нашёл своё отражение в творчестве таких художников, как И.Е. Репин, В.Г. Перов.
С 50-х годов XIX века европейская культура входит в эпоху декаданса (от фр. decadens – упадок). В это время в обществе господствуют пессимистические, упаднические настроения, а в искусстве проявляется кризис академизма.
В художественном искусстве Европы вследствие кризиса академизма, зарождается импрессионизм (от фр. впечатление). Его представителями являются такие художники, как К. Моне, Э. Моне, Э. Дега, О. Ренуар, П. Гоген.
Черты импрессионизма:
— Картины пишутся на пленэре, на открытом воздухе.
— Непризнание чёрного цвета (все тени цветные).
— Изображение одних и тех же объектов в разное время суток с целью более богатой передачи красок и цветов.
— Использование широких мазков при написании картины, поэтому картины импрессионистов лучше всего смотреть с некоторого расстояния.
В постимпрессионизме (Ван Гог) прослеживается рассудочность и регламентация искусства.
В России импрессионизм глубокого развития не получил, но всё же в некоторых своих чертах нашёл воплощение, например, в картинах К. А. Коровина («Фруктовая лавка», «Портрет Ф.И. Шаляпина»). Также элементы импрессионизма можно найти в творчестве В. А. Серова (картина «Девочка с персиками», написанная в 1887 году). Но всё же относительная чёткость линий на картинах этого художника не позволяет однозначно относить его к импрессионистам.
В целом в русской живописи на протяжении XVIII века господствовала портретная живопись, а в следующем столетии преобладали реалистические мотивы. Портретная живопись в основном была следствием утверждения абсолютной монархии, а вот в последующее время художники больше обращались к темам народного быта, социальной несправедливости, историческим событиям. Тема русского быта, русской действительности проявилась в работах Б.М. Кустодиева («Русская Венера»), К.П. Брюллова («Гадающая Светлана»), И. Е. Репина («Мужичок из робких»). Проблема социальной несправедливости весьма полно раскрыта в картинах В.Г. Перова («Тройка», «Чаепитие в Мытищах близ Москвы», «Приезд гувернантки в купеческий дом»), С.А. Виноградова («Нищие»), В.В. Пукирева («Неравный брак»). Исторические же события прекрасно отражены на полотнах В.И. Сурикова («Боярыня Морозова», «Покорение Сибири Ермаком», «Утро стрелецкой казни»); в картинах баталиста В.В. Верещагина («Скобелев на Шипке», «Смертельно раненый»); в творчестве И.К. Айвазовского («Бриг «Меркурий» после боя с двумя турецкими судами»).
Возвращаясь к теме импрессионизма, следует сказать, что это направление в искусстве, сложившееся в живописи, быстро перешло и в область музыки. Основоположником музыкального импрессионизма считают Клода Дебюсси (1862–1918 гг.). Его наиболее известное симфоническое произведение называется «Море» (1905 г.), в котором ярко выражены перемены музыкального настроения: от умиротворённого до бушующего. Надо отметить, что симфонию «Море» К. Дебюсси писал, глядя на картину «Большая волна близ Канагавы» японского художника Кацусики Хокусая. В это время в Европе общество было увлечено японской культурой, которая с середины XIX века под угрозой вооружённого вмешательства США приостановила свою изоляционную политику. В связи с тем, что Япония стала относительно открытой страной, культурный взаимообмен между ней и европейскими странами резко возрос, и многие европейцы смогли познакомиться с искусством японских художников и гравёров. Их произведения увлекли многих представителей импрессионизма, как в музыке, так и в живописи. В 1902 году Дебюсси по пьесе бельгийского поэта и драматурга Мориса Метерлинка написал оперу «Пеллеас и Мелизанда». В этой опере воспевается сила любви, которая своим духовным наполнением возвышает человека и позволяет ему преодолевать любые препятствия. Особенно прекрасны фортепианные произведения Дебюсси. О его игре на фортепиано говорили так, что он руками целует клавиши. Перед началом Первой мировой войны Дебюсси посетил Москву и Петербург, где выступил как пианист и дирижёр с исполнением преимущественно собственных произведений.
Среди музыкантов-импрессионистов также выделяется французский композитор Морис Равель (1875–1937 гг.). Иногда Равеля обвиняют в подражательстве Дебюсси, но надо признать, что в творчестве Равеля импрессионизм имеет собственное понимание. Получив признание в области музыки ещё в студенческие годы, Равель отдавал предпочтение фортепьянным произведениям. К тому же, Равель занимался симфонической музыкой, из которой весьма примечательно его произведение «Испанская рапсодия». В 1920-х годах талантливая русская балерина Ида Рубинштейн заказала Равелю музыку на испанскую тему. В 1928 году композитор, выполняя заказ балерины, создал такую музыку – «Болеро». В 1912 году Равель пишет балет «Дафнис и Хлоя» – яркий пример музыкального импрессионизма.
Наиболее же известными западноевропейскими оперными композиторами первой половины XIX – начала ХХ вв. по праву считаются Джузеппе Верди (1813–1901 гг.) и Джакомо Пуччини (1858–1924 гг.). Сложно отнести искусство этих музыкантов к какому-либо направлению. В их творчестве можно увидеть и строгость классицизма, подчёркивающего подчинённость человека законам мира сего, его ответственность за свои деяния; и глубокие романтические чувства; и суровость реализма бытия духовного человека в мире вещей; и яркие краски барокко; и эмоциональную напряжённость, быструю смену настроения, свойственные импрессионистам. Оперы Верди – это яркое выражение непоправимой трагедии человеческой души, это совокупность обстоятельств, напоминающих людям о том, что каждый из них соучаствует в устроении той системы, которая жестоко уничтожает благородные сердца. Надо отметить, что изначально Верди обращался к историческим событиям, питавшим его творчество. Например, оперы «Навуходоносор» («Набукко») или «Битва при Леньяно», в которых показана жизнь людей на фоне исторических событий, взаимосвязь судеб народов с судьбами отдельно взятых людей. В таких операх особое место занимают хоровые сцены, где отражён дух наций, борющихся за независимость. Некоторые оперы Верди связаны с тонким исследованием внутреннего мира человека, например «Макбет», «Луиза Миллер». В наиболее величественных своих операх: «Травиата», «Риголетто», «Дон Карлос», «Трубадур», «Аида» – Верди показал гибель прекрасных людей, отстаивающих принципы чести, справедливости, желающих духовно исцелиться и начать новую светлую жизнь. Некоторые герои Верди мстят злодеям, но при этом они сами становятся соучастниками в деле осуществления зла, что приводит к трагедии их собственных душ и к горю других людей. Фактически круг зла заключает в свои ледяные, мертвенные объятия всё большее и большее количество человеческих судеб. Другие же герои, например, Аида и Радамес, умирают на вершине собственного духовного подвига, подвига таких людей, которые, несмотря на свою обречённость на смерть, не озлобились и сохранили в себе чувство прекрасной, чистой, светлой любви.
Говоря о Пуччини, следует обратить внимание на то, что в его родном городе Лукке (в центре Италии) не было оперного театра, и Пуччини направился в соседний город, чтобы посмотреть оперу Джузеппе Верди «Аида». Под впечатлением от этой оперы Пуччини решает стать оперным композитором. Самые известные его оперы – это «Богема», «Тоска», «Манон Леско», «Мадам Баттерфляй» («Чио-Чио-Сан»), «Турандот». Свою последнюю оперу – «Турандот» – Пуччини не успел закончить – он умер. Оперу завершил другой композитор – Франко Альфано (1876–1954 гг.).
Музыкальня культура в России
в период Нового и Новейшего времени
В России оперная музыка сложилась позже, чем в Европе, но уже в первой половине XVIII века оперную музыку небезуспешно начинают осваивать русские музыканты. Разумеется, нельзя сказать, что России до XVIII века была неведома музыкальная культура Западной Европы. В феврале 1673 года при дворе царя Алексея Михайловича состоялся первый балетный спектакль. Его подготовил иностранец Николай Лима (или Лим). Точно неизвестно, кто он был по происхождению – скорее всего, шотландцем, эмигрировавшим во Францию, а затем приехавшим в Россию в качестве офицера инженерных войск. Однако вполне достоверным фактом является то, что его познания в балете были весьма велики. Он стал руководителем зарождающейся балетной труппы, её педагогом и балетмейстером. Балеты, поставленные Николаем Лимом, были преимущественно во французском стиле. Однако временной переход к опере, включавшей в себя и балет, в России был более длительным.
В России XVIII века некоторое время главенствующую роль в музыке играли итальянские композиторы. Например, Франческо Арайя (1709–1770 гг.) сочинил первую оперу на русский текст – «Цефал и Прокрис». Либретто же написал Александр Петрович Сумароков (1717–1777 гг.). Премьера этой оперы состоялась в 1755 году, а исполняли её русские певцы. В целом в России утвердилась опера-сериа. Во второй половине XVIII столетия проявляют себя и русские композиторы. Например, Евстигней Ипатович Фомин (1761–1800 гг.), который получил музыкальное образование в Италии, являлся членом Болонской филармонической академии. Наиболее известные его произведения – оперы «Ямщики на подставе» и «Орфей». «Ямщики на подставе» отличается тонкой, профессиональной обработкой русского народного хорового пения. В опере «Орфей» выделяются балетные номера, сочетание разговорной речи с инструментальной и хоровой музыкой. Также широко известны и другие русские композиторы, такие как Максим Созонтович Березовский (1745–1777 гг.), создавший новый тип русского хорового концерта (опера «Демофонт» (1773 г.), и Дмитрий Степанович Бортнянский (1751–1825 гг.), во многом известный как автор оперы «Сын-соперник» (1787 г.). Музыка этих композиторов является духовной, однако она не укладывается в строгие рамки православного богослужения, поэтому невозможно назвать её церковной. Особенно больших успехов эти композиторы достигли в развитии хоровой музыки, наиболее полно связанной с самой культурой. С начала XVIII века, когда культурная граница между крестьянством и дворянством стала особенно очевидной, многие деятели культуры стали обращать внимание на культуру не только как на образ жизни, но и как на объект наблюдения. Многие музыканты-любители собирали в различных уголках России народные сказки, былины, песни, которые в последующем получали профессиональную музыкальную обработку. Народная хоровая песня весьма сильно повлияла на всё последующее русское музыкальное искусство.
В XIX столетии наблюдается подлинный расцвет русской оперы. В 1836 году М.И. Глинка (1804–1857 гг.) пишет оперу «Смерть за царя», которую в СССР по идеологическим причинам назвали «Иван Сусанин». В опере «Смерть за царя» достаточно ясно проявляется хоровая музыка (интродукция «Родина моя») в исполнении хора ополченцев, возглавляемого русским воином. Вместе с тем в опере хоровая музыка весьма удачно гармонирует с индивидуальными партиями.
Перу М.И. Глинки принадлежит также опера «Руслан и Людмила», где композитор особенно ярко отразил обрядовую сторону русской жизни. Не менее интересна и опера «Русалка», написанная молодым другом М.И. Глинки А.С. Даргомыжским (1813–1869 гг.). В этой опере показана ответственность правителя, которую тот несёт за других людей. Нередко именно пороки властителей толкают людей на совершение различных грехов. Правитель, в данном случае князь, будет нести ответственность не только за собственные, но и за те грехи, которые совершили люди по причине его недостойного поведения. В опере показано, как моральная нечистоплотность князя привела к самоубийству женщины, ставшей Русалкой, и к сумасшествию её отца. Здесь князь выступает не просто в качестве правителя, но и в качестве человека, который, как и большинство остальных людей, не смог избежать совершения тяжкого греха.
Из оперных композиторов второй половины XIX столетия следует выделить М.П. Мусоргского, Н.А. Римского-Корсакова, А.П. Бородина, П.И. Чайковского. В русских операх, как правило, явно прослеживается идея государственности, ответственности царя за свой народ перед Богом и своей совестью. Тема же отношений между мужчиной и женщиной, которой изобилует итальянская опера, в русской опере присутствует в основном в качестве фоновой. Причём, в целом, русские композиторы писали оперы по мотивам реальных исторических событий и весьма редко обращались к мифическим героям, которые часто являются ключевыми фигурами в операх западноевропейских композиторов. Герои русских опер – это конкретные, реально жившие исторические персонажи, такие как князь Игорь, Иван IV, Иван Сусанин, Борис Годунов. Не менее примечательной чертой русской оперы является её обращённость к образам не только дворян, царственных особ, но и к образам простых людей. В русских операх достаточно реалистично отражён быт русского народа.
Русские оперы в основном были тесно связаны с русской классической литературой. Например, М.П. Мусоргский создал оперу «Борис Годунов» по одноимённому литературному произведению А.С. Пушкина, Н.А. Римский-Корсаков написал оперу «Псковитянка» по пьесе русского поэта и драматурга Л.А. Мея.
Прекрасным образцом русской оперы является опера А.П. Бородина «Князь Игорь». Эта опера написана по мотивам событий, изложенных в литературном памятнике культуры Древней Руси «Слово о полку Игореве», где описывается неудачный поход путивльского князя Игоря против половцев в 1185 году. В центре этой оперы стоит мужественный князь Игорь и его благородная, благочестивая жена Ярославна. В начале оперы хор исполняет пролог «Солнцу красному слава», и князь с дружиной собираются в военный поход. В битве с половцами Игорь терпит поражение и попадает в плен. В плену Игорь отказывается от союза с половецким ханом Кончаком и вскоре решает бежать. Сам побег Игоря предстаёт не рядовым бегством пленника, а ответственным поступком на фоне сложных переживаний князя. Игорь понимает, что для того, чтобы вернуть себе честь и славу, ему нужна свобода. Только в свободе он может искупить свой позор, возвратить себе честь и славу, спасти Русь от недруга. Здесь показано то, что князь ответственен не только за свою личную честь, но и за судьбу своего народа.
Примечательно то, что музыка из оперы «Князь Игорь» послужила основанием для создания некоторых музыкальных произведений в ХХ веке. Например, известная песня английской певицы Сары Брайтман «Stranger In Paradise» имеет музыкальную основу, взятую из второго действия оперы «Князь Игорь», а именно «Улетай на крыльях ветра», в исполнении двухголосного женского хора. Её оперный текст начинается так: «Улетай на крыльях ветра ты в край родной, родная песня наша, туда, где мы тебя свободно пели, где было так привольно нам с тобою». В опере именно с этого хорового исполнения начинаются знаменитые, захватывающие своей зрелищностью половецкие пляски.
Не менее сильные оперы написаны композитором М.П. Мусоргским. Его опера «Борис Годунов» повествует о смутных временах в истории русского государства. «Борис Годунов» начинается хоровым исполнением «На кого ты нас покидаешь». Здесь бесправный, незащищённый люд на коленях отчаянно умоляет Бориса Годунова стать царём России. Далее идёт монолог думного дьяка. Затем монолог сменяется хоровым исполнением «Слава тебе, Творцу Всевышнему». Данная часть оперы написана в стиле церковных песнопений. В опере «Борис Годунов» во всей полноте показана ответственность царя за спасение народа. Об этой ответственности государя напоминают сами люди в хоровом исполнении «Кормилец, батюшка, подай Христа ради», где народ просит царя дать хлеба.
На рубеже XIX–XX веков происходит наиболее полное оформление русского балета, который во всём мире был и остаётся непревзойдённым эталоном балетного искусства. Существенные предпосылки для взлёта русского балетного искусства были заложены, прежде всего, П.И. Чайковским, внёсшим в него глубокое образное содержание, драматическую выразительность, такое новшество, как непрерывное симфоническое развитие. Балеты П.И. Чайковского: «Лебединое озеро» (1877 г.), «Спящая красавица» (1890 г.), «Щелкунчик» (1892 г.) – являются шедеврами мирового искусства. В них на протяжении всей постановки раскрывается внутреннее, смысловое течение действий, ясно отражаются индивидуальные черты главных героев. Балеты П.И. Чайковского характеризуются целостностью и единством музыкального и смыслового содержания. Вместе с тем балетные постановки П.И. Чайковского отличаются достаточно высокими требованиями по отношению к профессиональным и духовным качествам исполнителей балетных партий. Для того чтобы по-настоящему выразить духовный мир некоторых героинь, балерине необходимо уметь не просто красиво двигаться, но также обладать внутренним благородством и добротой, которые не смогут найти своё сценическое отражение, если исполнительница далека от принципов морали. Достаточно вспомнить такую героиню, как девочка Мари из балета «Щелкунчик», поставленного по сказке Гофмана «Щелкунчик и мышиный король».
Широкое знакомство с русским балетом Европа получила благодаря Сергею Дягилеву, который с 1909 года в столицах западноевропейских стран открыл «Русские сезоны». Главным хореографом балетных спектаклей был Михаил Фокин. В труппе С. Дягилева раскрыли свои таланты великие представители русского балетного искусства, такие как Вацлав Нижинский, Анна Павлова, Матильда Кшесинская, Тамара Карсавина, Ида Рубинштейн, Лидия Лопухова. Над декорациями и костюмами дягилевских постановок работали выдающиеся художники и декораторы, в числе которых назовём Пабло Пикассо, Анри Матисса, Александра Бенуа. С. Дягилев плодотворно сотрудничал с такими знаменитыми композиторами, как Морис Равель, Рихард Штраус, Эрик Сати, Клод Дебюсси, Сергей Прокофьев. Столь уникальный союз представителей мировой культурной элиты, образованной вокруг русской балетной труппы Сергея Дягилева, являет собой яркий пример международного сотрудничества в области высокой культуры. Традиции, заложенные русским балетом, оказали существенное влияние на развитие хореографического искусства во всём мире. Благодаря титаническому труду русских хореографов, балерин и балетмейстеров, а также действенным замечаниям их критиков, сложились чёткие принципы, позволяющие отличить непристойные танцы от балетного искусства. Выступления труппы С. Дягилева проходили не только в европейских столицах, но также и в других столицах, например, в Рио-де-Жанейро, в Монтевидео, где жители Бразилии и Уругвая впервые узнали, что существует такое великое искусство, как балет. В русских балетных постановках на сцене получали жизнь самые чистые и прекрасные образы, которые облагораживают и возвышают человека.
В Советском Союзе традиции русского балета, его совершенствование как вида высокого искусства продолжили такие великие балерины, как Г.С. Уланова (1909-1998), О.В. Лепешинская (1916-2008), Е.С. Максимова (1939-2009), М.М. Плисецкая (род. в 1925). Несмотря на трудные послереволюционные годы, балет продолжал существовать. В 1960-х годах особенно ярко проявил себя балетмейстер Юрий Николаевич Григорович. Он считал, что балетные выступления должны воплощать сюжет, а не подстраиваться к нему. Иначе говоря, если ранее балет лишь зрительно в танце выражал уже какое-то известное произведение, то теперь сам балет являл собой самостоятельное произведение, на основе которого можно было, например, написать роман или снять фильм. Несмотря на то, что в СССР артисты балета обязывались властями к соблюдению ряда норм, часто связанных с политикой, а не с искусством, уровень советского балета был очень высоким. Важным было и то, что балетные артисты в своей деятельности видели эстетические, нравственные основы, но не экономические. Между тем именно нематериальные нравственно-эстетические ценности образуют настоящий фундамент искусства, который невозможно заменить даже самыми большими финансовыми средствами.
К концу XIX – начала ХХ столетий в России выявляются талантливые оперные певцы, например, Л.В. Собинов и Ф.И. Шаляпин. Не менее примечательно и то, что многие русские оперные певцы исполняли романсы, написанные на стихи классиков русской литературы. Русские романсы фактически дополнили русскую народную песню. Жанр русской песни, представленный романсами, был основан Алексеем Мерзляковым – студентом и впоследствии профессором Московского университета. Большую часть своих романсов он написал в начале XIX столетия. Он является автором таких романсов, как «Чернобровый, черноглазый…», «Среди долины ровныя…», «Ах, что же ты, голубчик…». В целом же, в этот период наблюдается расцвет русской музыкальной культуры. Наиболее известные поэты, стихотворения которых легли в основу романсов, жили и творили в XIX веке. К ним относятся: В. Жуковский («Кольцо души-девицы…», «Цветок»), А. Пушкин («Я Вас любил…», «Зимний вечер»), К. Батюшков («Мой гений»), К. Рылеев («Элегия»), А. Фет («На заре ты её не буди»). Многие романсы были написаны на стихи тех поэтов, которые жили ещё в XVIII веке, например: «Стихи похвальные России» (В. Тредиаковский), «Ночною темнотою» (М. Ломоносов), «Негде, в маленьком леску…» (А. Сумароков), «Мечта» (Г. Державин).
С произведениями же поэтов и композиторов предреволюционной эпохи дело обстоит сложнее, поскольку их творения редко распространялись в музыкальном быту. К поздним романсам можно отнести «Каменщик» (В. Брюсов), «В голубой далёкой спаленке» (А. Блок).
Русский романс является ярким феноменом культуры, в основании которой лежали православные ценности. Иногда очень сложно отличить русскую народную песню от романса, поскольку все слои русского общества, создававшие народную музыку и сочинявшие романсы, жили в едином поле религиозных ценностей. Примечательно, что такие песни, как «В лунном сиянии», «Вот мчится тройка почтовая» нередко исполняются одним исполнителем. Несмотря на то, что первую песню традиционно называют романсом, а вторую – русской народной песней, в обоих выражается мысль, согласно которой брак не подлежит расторжению. В русской музыке, как и в культуре в целом, нельзя найти такой кощунственной мысли, что, дескать, сегодня женился, а завтра развёлся и снова женился, ибо в этом случае наносится непоправимый ущерб человеческой природе. Также в русском романсе говорится о духовной ответственности за другого человека, например, в романсах «Не говорите мне о нём», «Не пробуждай воспоминанья». Особенно ярко и прямо мысль о духовной ответственности выражена в романсе «Нищая», где в последних строках пишется: «О, чтоб она на промысл не роптала, подайте милостыню ей». В этих словах подчёркивается то, что если человек уйдёт на Суд Божий озлобленным на людей, то этот грех будет лежать также на тех, кто послужил причиной его озлобления и духовной гибели. Романсы не просто воспевали самые чистые стремления человека, но и подчёркивали трагедию согрешившего человека. Важно учесть и то, что певцы русского романса часто являются одновременно исполнителями церковных песен, таких как «Канон Андрея Критского» в исполнении Олега Погудина; «Царице моя Преблагая» в исполнении Татьяны Петровой; «Христос воскресе», «Христос и самарянка», «Страшный Суд», «Воскрешение Лазаря» в исполнении Евгении Смоляниновой. Этот факт подчёркивает то, что романс, будучи частью мирской (светской) культуры, главным образом основывается на православной святоотеческой традиции.
В советский период русские народные песни и романсы получили «вторую жизнь» в исполнении таких певцов, как А. Вертинский, Л. Русланова, В. Козин, И. Юрьева, Л. Рюмина, Л. Зыкина. В современное время русские романсы являются важной частью репертуара О. Погудина, Е. Смоляниновой, Т. Петровой, Н. Кадышевой, Ж. Бичевской, Н. Бабкиной. Значительную роль в развитии исполнения русской народной песни, в методике постановки голоса при исполнении народных песен, в подготовке самих народных певцов сыграла Нина Константиновна Мешко (1917-2008) – народная артистка СССР, профессор. В течение 48 лет она руководила Северным русским народным хором. Руководство таким хором, основанным в 1926 году в городе Великом Устюге, требует обширных знаний традиций культуры русского севера, а главное, высокой духовности. Под её руководством шло становление таких певцов, как Л. Рюмина, Л. Зыкина, Н. Кадышева, Т. Петрова, Е. Смолянинова. Русский романс велик, прежде всего, своим глубоким духовным содержанием, в котором народный быт, нормы культуры, чувства благочестивого отражены на фоне самых прекрасных человеческих переживаний. Всякое движение души в романсе отражается с предельной выразительностью, будь это радость или горе, любовь или погубленное сердце.